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miércoles, 31 de diciembre de 2008

ZAIDA SAIACE Piano



Empieza a tocar el piano a los seis años y, al poco tiempo, hace sus primeras presentaciones en público.

Realiza sus estudios formales en Argentina. Se recibe de Profesora Superior de Piano en el Conservatorio Juan José Castro de La Lucila. Al mismo tiempo, estudia armonía y contrapunto con Sergio Hualpa y análisis musical, con Francisco Kröpfl.

Pero Fedora Aberastury, creadora del Sistema Consciente para la Técnica del Movimiento -una disciplina que replantea la relación entre el pensamiento y la acción, a partir del desarrollo de la conciencia de los centros de energía- es la presencia decisiva en su formación.

Obtiene diversas becas de perfeccionamiento en el país -de la Fundación Leonor Hirsch de von Buch para estudiar con Alfonso Montecino de la Bloomington School of Music, Universidad de Indiana (1985/1986), de Festivales Musicales de la Argentina, con Rosalyn Tureck (Instituto Goethe, Buenos Aires) y de la Fundación Antorchas para el Curso de Música de Cámara con Menahem Pressler (1989/1990, Camping Musical de Bariloche)-.

En el exterior, en 1987, continúa sus estudios con Montecino en la Bloomington School. Y en 1988, obtiene una beca de la Fundación Vitae de Brasil para otro Seminario sobre la obra de Bach también con Rosalyn Tureck.

Desde 1980, sus presentaciones en conciertos como solista y de música de cámara, en festivales y grabaciones -ciclo Los Intérpretes, Radio Rivadavia- abarcan un repertorio en el cual se destacan autores tales como Chopin, Bach, Beethoven, Fauré, Schubert, Schumann, Ravel y Brahms, cuyos Valses de Amor 0p.52. interpreta integrando la Camerata Vocale, en el Auditorio de Virrey Loreto, en el Teatro Colón y en otras salas, con dirección de Guillermo Opitz, junto a Víctor Torres, Bernarda Fink, Virginia Correa Dupuy entre otros reconocidos cantantes de la escena musical.

En 1985, participa en el homenaje que organiza la Agrupación Nueva Música en el 50º Aniversario de la muerte de Alban Berg, en el Museo Nacional de Bellas Artes. En l990, como pianista e intérprete del Pierrot Lunaire de Arnold Schönberg, participa en la inauguración del Centro de Experimentación del Teatro Colón, bajo la dirección de Gerardo Gandini y la régie de Pina Benedetto y Horacio Pigozzi. En l99l, también para el mismo centro, como pianista y clavecinista de la ópera El Milagro Secreto de Martín Matalon, participa en el estreno que, bajo la dirección de su autor, se realiza en el Instituto Goethe de Buenos Aires.



A partir de su trayectoria como intérprete de música clásica y contemporánea, Saiace inicia un viraje diferente en su repertorio y lo singulariza con la presencia de compositores argentinos, brasileños y franceses del siglo XX, franqueando los límites entre música clásica y popular. Su Diario De Pianista (Melopea Records, 1992) es una antología para piano solo que lo pone de manifiesto. Con este Diario, precisamente, participa en el Primer Festival Musical de Bariloche, en el hotel Llao-Llao, en 1993.
Ese mismo año, inicia sus presentaciones en Alemania, Francia y España, donde sigue desarrollando su actividad profesional.
Al mismo tiempo, se dedica activamente a organizar ciclos de conciertos -La música y sus aliados- en el Centro Cultural Recoleta, que comprenden música clásica, tango y jazz. Ya en l984 había organizado el ciclo Música al Mediodía para la Universidad de Buenos Aires, en sus sedes de Ciencias Exactas, Arquitectura y Odontología.

Un espectáculo que denominó De Corea a Mozart, con tangos brasileros de Nazareth, milongas de Piazzolla, Children's Songs de Chick Corea y el Concierto nº23, K.288 de Mozart, se realizó en 1994 en distintas salas de Buenos Aires. También en ese año, en el Centro Cultural Recoleta fue directora musical e intérprete de Noche Corta, un espectáculo de danza contemporánea y canto, original de Ricky Pashkus.
Durante este lapso, formando parte de su búsqueda expresiva, toca con músicos provenientes del jazz, el tango y el folklore -Horacio López, Enrique Sinesi, Luis Borda, Marcelo Moguilevsky, Alejandro Santos, Jorge Cumbo-.
Música de Buenos Aires y otras Tierras fue la presentación que hizo en l995, en el Teatro Municipal General San Martín y otras salas de Buenos Aires, con el guitarrista Luis Borda y para el CEOB, del Teatro Colón de Buenos Aires, fue la pianista del Diario de un Desaparecido, de Léos Janácek, que tuvo un éxito notable, bajo la régie de Emilio Schejtman en el Museo de Arte Moderno. Este espectáculo fue repuesto en l997 dentro del marco del Primer Festival Internacional de Buenos Aires en el Teatro Colón (CETC), con el mismo elenco y pianista, el vestuario creado por Renata Schussheim, y la dirección de Oscar Aráiz .

En 1996 y l997, su actuación se desenvuelve mayormente en Francia y Alemania.
En la Cité Internationale des Arts de París, con el auspicio del Mozarteum Argentino, se dedica a la composición y a la grabación de su CD Amores de Argentina.
Realiza múltiples presentaciones de su Diario de Pianista (en el ciclo Midi et Demi de la Universidad de Saint-Denis,Paris VIII, en la Salle de la Légion d'Honneur de la Mairie de Saint-Denis, en la Cité Internationale des Arts con el auspicio de la Embajada Argentina, etc.) Actúa en Alemania, como solista o en dúo con el guitarrista Luis Borda, en las ciudades de Köln, Koblenz, Weimar, Erfurt, Freiburg, München y en la Passionskirche de Berlín.
También en Alemania, junto a Luis Borda, el holandés Thijs van Leer en flauta y el chileno Mario Argandoña en percusión, graba su CD Nouveau Tango, que reúne nuevas versiones de clásicos como Salgán, Laurenz y Piazzolla, con composiciones de Borda y propias. Nouveau Tango fue editado por el sello alemán Hammermusik.


En 1998, en Argentina, se presenta en el Ciclo de Música Contemporánea del Teatro Municipal San Martín estrenando Three Monotypes for Piano Solo de Martín Matalón -obra que el autor le dedicó- y Blunt Music del canadiense Peter Hatch para dos pianos, marimba y vibráfono junto a Haydée Schwartz, Angel Frette y Luis Favero.
En Alemania realiza una gira en dúo con el guitarrista y compositor Quique Sinesi.
Su presentación como solista -en marzo de ese mismo año- en el Jazz Club Tonne, de Dresden, mereció excelente crítica de la prensa local. Allí, el Societätstheater le encomienda la creación de la música original para la nueva obra teatral Nostalgias,Tango für Vier, del dramaturgo Jörg Wolf, que se estrenara en l999 dentro del marco de la Semana Internacional de la Danza de Dresden.
En la Fundación La Caja, estrena esta última producción junto al contrabajista Fernando Galimany, y en el 2000, con Edgardo Cardozo en guitarra, Fernando Galimany en contrabajo y Sebastián Petrosini en percusión, presenta sus nuevas composiciones y el material de su CD Amores de Argentina, Diario de Pianista, -que incluye temas de Piazzolla, Salgán, Guastavino, Gismonti, Nazareth, Satie, Villa-Lobos- en una serie de conciertos en el Centro Cultural Recoleta, la Sala AB del Centro Cultural San Martín, etc.

Desde 1980 y a lo largo de todos estos años, se dedica a la enseñanza privada del piano y a la transmisión del Sistema Consciente para la Técnica del Movimiento a músicos y artistas provenientes de distintas disciplinas. Entre 1987 y 1990, trabaja junto con Alcira Merayo y Raquel Zone en la compilación de escritos de Fedora Aberastury que culmina con la publicación, por Editorial Catálogos, del libro "Escritos, Sistema Consciente para la Técnica del Movimiento" .

Hasta el momento lleva 7 discos grabados, el último en el 2007 con el título "El tiempo es uno" editado por MDR Records.
Fuente www.saiace.com

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VALÉRIA ZANINI Piano



Valéria Zanini nació en Anápolis, Brasil e inició su educación pianista en el Conservatorio de Música de la Universidad Federal de Goiás.

En 1971 se mudó a Río de Janeiro donde estudió en la Escuela Nacional de Música, así como el Instituto Villa-Lobos. Continuó sus estudios en Chile, después se trasladó a Dinamarca en 1974 y obtuvo su diploma de solista en el Real Conservatorio Danés de Música. Además asistió a varias clases de piano Master en Francia, Bélgica, Suiza, Italia y Suecia, con profesores como Nikita Magaloff, Carlo Zecchi y Fausto Zadra. En 1978 recibió el Precio de la Reina Ingrid, que la llevó a un período de especialización técnica en el piano, en Roma.

Ha dado conciertos en varios países de Europa, así como en Brasil. En Dinamarca ha actuado como solista con las orquestas sinfónicas más grandes, además de haber dado varios recitales en las más importantes salas de conciertos del país.

En Brasil ha trabajado como solista con la Orquesta Sinfónica de Campinas, São Paulo, y la Joven Orquesta de Saint André, aparte de haber dado un gran número de conciertos en muchas ciudades en diferentes estados de Brasil, entre otros, Río de Janeiro, São Paulo, Minas Gerais, y Brasilia.
Para el 300 aniversario de la ciudad de Mariana, MG, Valéria Zanini fue invitado a dar un concierto, así como a dos Festivales de Arte en la ciudad de Goiás.

Recientemente actuó como solista con la Orquesta Sinfónica del Perú en Lima.

En esta última temporada ha ofrecido recitales en Montenegro (Yugoslavia), en Karlsbad y Pilsen (República Checa), Belgrado (Serbia) y Copenhague (Dinamarca).

Valéria Zanini tiene un amplio repertorio con piezas del siglo XVIII a la música contemporánea.

Ella ha emitido diversas obras de diferentes compositores danés para la Radio Danesa y ha recibido un precio por la divulgación de este trabajo.

“Formidable, a strong and expressive pianist work”. "Formidable, un gran pianista y expresivas de trabajo".

Valéria Zanini también es famosa en Dinamarca por su trabajo pionero, al presentar el clásico de la música brasileña al público danés.

Valéria Zanini ha grabado 2 CD, con las obras de Villa-Lobos.
Fuente: www.valeriazanini.com

lunes, 29 de diciembre de 2008

NINA SIMONE Piano



Nina Simone es una figura esencial en la historia del jazz y, más concretamente, una de esas vocalistas inolvidables cuya voz se asocia a clásicos inmortales, a versiones definitivas. No obstante, fue también una notable compositora y pianista. Nacida en Tryon (North California), el 21 de Febrero de 1933, con el nombre de Eunice Waymon, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, llegando a estudiar en la Julliar School of Music, en Nueva York, algo poco común para una mujer negra en aquella época. Empezó a trabajar como pianista de acompañamiento, hasta conseguir un trabajo en un local de Atlantic City: aunque se ofreció como pianista, le dijeron que tenían que cantar también para obtener el puesto, y así es como, en 1954, cambia su nombre por Nina Simone (por la actriz francesa Simone Signoret), y debuta como cantante. En 1957 edita su primer álbum, Little girl blue, para el sello Bethlehem, en el que confirma su talento, en su triple faceta de cantante, compositora y pianista.

Gracias a la notoriedad alcanzada con sus primeros trabajos, actúa en festivales y salas de importancia, como el Town Hall, el Carnegie Hall o el Newport Jazz Festival, consiguiendo también un contrato con el sello Philips, para el que grabará una decena de álbumes. En 1963, cuando cuatro niños negros ason asesinados en una iglesia de Birmingham, escribe el tema Mississippi Goddam, una acusación a la situación de la comunidad negra en Estados Unidos, una pieza cargada de fuerza que, irremediablemente, nos lleva a lamentar que no compusiera temas con mayor frecuencia. Finalizada su época en Philips, con al edición del álbum High priestess of soul (uno de sus apodos), firma por RCA, iniciando esta nueva época con Nina Simone sings the blues (1967), su mayor obra maestra. En esos años también grabará trabajos tan destacados como el sorprendente Nina Simone and piano o Emergency War!

En 1974, sintiéndose manipulada y disgustada con las compañías de discos y el rascismo, deja Estados Unidos por Barbados, iniciando un periodo de su vida nómada, instalándose también en París, Suiza, Inglaterra, Liberia y Holanda, hasta asentarse definitivamente en el sur de Francia, donde murió. De esa época data el álbum Baltimore (1978 ). Su siguiente trabajo, Fodder on my wings, se graba en París, en 1982, con temas escritos y arreglados por ella, con su interpretación del piano y cantando en inglés y francés. Dos años después, su concierto en Ronnie Scott (Londres), es grabado, de modo que se conserva un emotivo documento visual que incluye al batería Paul Robinson. Contemporáneamente, uno de sus primeros temas, My baby just cares for me, se convierte en un hit gracias a su inclusión en una película, consiguiendo que Nina Simone sea redescubierta y vuelva a actuar en los mejores escenarios de todo el mundo.

En 1990 publica su autobiografía, I put a spell on you, que desde entonces ha sido traducida a un gran número de lenguas. Tres años después graba un nuevo álbum de estudio, A single woman, y el film Point of no return incluye hasta cinco temas suyos, lo que, evidentemente, contribuye a aumentar su popularidad. Durante la segunda mitad de los noventa sigue actuando con regularidad en todo el mundo, participando en festivales como el Nice Jazz Festival, el Thessalonica Jazz Festival o el Guinness Blues Festival. También recibe varios premios en Estados Unidos, entre ellos el Diamond Award for Excellence in Music, y la ciudadanía honoráfica de Atlanta, ambos en el 2000. El 21 de Abril, tras una larga enfermedad, muere en Carry-Le-Rouet, una localidad del Sur de Francia y, siguiendo su deseo, sus cenizas son distribuidas por varios países africanos. Desde entonces, prácticamente todos sus álbumes han sido reeditados, de modo que su música sigue inspirando a músicos actuales y sigue siendo descubierta por nuevas generaciones. En el 2006, RCA lanza el proyecto de remezclas Remixed & reimagined.

Fuente: acidjazzhispano.com

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TRUDY PITTS Órgano




TRUDY PITTS es una organista especializada en el órgano Hammond que goza de gran reputación en el mundo de la música y especialmente en el Jazz.
Nació en Filadelfia, y comenzó con el piano a los seis años. Su madre también tocaba y estaba muy involucrada en la comunidad eclesiástica. TRUDY empezó a tocar el piano para la escuela dominical cuando tenía unos nueve o diez años. Con el tiempo, empezó con el órgano de la iglesia y se enamoró de este instrumento.
Estudió en la Academia Musical de Filadelfia, Temple University y Juilliard, entre otras instituciones estudiando música clásica la cual le serviría para sus futuras composiciones.

Trudy aceptó una oferta para tocar como pianista asistente de la compañía Tony Award y su espectáculo Raisin' para recorrer Filadelfia. Mas tarde el representante de la compañía le llamó para hacerle un contrato de permanencia "Era algo que yo no había hecho antes, y es una gran responsabilidad. Yo estaba tocando el piano y órgano" eventualmente se convirtió en la ayudante del director de este espectáculo itinerante a nivel nacional, pero nunca perdió de vista lo que ella consideraba su verdadero objetivo, la música creativa.

Conoció a Bill Carney (alias Mr. C) , un batería que tocaba jazz y se casaron . A partir de aquel momento se influenció por el Jazz .
Trudy ha logrado consolidar su misión de tocar creativamente con los valores que le enseñó su madre. . "Ella me enseñó desde el principio, a no dejar que nada interfiera entre yo y mi música ". Al casarse con MR C. llevó esos valores a su matrimonio . "Siempre sentí que la familia es superior en la lista de prioridades".

Truddy se especializó en el órgano Hammond y poco a poco empezó a ser conocida y reclamada por otros artistas para tocar con ellos. Es un gran referente para los aficcionados y profesionales del Hammond. Destaca por su técnica impecable y por el control de los bajos con los pedales.

Tiene un montón de grabaciones hechas a lo largo de su carrera como solista y también junto a su marido Mr. C . Ha tocado y grabado para diferentes formaciones con grandes músicos como Willis Jackson, Pat Martino,Shirley Scott,Rahsaan Roland Kirk,Ben Webster, Gene Ammons, etc..

Fuente: www.trudypitts.com


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LETICIA MORENO Violín



LETICIA MUÑOZ MORENO (nacida en Madrid en 1985) es una violinista española.

Comenzó su educación musical a la temprana edad de tres años en violín y piano con el Método Suzuki ofreciendo sus primeros recitales cuando tenía solamente cinco años. En 1996 estudió seis años con el legendario profesor Zakhar Bron en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en Alemania en Köln Musikhochschule.

A los diez años terminó su educación escolar y continuó sus estudios en casa porque la asistencia a clase no le permitía compaginar sus compromisos artísticos, ya que daba conciertos en toda Europa.

Posteriormente fue alumna de Maxim Vengerov en Saarbrücken y David Takeno en la Guildhall School of Music and Drama donde recibió la más alta puntuación en la historia de la escuela por su recital de graduación. Su último profesor fue el maestro Rostropovich a partir de año 2003.

A los diecinueve años obtuvo el primer premio en el concurso Kreisler tocando con la Orquesta Sinfónica de Viena el Concierto para violín opus 99 de Dimitri Shostakovich. Su interpretación fue calificada como «sin precedentes» por la crítica especializada, mientras que los medios de comunicación de Austria la definieron como «la nueva Martha Argerich del violín».

Hasta el año 2005 Leticia Moreno tocó un Pietro Guarneri de 1679 propiedad de la Stradivari Society de Chicago; y sigue teniendo programados conciertos alrededor del mundo: Austria, Inglaterra, San Petersburgo, Moscú con Spivakov, Italia, Sudamérica, México y España. Ha tocado con la Orquesta Sinfónica de Chicago y la Orquesta Filarmónica de Viena por citar algunos ejemplos.

El compositor español Francisco Lara le ha dedicado la composición Capriccio para Leticia (2005).

Hasta el momento ha recibido los siguientes premios:
-Asociación Española de Interpretres, 1996, 1999 y 2000
-Juventudes Musicales de España, 1997, 1998 y 2001
-Henryk Szeryng Competition, 2000
-Concertino Praga 2000
-Novosibirsk, 2001
-Pablo Sarasate, 2001
-Emily Anderson, 2005

Fuente: wikipedia

ANAT COHEN Clarinete, Saxofón



ANAT COHEN nació en Tel Aviv, Israel, pero actualmente reside en Estados Unidos. Debutó a los 12 años en su país natal tocando clarinete en la banda de Dixieland del Conservatorio Jaffa. A los 16 años ingresó al prestigioso Thelma Yelin High School for the Arts en donde aprendió saxo.
Poco después de graduarse se incorporó al servicio militar, período en el que integró como saxofonista la banda de la fuerza aérea israelí. Más tarde se trasladó a Boston para estudiar en el Berklee College of Music.
Durante esa época ejecutó saxo tenor en una amplia variedad de contextos musicales: klezmer, música afro-cubana, tango, música brasilera, entre otros.

Una vez que fijó residencia en la ciudad de New York, participó alternando saxo y clarinete en ensambles de música brasilera como Brazooca, el Choro Ensemble y el New York Samba Jazz. Junto a sus hermanos (el saxofonista soprano Yuval Cohen y el trompetista Avishai Cohen) constituyó 3 Cohens, proyecto que se prolongó hasta nuestros días con el álbum Braid.
Tras acompañar en gira a la Sherrie Maricle’s Diva Jazz Orchestra en el 2004, Anat se abocó a su debut discográfico solista, el cual se produjo un año después con el álbum Place and Times. Ese trabajo, que recolectaba las influencias recibidas durante su formación musical, marcó el inicio de su romance con la crítica.
Los medios especializados se deshicieron en elogios y repartieron títulos nobiliarios indiscriminadamente: “artista de jazz revelación”, “mejor álbum debut de jazz”, “clarinetista revelación”, etc. En el 2007 editó dos nuevos álbumes: Poetica y Noir.
En el primero de ellos, junto al pianista Jason Lindner, el bajista Omer Avital y el baterista Daniel Freedman, más el agregado de un cuarteto de cuerdas, trabajó sobre un repertorio que incluyó canciones tradicionales de Israel, Brasil y Francia, composiciones propias y una versión del clásico de John Coltrane: Lonnie’s Lament. Mientras que en Noir encabezó la Anzic Orchestra, ofreciendo una amable revisión de obras de compositores tan disímiles entre sí como Eduardo Lecuona, Arthur Hamilton, Pixinguinha, Luiz Bonfa, Johnny Griffin y Sun Ra.

Fuente: wwww.elintruso.com

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JANE BUNNETT Saxofón




JANE BUNNETT es una saxofonista soprano y flautista nacida en Toronto ,Canadá en Octubre de 1956. Es reconocida internacional por su fusión entre la música cubana y el jazz ,
Dos veces nominada para los premios Grammy y candidata en muchas ocasiones en Canadá para los premios Juno, ha convertido a sus bandas en referentes de los mejores talentos musicales de Canadá, los Estados Unidos y Cuba. Admirada por grandes músicos como Paquito D’Riviera, el gran saxofonista cubano.

En 1982 ella y su marido , el trompetista Larry Crammer , quisieron irse de vacaciones pero buscaban un destino barato por falta de presupuesto y Cuba parecía una buena opción. Su vida y su estilo musical cambió para siempre después de patearse las calles de La Habana y escuchar sus sonidos y su música tradicional.
En cualquier local o por la calle que Bunnett y Cramer iban encontraban percusionistas que dominaban ritmos muy complejos y que hasta el momento nunca habían escuchado; trompetistas que desplegaban sorprendente destreza al servicio de un lirismo impactante; pianistas que podían hacer que cualquier decrépito y viejo piano de pared rugiera como el terror o cantara como un corazón enamorado. Como no eran tontos, sacaron sus instrumentos y siguieron la corriente. Y, dándose cuenta de cuan rica y retante era toda aquella música, hicieron rápidamente planes para regresar y estudiar más.

Para principio de los 90 Bunnett se había convertido en una habitual visitante de los escenarios musicales de La Habana; estaba incorporando músicos cubanos, comenzando con el pianista Hilario Durán, a sus bandas en Toronto; y lanzaría su primer álbum de influencias cubanas, "Spirits of Havana", con colaboraciones de grandes músicos como Gonzalo Rubalcaba, Merceditas Valdés o el grupo Yoruba Andabo, además de otras colaboraciones.
Hasta el momento llevaba grabados dos álbumes: JANE BUNNETT QUINTET "Live at Sweet Basil" grabado en 1990 y JANE BUNNETT /DON PULLEN " New York Duets" en colaboración con el pianista DON PULLEN.

En 1993 grabó de nuevo un álbum titulado "The water is wade" con el sello "Evidence Records".
En 1994 graba un nuevo disco junto al pianista de Jazz PAUL BLEY con el título "Double Time" de estilo más jazzístico americano.
En 1996 graba un disco claramente cubano con canciones clásicas como "Guantanamera" o "Son de la Loma" , etc.. con el título "Jane Bunnett and The Cuban Piano Masters "
1996 - EMI Music Canada/Blue Note Records

Desde entonces Bunnett ha ido de gloria en gloria, saliendo de gira internacionalmente y grabando unos cuantos álbumes aclamados por la crítica. Su cómoda casa en el lado oeste de Toronto se ha convertido en una segunda casa para un creciente número de extraordinarios jóvenes músicos cubanos que han migrado a Toronto.

En el 2004 publicó " Red Dragon'Fly" , un ambicioso proyecto de fusión entre el latin y el jazz : una selección de piezas fuertmente melódicas de media docena de naciones, respaldadas por el Penderecki String Quartet y tocadas por la propia banda de Bunnett, que cuenta con el formidable joven pianista David Virelles.

En el 2005 ha publicado su último álbum hasta la fecha. Es el Jane Bunnett - Radio Guantanamo: Guantanamo Blues Project Vol. 1 grabado por los estudios EMI en Canadá y con colaboraciones de grandes músicos cubanos y canadienses , siguiendo su línea de fusión entre la música cubana y el jazz.
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viernes, 26 de diciembre de 2008

LORI FREEDMAN Clarinete



LORI FREEDMAN es una virtuosa clarinetista y compositora reconocida internacionalmente como uno de los músicos más creativos del Canadá.
Su versátil estilo le permite interpretar y componer música contemporánea, electroacústica o improvisación. Además, con frecuencia colabora con artistas de las artes visuales, teatro y danza.
Más de 30 compositores han escrito para ella sus solos de clarinete bajo y se pueden escuchar en más de 24 discos compactos. Justo antes de editar su primer CD en solitario "Huskless!" recibió en 1998 un Premio Freddie Stone por "su trabajo en la música contemporánea y jazz".
Su segundo álbum como solista titulado "Á un moment donné"(Otoño 2002),publicado por el sello Ambiances magnétiques ha sido nominado para un premio Opus.

Hasta el 2008 ha creado 6 álbumes en total. El último con el título "Plumb" con colaboración del trombonista Scott Thomson.
Ha participado en otras grabaciones de otros artistas como el septeto de RENÉ LUSSIER con los que ha tocado en una gira internacional . Escribió y dirigió la música de Macbeth, una producción de cine en Winnipeg . Particípó en el Festival Internacional de Música Victoriaville , y en mayo de 2004 actuó con George Lewis y Pauline Oliveros en Montreal.
LORI FREEDMAN fue nominada para un premio de la National Jazz Awards 2003 como clarinetista del Año.


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URSULA HOLLIGER Arpa




Ursula Holliger es una de las arpistas con más prestigio en todo el mundo. Estudió en Basilea y Bruselas y ganó el Concurso Internacional de Arpa en Israel antes de embarcarse en su carrera como solista con orquestas como la Orquesta Filarmónica de Berlín, Viena y Los Angeles , la Orquesta de Cámara de Inglaterra, I Musici di Roma, l'Orquesta de París y otros, bajo la dirección de, por ejemplo, Michael Gielen, Pierre Boulez, Simon Rattle y Neville Marriner.
Ha realizado numerosas grabaciones para Philips incluyendo etiquetas, DGG, Archiv, Claves, Novalis, a menudo asociados con la orquesta de cámara de Aurèle Nicolet, Peter-Lukas Graf, Heinz Holliger.

Junto con el repertorio estándar para el arpa ha hecho hincapié en la música de Louis Spohr y la nueva música: Elliott Carter, Hans Werner Henze, Witold Lutoslawski, Ernst Krenek, Frank Martin, Isang Yun, Toru Takemitsu y Heinz Holliger son algunos de los compositores que han escrito música para ella.
Fuente: www.ecmrecords.com

PATRICIA DA DALT Flauta



Cursó sus estudios de Licenciatura en flauta traversa con el Prof. Lars Nilsson, en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo, Argentina.

Realizó cursos de perfeccionamiento con el Prof. András Adorjan en la “Académie International d´eté” de Niza (Francia), en la “Académie de Musique de Lausanne” (Suiza), con el Prof. Michel Debost en la “Accademia Musicale Ottorino Respighi” de Asis (Italia), con el Prof. William Bennett en la “International Summer School Ramsgate” (Inglaterra) y con el Prof. Alfredo Iannelli en Buenos Aires, Argentina.

Ha actuado como solista con las siguientes orquestas: Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta de Cámara Mayo (Buenos Aires, Argentina), Orquesta Sinfónica de Porto Alegre (Porto Alegre, Basil), Orquesta Sinfónica Nacional (Lima, Perú), Orquesta Sinfónica Nacional (Quito, Ecuador), Orquesta Sinfónica Nacional (Asunción, Paraguay), Orquestas Sinfónicas de las ciudades argentinas de Córdoba, Mar del Plata, Mendoza, Santa Fe, Bahía Blanca, La Plata y Paraná.

Realizó recitales en numerosas ciudades de Argentina, Chile, Perú, Bolivia y Brasil. Se presentó como solista en las ciudades de Lausanne y Lenk (Suiza) y Asís (Italia).

Fue invitada a dar clases magistrales en el Festival Internacional de Flautistas de Lima, Perú, en el Conservatorio Nacional de Música de Quito, Ecuador y en la Escola de Música UFRI de Río de Janeiro, Brasil.

Se desempeñó como Primera Flauta de la Orquesta Sinfónica, integrante del Quinteto de Vientos y Profesora de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Cuyo (Argentina). Durante la temporada 1988 fue contratada como Primera Flauta de la Orquesta Estable del Teatro Colón y en 1989 como Primera Flauta de la Orquesta Sinfónica Nacional. Se desempeñó como Primera Flauta de la Sinfonietta de la Fundación Omega. Actualmente integra la Orquesta Sinfónica Nacional, el Quinteto de Vientos Argos y el Quinteto CEAMG de Música Contemporánea, Buenos Aires, Argentina.

Ha estrenado importantes obras de compositores locales extranjeros, como solista con orquesta sinfónica y en grupos de música de cámara.
Forma parte del "Trío Luminar" compuesto por Lucrecia Jancsa (arpista); Marcela Maguín (violín) y ella misma. Hasta el momento llevan 3 cd´s grabados: "Constelaciones", "Trio Luminar" y "Colección de Música Clásica".
Fuente: www.trioluminar.com

JOANNA NEWSOM Arpa



Joanna Newsom (nacida en 1982 en la ciudad de Nevada, California) es una cantante, instrumentista y compositora estadounidense, que combina el canto con el sonido del arpa. Sus canciones son de una temática notablemente madura, en constraste con su luminoso e inocente estilo de canto.

Comenzó a tocar el arpa a los 7 años de edad. Estudió música y escritura creativa en el Mills College. También toca el piano y el clavicordio.

Después de una gira con Will Oldham firmó rápidamente con el sello Drag City y lanzó su álbum debut The Milk-Eyed Mender en 2004. Poco después, Newsom hizo una gira junto a Devendra Banhart y Vetiver.

El trabajo de Joanna Newsom se ha vuelto prominente en la escena del rock indie nortemearicano, en parte debido a un número de shows en vivo y apariciones en el programa The Jimmy Kimmel Show de la ABC.

Su segundo álbum Ys fue lanzado en noviembre de 2006 e incorpora orquestaciones y arreglos de Van Dyke Parks, producción de Steve Albini, y mezclado por su compañero en Drag City Jim O'Rourke.

Paralelamente al desarrollo de su material solista, ella ha aparecido en grabaciones de Smog, Vetiver, Nervous Cop, Vashti Bunyan and Golden Shoulders así como también ha tocado el teclado para The Pleased.

Durante un viaje, Bill Callahan le recomendó que escuche el álbum Song Cycle de Van Dyke Parks. Esto motivó que Parks fuera elegido para realizar los arreglos de su segundo trabajo Ys.


Aunque su forma de tocar el arpa no está totalmente distanciada de las formas convencionales, ella considera que su estilo es diferente de los arpistas orientados a la música clásica.

Joanna Newsom es uno de los miembros más prominentes del movimento psych folk, aunque ella no reconoce ataduras con ninguna escena musical en particular. Su forma de escribir canciones incorpora elementos de estilos sumamente diversos.

Muchos se sorprenden de la inusual voz de Newsom, que posee rasgos folk y de la música de los Apalaches en la altura y el fraseo. También ha sido interpretada como infantil

Fuente: www.wikipedia.org
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miércoles, 24 de diciembre de 2008

IRENE ORLEANSKY Stick




IRENE ORLEANSKY es una Stickista israelí, compositora y cantante.
Su historia musical es un tanto particular: nacida en Rusia, comenzó sus estudios musicales a la edad de 4 años. Tanto la música clásica como el Pop han sido siempre parte importante de la vida de Irene, según cuenta.
Sus estudios comenzaron en Moscow Academy of Music con el piano clásico, para continuar con el bajo en el Studio of Jazz Music. En 1988, Irene, Vladimir Kruglov (guitarra) y Kirill Malahov (vocal) fundaron la banda llamada Ra, donde ella fue la bajista y vocalista.
Por cuatro años la banda tocó en cientos de conciertos, festivales y numerosos shows en radio y TV de Rusia.
Luego de estas experiencias, regresó a la música clásica dirigiendo un coro de música Gregoriana y Renacentista.
Emigró a Israel en el 98, donde comenzó a experimentar con grabaciones en ordenador, y con su primer Chapman Stick.
Su nuevo disco, de conceptos sonoros y étnicos, ha sido grabado junto a Kirill Malahov, el productor ruso de Music Brothers.
Es interesante escuchar la línea de bajo del Stick jugando entre los sonidos del Tablas y la batería, dándole una particular sonoridad rítmica. El álbum ha sido editado en Julio de 2004.

Fuente: www.stickcenter.com

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martes, 23 de diciembre de 2008

CARLA BLEY Piano



De nombre real, Carla Borg, esta excelente compositora, líder de orquesta y pianista, adoptó musicalmente hablando el apellido de su marido, el también excelente pianista, Paul Bley. Nació en 1938 en California. Aprendió de niña piano y violín con su padre, que era profesor de piano y obtuvo una gran experiencia en las tareas de dirección musical cuando dirigía el coro de la Iglesia de su comunidad. Aprendió teoría y profundizó su técnica pianística siendo todavía adolescente antes de marcharse a New York en 1955, donde conoció al que fue su marido, el pianista canadiense, Paul Bley.

Alentada por este, Carla empezó a componer proporcionando al piano de Paul un material excelente que cambió el concepto y la capacidad de interpretar del pianista. Algunas de sus primeras composiciones, fueron utilizadas por el multiinstrumentista, Jimmy Giuffre del que Paul formaba parte a finales de los años sesenta. Carla Bley, fue miembro del malogrado grupo "Jazz Composers' Guild" formado en 1964 y con apenas un año de vida. El grupo lo dirigió Carla, con el trompetista/compositor, Mike Mantler.

Hacía 1967, desencantada con el camino tomado por la mayoría de los músicos representativos del freejazz, dirigió sus energías creativas a la música de libre inspiración: el resultado fue la aclamada obra "A Genuine Tong Funeral" encargada y grabada por Gary Burton, que obtuvo un enorme éxito con ella en 1967. Una parada obligatoria en su obra, es la "Escalator Over The Hill", una amalgama musical con letra de Paul Hines. Se publicó en 1973 y obtuvo varios e importantes galardones. En la actualidad, Carla Bley, sigue siendo una de las compositoras y arreglistas mas importantes del jazz moderno.

Fuente: www.apoloybaco.com
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lunes, 22 de diciembre de 2008

JESSICA WILLIAMS Piano


JESSICA WILLIAMS es una de las grandes pianistas dentro del mundo del jazz. Nominada dos veces a los premios Grammy, la primera ocasión en 1986 por su trabajo " Nothin' But the Truth " y la segunda en el 2004 por "Live At Yoshi's, Vol. 1" ha tocado con grandes orquestas y artistas de la talla de Eddie Harris, Tony Williams, Stan Getz, el Big Nick Nicholaus, Airto y Flora Purim, Charlie Rouse, John Abercrombie, Leroy Vinnegar, y otros.

Nació en Baltimore, Marylland (EEUU) en Marzo de 1948 y durante su adolescencia se fue a vivir a Philadelphia .Estudió en el Conservatorio Peabody de Música recibiendo formación clásica y desde muy joven se interesó por el jazz. Ha grabado 65 álbumes con sus propias composiciones con mas de 300 canciones escritas. Ha recibido dos subvenciones de la National Endowment for the Arts, una subvención Rockefeller para componer, la subvención Alice B. Toklas que se otorga a mujeres compositoras , y una beca del prestigioso John Simon Guggenheim Memorial Foundation .

Dirige su propio sello discográfico "Red and Blue Recordings" y también posee una editorial donde publica sus trabajos junto con los de otros artistas llamada "JJW Músic". Su último trabajo ha sido publicado en el 2008 con el título "Songs for a New Century".

Mas información en : www.jessicawilliams.com


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PATRICE RUSHEN Teclados



PATRICE RUSHEN es una de las teclistas con más prestigio en los Estados Unidos. Apadrinada por QUINCY JONES ha alcanzado varios números 1 en las listas de discos más vendidos durante los años 80 como cantante y teclista de música disco-soul.

Su tema mas conocido "FORGET ME NOTS" del disco "Straigh from the heart" ha sido sampleado en numerosas ocasiones para actuales discos de hip-hop. WILL SMITH ha utilizado trozos de este tema para el tema principal de la película "Men in Black", al igual que GEORGE MICHAEL en el tema "Fast Love".

Nació en Los Angeles (California) en 1954 y comenzó a estudiar piano a los 3 años . Además del piano y los teclados toca la flauta, el clarinete y la percusión. Ha formado parte de bandas muy conocidas como "THE MEETING". También formó parte de la banda de SANTANA y WAYNE SHORTER con motivo del Festival de Montreux de 1988. Ha participado en la grabación del disco "Aurora" de JEAN-LUC PONTY. y también en el CAB 4 con DENNIS CHAMBERS, BRIAN AUGER, TONY MC ALPINE , etc..

Su carrera despegó cuando en 1972 ganó el Festival de jazz de Monterey, cuyo premio fue un contrato discográfico. Desde ese momento hasta hoy ha grabado 16 discos propios y un montón de discos mas en colaboración con otros artistas. Toca jazz, funk, fusión y R&B principalmente aunque le gusta un poco de todo y no se achica cuando le proponen algo que no haya hecho hasta el momento.

Ha dirigido varios eventos en televisión en homenaje otros artistas como Stevie Wonder o Aretha Franklin y programas para la BBC. También ha sido arreglista y directoa musical del evento "JANET JACKSON WORLD TOUR" con su disco " Janet". Posee varios premios GRAMMY y ha sido directora musical (la primera mujer ) dirigiendo la entrega de premios GRAMMY en la 46,47 y 48 edición. También para los premios EMMY y los NAACP Images Awards durante 12 años consecutivos.

Una gran carrera para una artista muy desconocida fuera de sus fronteras. En el 2008 está grabando un nuevo disco que pronto estará en el mercado.

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lunes, 15 de diciembre de 2008

CYNTHIA WEBSTER Electrónica,



CYNTHIA WEBSTER es la creadora y diseñadora de "Cyndustries" , una empresa que fabrica sintetizadores modulares analógicos.
WEBSTER es una veterana de la música electrónica. Cuando cursaba estudios en la escuela secundaria, se compró un ARP 2600, y después de graduarse, asistió a la Boston School de la música electrónica para estudiar com JIM MICHMERHUIZEN autor del clásio Manual de Usuario del ARP 2600 realizado en 1971 (el cual, para sorpresa y beneficio del autor , fue vigente durante varias décadas). Allí descubrió ElectroNotes y la electrónica ,los esquemas y las placas de circuitos.

En la década de los setenta, fundó Webster Synapse, una revista de música electrónica. Durante este tiempo, continuó estudiando música electrónica con sintetizadores en los laboratorios de San Francisco State University y Mills College. También realizará conciertos con frecuencia en la comunidad de la música electrónica interviniendo en 2 festivales importantes de la époco como el San Francisco Bay Area, Los Angeles Festival de Música Electroacústica.

En la década de los ochenta aparcó a un lado su trayectoria y trabajó como cineasta en Hollywood. Después de unos años regresó a la música electrónica y fundó CYNDUSTRIES, para dedicarse a la construcción de módulos analógicos para sintetizadores. Tarea que no resultó nada fácil ya que en los últimos 20 años la tendencia de la electrónica y los sintetizadores se decantaba por lo digital tratando lo analógico como obsoleto. CYNTHIA consigue sus propósitos sobre todo en los últimos años que se ha desatado de nuevo una tendencia por lo analógico. "Estoy más interesada en las infinitas posibilidades que ofrece lo analógico, tanto en la arquitectura del sistema, así como las posiciones entre todos los puestos de mando del codificador, y que aún requiere de circuitería analógica para su funcionamiento".

Según sus palabras se enganchó a la música electrónica y a los sintetizadores tras escuchar "Lucky Man" de Emerson, Lake y Palmer en la radio. Es una perfeccionista y le gusta llevar a cabo varios proyectos a la vez. Creció escuchando a Subotnick, Xenakis, Ussachevsky, y Stockhausen y sus artistas favoritos son Eno, Orbital, ELP, Left Field, Segovia, Peter Gabriel, Pink Floyd, Harry Partch, Groove Armada, Música clásica India, Wendy Carlos, King Crimson,etc.

" Los sintetizadores modulares parecen reflejar mucho de la personalidad de sus diseñadores. Los BUCHLAS son conocidos por alentar la experimentación, mientras que los MOOGS son conocidos por satisfacer las necesidades de los más tradicionales enfoques musicales. Mis módulos tienen que ser divertidos y, por tanto, tienen que ser útiles , e inspirar la creatividad!) Para mi son importantes las nuevas capacidades y nuevos parámetros de control. Me importa también mucho la elegancia en el diseño "

CYNTHIA diseña módulos personalizados según las necesidades de los clientes y es uno de los trabajos que mas le emocionan. Se considera a si misma Sintetista en primer lugar y diseñadora y fabricante en segundo lugar lo que le lleva a crear sintetizadores desde el amor que siente por ellos y no desde un punto de vista de mercado de beneficios económicos.


Fuente: www.synthopia.com
Mas información en www.cyndustries.com

MERCEDES PADILLA Directora




MERCEDES PADILLA es una pionera: cuando estudió la carrera era la única mujer. “Entonces hacían falta 17 años para ser directora”. Se empleó con tal afán que consiguió sacar cinco titulaciones superiores: dirección, solfeo, pedagogía musical, piano y composición. «Pero luego sigues estudiando. Nunca dejas de estudiar”.
Es catedrática de contrapunto y fuga. Fundó la Orquesta Villa de Madrid. “Soy empresaria. Trabajamos con contratos y eso hace que tengamos que mantener una calidad muy alta”. Dirige con traje pantalón o esmoquin negro. Nunca con falda o vestido. “Hay quien ensaya mirándose al espejo con la batuta y haciendo posturitas, yo no”.
Su obra predilecta es la Pasión según san Mateo, de Bach. Su marido, solista de órgano, le regaló una composición para que la dirigiera. Fue el concierto más emotivo de su vida.
Nacida en Madrid, en una familia que poco tenía que ver con los pentagramas, Mercedes llegó a la adolescencia con un piano como compañero. «Desde los 15 años, comprendí que mi vida estaba ligada a la música y, aunque seguí mis estudios, e incluso me matriculé en la Universidad, pronto terminé abandonandola». Dejó los libros, para cambiarlos por las escalas, con tal afán que consiguió sacar cinco titulaciones superiores de música (dirección, solfeo, pedagogía musical, piano y composición) en un tiempo récord. «A los 22 años ya era profesora del Real Conservatorio Superior. Le dediqué tanto esfuerzo que hubo años que aprobé dos cursos en uno».


Desde la distancia, Mercedes recuerda que el hecho de ser mujer le creó más de un problema para dirigir. «En mi presentación en el Teatro Real me pusieron muchas dificultades, cuando el contrato ya estaba cerrado». Eso le llevó a pensar en crear su propia formación, la Orquesta Villa de Madrid.

Imposible recordar todas las ciudades, españolas y de otros continentes, en las que esta directora ha ofrecido parte de su extenso repertorio. Lo único que le falta es tiempo para componer. Entre las clases, ahora ya como catedrática de Contrapunto y Fuga, y los conciertos, afirma que casi no saca ni un rato para tocar el piano.
Fuentes: www.elmundo.es
reportajes.worldpress.com

GLORIA ISABEL RAMOS Directora




Dos semanas después de su graduación en 1995, la directora Gloria Isabel Ramos Triano ganó el prestigioso Premio Internacional para Jóvenes Directores de Orquesta de Besançon en la modalidad de Ópera y Oratorio. A las pocas semanas fue galardonada con el Premio de la Orquesta de Brasov (Rumanía) en el Concurso Internacional Dinu Niculescu.

Gloria Isabel Ramos Triano debutó en España en 1996 con la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la Orquesta Sinfónica de Galicia.

En julio de 1998 Ramos Triano ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Directores de Orquesta de Cadaqués, recibiendo el galardón de manos de su presidente el director de orquesta Gennady Rozhdesvensky. En ese mismo año 1998 ganó el Primer Premio en la Concurso Nacional de Directores convocado por la Orquesta de Granada, España.

Directora titular y artística de la Orquesta de Córdoba de 2001 a 2004, aumentaron los abonos de temporada de los 241 iniciales a 519, con las 900 plazas del teatro agotadas para la mayoría de las funciones. Tanto el público como la crítica especializada coinciden en que el sonido de la orquesta ha mejorado bajo la dirección de Ramos Triano, siendo la programación alabada a nivel nacional por su coherencia e innovación.

Ha dirigido entre otras las siguientes orquestas: Orquesta del Teatro Nacional de Ópera y Ballett de Albania, Orquesta de la Radio de Leipzig, Orquesta Sinfónica de Schleswig-Holstein, English Chamber Orchestra, Wiener Kammerorchester, Orquesta Sinfónica de San Petersburgo, Orquesta del Ermitage de San Petersburgo, Orquesta Sinfónica de Lucerna, Zürcher Kammerorchester, Orquesta Gulbenkian de Lisboa, Orquesta de Cámara de Florencia, Bohuslav Martinu Philharmonie, Orquesta Sinfónica de Jalisco, Orquesta Nacional de España, Orquesta de la Radio-Televisión Española, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Proyecto Guerrero, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Ciudad de Málaga, Orquesta Sinfónica de Extremadura, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta Filarmónica de las Palmas, Real Filarmonía de Galicia, Orquesta de Cadaqués, Orquesta Sinfónica del Vallés, etc.

En Febrero del 2000, dirigió el estreno en España del Requiem de Hans Werner Henze con gran éxito. Las declaraciones del propio compositor a la prensa revelan el entusiasmo de éste por la interpretación de Ramos Triano, que dirigió de nuevo la obra con la Orquesta Nacional en Febrero 2005, a instancias del compositor, con Hakan Hardenberger como trompeta solista.

En el 2002 dirigió por primera vez el tradicional concierto del día de la Almudena, que ha dirigido también en el 2003 y 2004.

En 2001 recibió el Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de España por Música Clásica.

En el 2003 fue nombrada Personaje del Año en Córdoba.

Los numerosos registros grabados con diferentes sellos han sido bien acogidos por crítica y público.

Ha sido nombrada Mujer Canaria 2005, por el Orfeón La Paz de La Laguna.

En la Temporada 05-06, Ramos Triano debutó en Alemania con gran éxito con la Orquesta de Schleswig-Holstein, y con la Orquesta de la Radio de Leipzig.

En el terreno operístico ha dirigido diversas producciones entre las que cabe destacar “El Barbero de Sevilla”, que dirigió en el verano del 2000 en el Festival de Perelada y que fue muy alabada por la crítica. También son de señalar nuevas producciones de “La Traviata”, que dirigió en el Gran Teatro de Córdoba en otoño del 2001, así como de “Carmen”, en el Teatro Nacional de Albania, abril de 2007, junto a Patricia Panton y Alfredo Troisi como escenógrafos.

Entre sus próximos proyectos cabe destacar su debut con la London Symphony Orchestra, así como el estreno de su composición “Abrazo del Agua” para Soprano y Orquesta, que dirigirá con la Orquesta de la Radio Televisión Española el próximo mes de Diciembre.
Fuente y más información: www.ramostriano.com


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SILVIA SANZ Directora



Nació en Madrid, donde realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música, realizando las especialidades de Guitarra, Piano, Armonía, Contrapunto, Fuga, Composición y Dirección de Orquesta (con el maestro Enrique García Asensio). En 1989 consiguió el Primer Premio en la IX edición del Concurso Internacional de Guitarra "Martín Codax".

Ha asistido a cursos internacionales con maestros como Pierre Cao, Erik Erison, Ferdinand Leitner, Miguel Angel Gómez Martínez, Peter Gülke, Helmuth Rilling y Aldo Ceccato.

Comienza su andadura profesional con la Orquesta Cámara Madrid de la que fue fundadora y directora hasta 1999. Durante la temporada 1993/94 fue Directora Asistente de la Orquesta y Coros Nacionales de España (OCNE). En los años 1995 y 1996 fue Directora de la Coral de Cámara Villa de Madrid. Entre 1997 y 2002, Directora de la Coral Miguel Hernández. En 1996 fue fundadora y directora del Coro Talía del que sigue siendo su directora titular.

En 1.998, fue finalista del 1º Concurso de Jóvenes Directores de la Orquesta Ciudad de Granada.

Durante su trayectoria como directora, se ha interesado activamente en la formación de jóvenes músicos fundando y siendo directora de la Escolanía de San Jerónimo El Real de Madrid, así como la Escolanía Fernando de los Ríos. Ha organizado cursos de verano y ha formado orquestas como la Orquesta Infantil Música Viva (entre 1997 y 2002), y la Filarmónica Mundo Jonsui (dependiente de la Fundación O.S.C. y formada por niños desde 7 años, con la que trabaja desde el año 2003). Asimismo ha impartido cursos para la Comunidad de Madrid sobre dirección de orquestas infantiles y juveniles. Es la responsable de los Talleres Musicales del Centro Cultural Alfredo Kraus en Madrid. Centro con más de 700 alumnos iniciándose en el mundo de la música.

Ha impartido cursos de Dirección de Orquesta y Coro en Tegucigalpa (Honduras) y en Itá (Paragüay) enmarcado dentro del Proyecto "Sonidos de la tierra".

Destaca su interés por la mujer en el mundo de la música y ha ofrecido diversas conferencias sobre el mundo de la dirección y el papel de la mujer dentro de él.

Ha dirigido en España, Italia, Francia, Bélgica, República Checa, Alemania, Austria,Turquía, Paraguay, Lituania,Honduras y Corea a las siguientes orquestas: Gächinger Kantorei Stuttgart, Bach Collegium, Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Orquesta Ciudad de Granada, Real Filarmonía de Galicia, Orquesta de Jóvenes de Murcia, Orchestra Della cittá di Saluzzo (Italia), I Musici Brucellensis (Bélgica), Camerata Antonio Vivaldi (Rumania), la CVUT (Orquesta Sinfónica de la Universidad Politécnica de Praga), Grupo Ondras (República Checa), Orquesta Sinfónica Chamartín, Banda Sinfónica Municipal de Sevilla, Banda Sinfónica Municipal de Madrid, Orquesta Ciudad de Almería, Orquesta del Festival de Zarzuela de Tenerife, The Eskisehir Symphony Orchestra (Turquía), The Bilkent Symphony Orchestra (Ankara), Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Asunción (Paraguay), Orquesta de Cámara de Vilnius (Lituania), Orquesta Sinfónica Nacional de Honduras (Tegucigalpa), Orquesta Sinfónica de Chugye (Seúl).

Directora invitada de orquestas nacionales e internacionales, en algunos casos representando a España a través del Ministerio de Asuntos Exteriores y la Agencia Española de Cooperación Internacional.

Actualmente es Directora Titular del Coro Talía, la Filarmónica Mundo Jonsui y la Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín con la que mantiene una temporada estable en el Auditorio Nacional desde el año 2000, habiendo realizado en esta sala más de 60 conciertos. Junto a esta formación, ha actuado en auditorios como el Rudolfinum de Praga, Palacio Arzobispal de Kromeriz (Rep. Checa), Estrasburgo, Colmar y Ligsdorf (Francia), Griegskirche (Austria), Palacio de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) y el Teatro Reduta de la Filarmónica de Bratislava (Eslovaquia).

En su discografía figuran títulos como: "El Sonido de las Américas" que incluye espirituales negros y música sudamericana, las sinfonías nº 3 y nº 9 de L. van Beethoven, la Misa de Santa Cecilia de Gounod y un disco dedicado a los grandes compositores españoles del siglo XX. Además ha grabado una serie de cuentos musicales bajo el nombre de "Kekeñas Krónikas" del compositor A. Vivas.

Fuente:www.oschamartin.org
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DOLORES MARCO Directora



MARIA DOLORES MARCO nació en Barcelona el 10 de septiembre de 1935.
Inició sus estudios musicales con su padre, el tenor Mario Marco, y a los once años pasó a estudiar Solfeo, Piano, Armonía, Fuga, Instrumentación y Dirección de Orquesta con el maestro José Font Sabaté, con quien posteriormente contrajo matrimonio. Su debut oficial, con sólo diecisiete años, fue en 1953 en la población barcelonesa de Ostalfrach donde dirigió la popular zarzuela de Jacinto Guerrero LOS GAVILANES, convirtiéndose en la primera mujer directora de orquesta, y obteniendo un rotundo éxito de público y crítica. Continúa su carrera profesional dirigiendo RIGOLETTO, CAVALLERIA RUSTINA, MADAMA BUTTERFLY, IL BARBIERE DI SIVIGLIA, CARMEN, etc.

Su predilección por el género lírico español es notorio desde el principio de su carrera, y así es contratada, en 1956, por la compañía de Faustino García para recorrer toda Hispanoamérica donde llevó a cabo varias temporadas con las mejores obras del repertorio. Tras su regreso a España en la década de los sesenta, en 1974 dirigió en el Teatro Calderón VOCES Y AIRES DE ESPAÑA, espectáculo regional del que era empresa y primera figura Antoñita Moreno. Dirigió junto a Angel Fernández Montesinos la compañía lírica Isaac Albéniz del empresario Juan José Seoane, con la que recorrió toda la geografía española dentro del marco de los Festivales de España, promovidos por el entonces Ministerio de Información y Turismo. Debutó en el Teatro de La Zarzuela el 23 de julio de 1975 con la célebre opereta de Franz Lehár LA VIUDA ALEGRE, a la que siguieron DOÑA FRANCISQUITA, LA ROSA DEL AZAFRÁN y LA CORTE DE FARAÓN. Igualmente estuvo al frente de las orquestas de las Compañías Líricas de Francisco Bosch, María Francisca Caballer y Antonio Amengual. Durante cuatro temporadas consecutivas dirigió las producciones zarzuelísticas de los “Amigos de la Opera” de Las Palmas de Gran Canaria.

Fue invitada habitualmente por las orquestas sinfónicas de los países de habla hispana para dirigir y enseñar nuestro género lírico, y fue contratada en Estados Unidos impartir clases magistrales sobre dicho género.

En 1991 entra a formar parte de la Compañía Lírica Amadeo Vives, de José Tamayo, para su espectáculo ANTOLOGÍA DE LA ZARZUELA. En mayo de 1992, con motivo del V Centenario, estrena en la Esposición Universal de Sevilla ’92 la ANTOLOGÍA DE LA ZARZUELA ANDALUZA, con las actuaciones de Montserrat Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Pedro Lavirgen y José Carreras, entre otros.

Fue, a lo largo de la historia de la zarzuela, la única mujer que se dedicó en exclusiva a la dirección orquestal, y fue cuerpo y alma de las diversas compañías líricas durante décadas; no en vano dedicó a ella lo mejor de su vida. Entre el repertorio de ópera, opereta, zarzuela y comedia musical ha dirigido más de 160 títulos diferentes en más de cuarenta países. Como pianista desarrolló una interesante labor como acompañante de solistas, compaginándolo con la dirección musical y con las enseñanzas de canto y clases de repertorio. Falleció en Madrid el 9 de octubre de 2005.

Su labor por la zarzuela ha fructificado en varios de sus hijos: Amelia Font, excepcional tiple cómica y mejor característica; María Dolores Font, ligada al mundo teatral de forma administrativa; Montserrat Font, que toma el relevo de la batuta y sigue los pasos de su madre; Lorenzo Moncloa, tenor y actor admirable; y Marco Moncloa, excelente barítono con una carrera a caballo entre la ópera y la zarzuela. Todos ellos, en un entrañable acto que tuvo lugar el 5 de abril de 2006, presentaron de forma oficial la nueva Compañía Lírica que lleva el nombre de la querida maestra.

Fuente:lazarzuela.webcindario.com

NATALIA LUIS-BASSA Directora



NATALIA LUIS-BASSA (Caracas, 13 de julio de 1966- ) directora de orquesta venezolana.

Es actualmente Directora Titular de la Orquesta Filarmónica de Huddersfield en Yorkshire y Directora Musical de la Orquesta Haffner en Lancaster y, la Hallam Sinfonia en el norte de Inglaterra.

A los quince años Natalia comenzó sus estudios de Oboe en el Conservatorio de la Orquesta Juvenil de Venezuela y un tiempo después obtuvo el titulo de Licenciada en Música en el Instituto Universitario de Estudios Musicales IUDEM, convirtiéndose de este modo, en la primera persona en obtener el diploma en dirección de orquesta en su país.

Durante dos años asumió el cargo de Directora Musical de la Orquesta Sinfónica de Falcón y en 1995 viajó a Londres- Inglaterra auspiciada por la Fundación Calcaño, para continuar sus estudios en el Royal College of Music, institución que luego de dos años le otorgó el premio RCM Opera Conducting Junior Fellowship, ganando así una pasantía en la especialización de dirección de ópera. Recientemente, la directora de orquesta venezolana recibió de manos de la Elgar Society, el premio Elgar 2007 a la mejor interpretación de una obra del compositor inglés Edward Elgar.[1]

Luis-Bassa, obtuvo en noviembre de 2008 el título de Magister en Dirección de Orquesta de la Universidad de Huddersfield; fue designada ‘embajadora de la música de Elgar’, tras haber interpretado la Segunda Sinfonía con la Huddersfield Philharmonic Orchestra en abril de 2007.

Durante el verano de 2007 Natalia visitó Venezuela para interpretar nuevamente la sinfonía, esta vez con la Orquesta de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, obteniendo excelentes comentarios de la crítica calificada.

En agosto de 2008, Natalia participó en un "reality show" de la BBC llamado Maestro, donde ocho celebridades de la televisión inglesa, aprendieronn a dirigir una orquesta. La ganadora, la comediante Sue Perkins, tuvo la oportunidad de dirigir la BBC Symphony Orchestra en la última noche de los PROMS en Septiembre de 2008.
Fuente: wikipedia.org

jueves, 11 de diciembre de 2008

MARYANNE AMACHER Electrónica




MARYANNE AMACHER es una compositora de electroacústica especializada en instalaciones sonoras conocida internacionalmente por su espectacular arquitectura de la música y el sonido en escena. Nacida en Kates, Pennsylvania (EUA), en 1943. Realizó estudios musicales en Salzburg (Austria), y Devon (Reino Unido), composición con Stockhausen y música por ordenador en la University de Pennsylvania y el MIT.

Creadora de 'sound installations' de gran envergadura desde los años 70, ha colaborado con Alvin Curran, David Behrman o el coreógrafo Merce Cunningham. De sus álbumes destaca Sound Characters (1999), que recopila parte de su obra para instalaciones entre los años 70 y 90.

AMACHER ha publicado un álbum, (Making the Third Ear), en Tzadik, el título se refiere a la ilusión que crea los sonidos que vienen desde dentro de la propia cabeza. Amacher nos insta a despertar y notar que el sonido está en todas partes, y que nos afecta. . Lo que está haciendo no es nueva ya, pero aún es fascinante, y valioso.

En 2005, fue galardonada con el Prix Ars Electronica en la categoría "Digital Músics" por su proyecto "TEO! Una escultura sónica". En la actualidad es profesora en el Bard College.

Fuente: www.usuarios.lycos.es



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viernes, 5 de diciembre de 2008

CLARE HANSSON Piano



CLARE HANSSON nombrada como "Queensland la Primera Dama del Jazz", dirige su propio trio de jazz desde 1980. Se metió en el jazz gracias a su marido, el bajista BERNIE HANSSON.
Clare es una gran referencia en la escena del jazz y ha participado en muchos festivales y conciertos con su grupo CLARE HANSSON TRIO formado por piano , contrabajo y batería y también como solista y acompañante de otros artistas como Jimmy Witherspoon y Ernestina Anderson , Bob Barnard, Don Burrows, John McCarthy, Paul Furniss, Brett Iggulden, Johnny Nicol, Ed Wilson, Su Cruickshank, Barbara Foulds, Sandie White, etc...

Una de las principales obras que destacan en su carrera es la composición musical AZIMUTH , con forma de suite , estrenada en Queensland Art Gallery en 1990con un CD editado en aquel momento.

Su actual trío se compone de Wayne Harper en el bajo y voz, y Geoff Ovenden a la batería y por supuesto, Clare Hanson al piano.
Clare es uno de los músicos mas demandados para participar en Festivales de Jazz en toda Australia y Nueva Zelanda - que se llevan a cabo en Queenstown, Sydney, Newcastle, Melbourne, Adelaide, Launceston, Geelong, Dubbo, Townsville, Stanthorpe, Warwick, Noosa, y Gold Coast.
Se licenció en Estudios de Jazz en la Universidad Tecnológica de Queensland en 1996 y posteriormente realizó un doctorado con una tesis basada en el estudio sobre la carrera profesional de MARIAN MCPARTLAND , la gran pianista de jazz que es referencia para todos los músicos de jazz. Completó su doctorado con éxito en abril de 2006.

miércoles, 3 de diciembre de 2008

MARI KIMURA Violín



MARI KIMURA es conocida mundialmente por conseguir sacar notas con su violín que no son propias de este instrumento. Reproduce notas por debajo del Sol ( que es la nota más grave del violín) sin cambiar la afinación. Ni ella misma se explica cómo ocurre.
Es concertista de violín y compositora. Ha tocado como solista con las principales orquestas de Japón y ha participado en festivales en mas de 20 paises.
Con sus composiciones ha conseguido varias y becas y subvenciones como "Jerome Foundation", "Arts International", "Meet The Composer", "Japan Foundation", y el "New York State Council on the Arts" (NYSCA).
El 5 de septiembre de 2007, Mari Kimura dio el estreno mundial de "Concierto para violín", escrito para ella por el compositor francés Jean-Claude Risset acompañada por la Orquesta Sinfónica de Tokio.

Mari Kimura nació en Japón y estudió violín con Joseph Fuchs, Roman Totenberg, Toshiya Eto, y Armand Weisbord. También estudió composición con Mario Davidovsky en la Universidad de Columbia, e informática musical en la Universidad de Stanford. Ha obtenido un doctorado en la Julliard School y da conferencias en universidades y conservatorios de todo el mundo. Desde septiembre de 1998, es profesora de Informática musical en la Juilliard School.

Actualmente está trabajando en su primer trabajo orquestal "InterAct Sweet" para orquesta y ordenador.
Mas información: www.marikimura.com
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LINDSAY COOPER Fagot, Oboe




LINDSAY COOPER es una fagotista inglesa que ha trabajado en muchas facetas de la música con el fagot y el oboe principalmente.
Nació en Inglaterra en 1951 y actualmente está retirada de la música en activo debido a una enfermedad (esclerosis múltiple) que arrastra durante los últimos años.

Empezó con el piano con 11 años y poco después se pasó al fagot completando sus estudios clásicos. En sus inicios formó parte de la "Joven Orquesta Nacional de Gran Bretaña" y después se incorporó a la Royal Academy of Music de Londres. Posteriormente se trasladó a Nueva York para estudiar durante un año. Allí comenzó a interesarse por las bandas sonoras de películas participando en diversos proyectos.

A los 20 años deja la música clásica y se une a una banda de rock progresivo llamada COMUS participando en un disco que lleva por título "To keep for crying" de 1974.


Ha trabajado con Mike Oldfield en "Hergest Ridge" (1974, LP, Virgin Records , UK ) . También ha colaborado con Henry Cow en 4 discos y ha formado parte del "Grupo Feminista de Improvisación" junto con Irene Schweitzer.

Su trabajo más reconocido es la composición de varias bandas sonoras, entre ellas la película "The Golddiggers" de Sally Potter. Escribió muchas partituras para cine y televisión y formó su propia banda "The Lindsay Cooper Orchestra" de Música de cine.

martes, 2 de diciembre de 2008

ZEENA PARKINS Arpa




ZEENA PARKINS es conocida en todo el mundo por su particular manera de tocar el arpa. Pionera en el arpa electrónica utiliza todo lo que encuentra a su alrededor para modificar su sonido original, como pedales de guitarra eléctrica, amplificadores Leslie o herramientas y objetos que encuentra en cualquier lugar como clips, tarros de vidrio, gomas de borrar, tapas metálicas , cadenas, tubos de goma,etc.. todo esto lo procesa mediante software para crear nuevos sonidos que interpreta con su arpa.

Nació en Michigan , Estados Unidos, y posteriormente se trasladó a Nueva York. Toca varios instrumentos como el piano, órgano y acordeón. Ha colaborado en más de 70 discos, algunos con su propio nombre y otros para diferentes artistas como Yoko Ono, Ikue Mori, Björk, Kaffe Mathews o Pauline Oliveros entre otros. Está considerada como una de las artistas más innovadoras e interesantes de la vanguardia musical. Ha escrito música para cine, tv, orquestas de cámara, teatro y danza.

Ha actuado por todo el mundo en diferentes salas de teatro, auditorios , acompañada por grandes orquestas o haciendo performances en solitario con arpas eléctricas y acústicas , algunas construidas por ella misma.
Más información: www.zeenaparkins.com

En este video aparece con IKUE MORI una de las habituales colaboradoras.
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miércoles, 26 de noviembre de 2008

IRÈNE SCHWEIZER Piano




IRENE SCHWEIZER es una pianista de jazz suiza que lleva más de 50 discos grabados en su carrera.

Nació en 1941 y se inició en la música a los 12 años aprendiendo a tocar jazz de forma autodidacta, escuchando discos y sacando lo que podía de oído. Dos años más tarde empezó a estudiar batería y, aunque no se dedicó profesionalmente a la batería le sirvió mucho par comprender la parte rítmica de la música. Empezó a tocar el piano con grupos locales de jazz y en 1962 se fue a Londres y allí dio clases con el pianista ciego y profesor EDDIE THOMPSON , iniciándose en ese momento en la música Bebop, la cual sería el punto de partida de sus composiciones y de su forma de tocar e improvisar.

A su regreso a Suiza formó un trío de Jazz con MANI NEUMEIER y ULIT TREPTE actuando por todo el territorio nacional , y en 1966 fueron invitados al Festival de Jazz de Frankfurt, siendo la primera vez que actuaban fuera de sus fronteras.

IRÈNE ha actuado con diferentes formaciones a lo largo de su carrera: con dúos, tríos y cuartetos principalmente . También ha formado parte del trio LES DIABOLIQUES después de la extinción del "Grupo Feminista de Improvisación".

En Zurich, ciudad donde residió gran parte de su vida formó un sello discográfico llamado INTAKT junto con otros músicos asociados y se especializaron en grabaciones de Jazz. Desde ese momento todos sus discos han sido grabados por el sello INTAKT.
Su labor en la discográfica es la de seleccionar los grupos que graban.

Es una gran improvisadora y muy virtuosa y que le gusta principalmente experimentar con armonías y ritmos diferentes.

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LITA FORD Guitarra



LITA FORD guitarrista de Heavy metal, nació el 28 de septiembre de 1958. Empezó a tocar la guitarra muy pronto sin saber que iba a dedicarse a la música. No asistió a su primer concierto (Black Sabbath) hasta tener 13 años. Después de eso trabajó mucho (en un hospital de California) para ahorrar suficiente dinero y comprar su primera guitarra, una gibson sg, como las que tenían los de Black Sabbath.

A los 16 años conoció a Kim Fowley, productor, manager y compositor que estaba reclutando miembros para un grupo femenino de glam-punk llamado The Runaways. Era el primer grupo femenino dentro de la escena del hard rock y heavy metal que podía tener éxito. Desgraciadamente se preocupó más por la imagen de la banda, que por la calidad de su música, increíble para una banda que incluía a Lita Ford, Joan Jett, Cherie Curie, Sandy West y Jackie Fox. Todas ellas continuaron con sus carreras cuando el grupo se separó después de cinco años.

Lita comenzó su carrera en solitario en 1981 grabando para Polygram "Out For Blood", "Dancing On The Edge" y "Bride Wore Black" (este último nunca llego a producirse) y no tuvieron mucho impacto en las listas. En 1986 cambió de compañía discográfica, firmando para RCA records. Su primer disco en esta compañía, "Lita", llegó a disco de platino y entraron en el top 10 "Kiss Me Deadly" y "Close My Eyes Forever", cantada a duo con Ozzy.

Su segundo disco "Stiletto" ofrecía algo más de diversidad musical, aunque no tuvo tanto éxito como su predecesor. Incluye entre otras las canciones "Lisa" "Hungry" "Aces And Eights" y "The Ripper"

El siguiente disco se produjo en 1991, "Dangerous Curves", con canciones como "Playing With Fire" y "Shot Of Poison", nominada para un Grammy. Tiene un sonido algo mas sucio y no tuvo tanto éxito como se pensó que tendría.

En 1995 grabó "Black", que recuerda un poco a los primeros discos de Lita. Este fue el último disco en estudio de Lita.

Por otra parte, en el 2000 salió "Greatest Hits Live", un disco en directo de un concierto grabado años antes y que además contiene una canción inédita: "Nobody's Child"

Actualmente Lita Ford vive en el Caribe con su marido Jim Gillette.

Fuente: metalqueens

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ALMA MAHLER Compositora




Alma Marie Schindler, casada Alma Mahler (31 de agosto de 1879 – 11 de diciembre de 1964), compositora y pintora, destacó en su Viena natal por su belleza y su inteligencia. Fue la esposa, sucesivamente, de personajes notables del siglo XX: el compositor Gustav Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel.

Una deslumbrante vienesa entre artistas , Alma Maria Schindler nació en Viena, Austria, hija del pintor Emil Jakob Schindler y su esposa Anna von Bergen. ALMA creció en un entorno privilegiado en donde frecuentaban los artistas; entre los amigos de su padre estaban GUSTAV KLIMT , que dibujó varios retratos de ella y que le dio su "primer beso". Después de la muerte de su padre, Emil Schindler (1892), su madre, Anna, se volvió a casar con uno de los últimos discípulos de su marido, Carl Moll. Siendo joven, Alma tuvo una serie de flirteos, entre ellos uno con Klimt, otro con el director teatral Max Burckhard y también con el compositor ALEXANDER VON ZEMLINSKY


El 9 de marzo de 1902 se casó con el compositor y director de orquesta austríaco GUSTAV MAHLER , que era 20 años mayor. Sin embargo, los términos del matrimonio de Alma con Mahler incluían el abandono de sus inquietudes artísticas en la pintura y la música para dedicarse plenamente a su matrimonio, aunque fue copista y lectora de pruebas de las obras de su esposo.


La fama de Alma Mahler se debe en primer lugar a sus matrimonios y sus affaires con los más grandes artistas de su época, el más notable de ellos Gustav Mahler, de quien tomó su apellido. Como compositora, escribió muy poco para ser considerada más que una figura menor, sólo 16 lieder son los únicos sobrevivientes de su talento en desarrollo.

Ya joven, Alma era una dotada pianista; estudió composición con Alexander Zemlinsky en 1897, escribió algunos lieder y obras instrumentales además de comenzar la composición de una ópera. También fue pintora, fue conocida como muy ambiciosa, y también descrita como sedienta de poder.

Su música aún se interpreta en la actualidad.

Fuente: es.wikipedia.org

lunes, 24 de noviembre de 2008

CONSUELO VELAZQUEZ Compositora, Piano




Consuelo Velázquez Torres nació en Jalisco el 21 de agosto de 1916 y murió Ciudad de México, 22 de enero de 2005). Quizás es la compositora más famosa de la música popular con su bolero miles de veces versionado "Bésame Mucho"

A los 4 años de edad su familia se mudó a la capital del estado de Jalisco, Guadalajara. En esa época comenzó a demostrar un buen oído y grandes aptitudes para la música, por lo que con apenas 6 años se inició en los estudios de música y piano en la academia Serratos, en Guadalajara.

Después de 9 años de estudio, se trasladó a Ciudad de México, donde prosiguió con sus estudios y se licenció como pianista concertista y maestra de música. Su concierto de grado se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la capital y poco después se inició como compositora de música popular; Como concertista de piano, fue solista de la Orquesta Sinfónica Nacional y de la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Como compositora su legado ha sido más notorio. Sus primeras composiciones, "No me pidas nunca", "Pasional" y "Déjame quererte", fueron de naturaleza romántica. Luego, surgieron, entre otras, canciones como Bésame mucho, Amar y vivir, Verdad Amarga, Franqueza, Cachito, Que seas feliz (incluida por Luis Miguel en su reciente disco "México en la piel"), Enamorada, Orgullosa y bonita y Yo no fui (canción bailable popularizada inicialmente por Pedro Infante y, en años recientes, por Pedro Fernández). Destaca como un hecho curioso la participación de Velázquez como actriz en la película argentina de 1938 Noches de carnaval, dirigida por el cineasta Julio Saraceni y como pianista en los filmes mexicanos del director Julián Soler Se le pasó la mano de 1952 y Mis padres se divorcian de 1959, además del documental sobre su vida Consuelo Velázquez de 1992; amén de su participación como compositora en diversos filmes también realizados en México.

Su éxito más conocido: Bésame mucho, bolero compuesto en 1940 (a la edad de 24 años), ha sido la melodía que más satisfacciones trajo a Velázquez, convirtiéndose en su carta de presentación. Después de haber sido grabado por el tenor mexicano Emilio Tuero, se hizo su primera adaptación en idioma inglés grabándolo en 1944 el famoso pianista y cantante estadounidense Nat "King" Cole (cuando aún este intérprete no pensaba en grabar en idioma español). De ahí en lo sucesivo, fue interpretado por cientos de artistas alrededor del mundo, como Pedro Infante, Javier Solis, The Beatles, The Flamingos, Xavier Cugat y su Orquesta, The Ventures, Sammy Davis Jr., Antonio Machín, Lucho Gatica, Plácido Domingo, Luis Mariano (quien la popularizó en Francia), Sara Montiel, José Carreras, Ray Conniff y su Orquesta, Andrea Bocelli, Frank Sinatra, Luis Miguel y Diana Krall. Bésame mucho es conocida también como Kiss Me Much, Kiss Me a Lot, Kiss Me Again and Again, Embrasse-Moi y Stale Ma Boskavaj. Canción traducida a más de 20 idiomas, llegó a ser un icono dentro de la música popular. Su gran acierto en Estados Unidos fue la contextualización de la canción hacia las mujeres que esperaban a sus maridos en la Segunda Guerra Mundial.

Años después del inicio de su carrera, la compositora contrajo matrimonio con el propietario de medios e impulsor de artistas, Mariano Rivera Conde (fallecido en 1977), de cuya unión nacieron sus únicos hijos Mariano y Sergio Rivera Velázquez. En el período comprendido entre 1979 y 1982 formó parte del Parlamento Mexicano, en lo que sería su única intervención en la política de su país.

Afectada por una enfermedad cardiovascular, Consuelo Velázquez falleció el 22 de enero de 2005. Su cadáver fue trasladado al Palacio de Bellas Artes, escenario de su primera presentación, en medio de una importante manifestación de conocidos artistas y del pueblo, en general. Sus cenizas luego fueron inhumadas en la iglesia Santo Tomás Moro, a donde la autora asistía cada domingo a escuchar la misa. Su última participación artística la realizó como pianista en el más reciente álbum de la cantante mexicana Cecilia Toussaint titulado Para mi...Consuelo, el cual contiene canciones de Velázquez.

Recientemente, se ha sabido que la compositora e intérprete, entre sus últimas voluntades dejó siete canciones inéditas entre ellas Donde Siempre (destinada a Cecilia Toussaint), Mi bello Mazatlán (que grabará la Banda El Recodo) y Por El Camino, que la autora legó al cantante mexicano Luis Miguel por quien sentía admiración.

WANDA LANDOWSKA Piano , Clavecín



WANDA LANDOWSKA fue una pianista y clavecinista nacida en Varsovia (Polonia) el 5 de julio de 1879 . Murió en Connecticut, EE.UU.

Estudia primeramente el piano y la composición en Berlin, su primer universo sonoro es el de Hans von Bülow y la influencia post-romántica de las orquestas sinfónicas, pero su interés por la música antigua y el sentimiento que ella descubre tocando los instrumentos antiguos dejan una huella durante toda su vida: dedicándose con empeño a un movimiento de renacimiento de la música antigua y barroca en uno de sus principales instrumentos, el clavecín.

Insatisfecha con los instrumentos originales que para ella son restaurados (ciertamente no con los medios actuales ) o se encuentran en un estado satisfactorio, demanda la construcción a la fábrica de pianos Pleyel de un clavecín que ella inaugura en el festival Bach de Breslau en 1912. Con ese instrumento tocaría en muchos países.

Digna admiradora de su tiempo y el progreso en casi todas las facetas técnicas, no entiende que la experiencia ganada en más de trescientos años de construcción de claves en Italia, Los Países Bajos, Francia, Alemania e Inglaterra hubiera sido un legado sonoro suficiente para que el clave concebido por Pleyel y Gaveau basados en la experiencia de construcción de pianos podrían jamás ser igualados, mucho menos ser de alguna manera superados.

Es así que como profesora crea una escuela de música antigua donde transmite su idea de interpretación con convicción. La escuela es inaugurada con Alfred Cortot por clavecinistas, pianistas y cantantes de todo el mundo.

Hace construir una sala de conciertos en su hogar de Saint-Leu-la-Forêt el 14 de mayo de 1933 donde interpreta por primera vez públicamente en clave las Variaciones Goldberg de Bach obra que estudia durante cuarenta y cinco años. Su predecesor redescubriendo obras de Bach fue un siglo antes Felix Mendelssohn-Bartholdy interpretando la Pasión según San Mateo. Con Pablo Casals hace conocer la música del célebre compositor en tiempos modernos.


En junio de 1940 con el avance de las tropas nazis abandona Europa y luego de un período errante se radica en los Estados Unidos y durante sesenta y tres años recomienza su carrera nuevamente con entusiasmo en su vocación de profesora, brindando conciertos y grabando.


Como intérpreta destaca en el Concierto para clave de Manuel de Falla y en el
Concierto champêtre de Francis Poulenc

Ha dejado escritos sobre: la interpretación de las obras para clavecín de J. S. Bach, 1905.
Música antigua, 1909.
Chopin y la música antigua en Francia, 1931.
Sobre las Variaciones Goldberg de J. S. Bach, 1933.

Algunas de sus citas más célebres: "No se deben interpretar las obras maestras como si uno viera pasar un féretro, paralizado por el respeto."
"Entre un batir del metrónomo y el siguiente, hay el silencio".
"Entre un latido de corazón humano y el siguiente se encuentra todo un mundo". Discografía editada:
En clavecín Johann Sebastian Bach
Fantasía cromática y fuga, BWV 903.
Partita en si bemol mayor, BWV 825.
El clave bien temperado, BWV 846, BWV 869, BWV 870 y BWV 893.

En piano Johann Sebastian Bach, Variationes Goldberg, grabadas en Paris en noviembre del 1933.
Wolfgang Amadeus Mozart, concierto para piano y orquesta K. 537 llamado “La coronación”.
Fuente www.wikipedia.org