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viernes, 25 de julio de 2008

MARY LOU WILLIAMS Piano



Su verdadero nombre era Mary Elfrieda Sgruggs. Pianista, arreglista y compositora norteamericana (Atlanta, Georgia, 8-5-1910/Durham, Carolina del Norte, 28-5-1981). Estudia piano y muy joven se presenta en público en el seno de espectáculos musicales donde se relaciona con el saxofonista John Williams, con quien se casa a los dieciséis años

Participa en varias orquestas a partir de 1929 y forma parte de los Twelve Clouds Of Joy hasta 1942 en calidad de pianista y arreglista. Compone también para Jimie Lunceford , Louis Armstrong, Earl Hines, Tommy Dorsey y Benny Goodman.

Funda su propio grupo junto con su segundo marido, el trompetista Harold Baker (1942), y ambos entran en la orquesta de Duke Ellington, para quien escribirá los arreglos, entre ellos una famosa adaptación de Blues Skies: Trumpet No End (1946).

Trabaja cada vez más a su nombre y su Zodiac Suite es interpretada en el Carnegie Hall por una orquesta sinfónica (1946). Crea una orquesta exclusivamente femenina, compone de nuevo para Benny Goodman, se presenta en California y en el Village Vanguard de Nueva York (1949).

Frecuenta también a los jóvenes músicos del bebop: Thelonious Monk, Bud Powell, Dizzy Gillespie, para quien escribe los arreglos de In The Land OfOo-Bla Dee (1949), Tadd Dameron...Tras una temporada en Europa (1952-1954), se consagra a la religión y a las obras de caridad, y en 1957 reemprende el contacto con la escena en el Festival de Newport, junto a Dizzi Gillespie.

Compone obras de inspiración religiosa y tres misas. Toca en dúo con Cecil Taylor (1977) y ese mismo año se convierte en artista residente de la Duke University de Carolina del Norte, donde muere a consecuencia de un cáncer.

Pianista brillante, diestra en la práctica del estilo stride, Mary Lou Williams evoluciona constantemente, en contacto con los avances estéticos del jazz; su trabajo de arreglista se sitúa en las mismas vías de evolución e innovación. Y sin embargo, hasta los últimos años de su vida, su música permanece próxima a los orígenes del blues.

Fuente: jazz59.com


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LUCIA MARTINEZ Batería, Percusión



Lucía Martínez, es una joven artista con una gran experiencia en el mundo de la música clásica, world-music y el jazz. Versátil multi-instrumentista y compositora, Lucía pertenece a la nueva generación de músicos de jazz en Europa, pero con el sabor del sur. Su estilo está influenciado por la música folklórica de Galicia, el flamenco y la música del mediterráneo, junto con la nueva música de vanguardia europea.
Nacida en Vigo en 1982. A la edad de 9 años, Lucía comienza a estudiar percusión tradicional con músicos locales y también percusión latina con el percusionista cubano Marcos Valcárcel, antes de comenzar su formación clásica.
Lucía es líder de “Lucía Martínez Cuarteto”, proyecto con el cual acaba de grabar su primer CD: “Soños e Delirios”.
Ha trabajado con músicos en el ámbito del jazz, folk, música tradicional, clásica, como Maria João, Perico Sambeat, Carlos Bica, Jason Lindner, Allan Ferber, OJM (Orquestra de Jazz de Matosinhos - Portugal), Laszlo Süle, Orquesta ImaxinaSons (Orquestra de Jazz de Vigo), Real Filarmonía de Galicia, Uxía Senlle, Mercedes Peón, Rodrigo Romaní, Xavier Díaz, por sólo nombrar algunos.
Lucía ha tocado en varios festivales de todo el mundo, como el Festival Interceltique de Lorient, (Francia), Folk Festival (Cannes, Francia), Festival de Música de Dranouter (Bélgica), Celtic Connections (Glasgow, Escocia), Festival La Mar de la Músicas (Cartagena - España ), El Festival de Ortigueira (Galicia), VIII Encuentro de Música Antiga de Loulé (Portugal), Festival Imaxinasons (Vigo), el Festival de Jazz de Vila Real, Jazz no Río, Música no Palácio (Portugal), Festa do Jazz do San Luiz, Lisboa.
Forma parte de la generación 2002-2004, de la Escuela de Altos Estudios Musicales de Galicia (Real Filarmonía de Galicia). Licenciada en percusión clásica en el “Conservatorio Superior de Música de Vigo (2006) y obtuvo el octavo grado en Percusión Orquestal en la Guildhall School of Music en Londres(1998).
Además de la formación clásica se ha centrado en la batería, vibráfono y composición de jazz. Ha realizado el Programa Erasmus en el Instituto Politécnico de Helsinki-Stadia y finalmente se graduó en la reconocida Escuela de Música y Artes del Espectáculo(ESMAE) de Porto (Portugal) (2007). Participó en seminarios de Big Band, composición, vibráfono y batería, en Italia, Portugal, España y Reino Unido.
Algunos de sus maestros fueron Michael Lauren, John Hollenbeck, Kurt Rosenwinkel, Jerry Granelli, Jeffry Davis, David Samuels, John Riley, Garrison Fewell, David Friedman, Severy Pysalo por sólo nombrar algunos.
Obtuvo dos premios como vibrafonista en el Festival “San Luiz” en Lisboa en mayo de 2007: el Mejor Intérprete y Mejor Grupo.
El premio Nacional de Coros con “Camerata anuncio Libitum” (2002)
Actualmente reside en Berlín donde realiza el Programa de Master en jazz en la “Universidad de las Artes” (UdK) de Berlín. Trabaja como batería y percusionista perteneciendo al cuarteto de baterías “Tim Tim por Tim Tum”, junto con José Salgueiro, Alexandre Fraçao y Marco Franco, al proyecto “Coplas para Icía - Xabier Díaz”. Toca percusión histórica en el proyecto “Amar contra o silencio”, y el vibráfono y percusión en el “Proyecto Miño” liderado por el contrabajista Baldo Martínez. Batería del trio de Peter Horisberguer, es líder de su Cuarteto y participar con diferentes artista tocando vibráfono, batería, percusión o como compositora, dentro de diferentes estilos.
Fuente: luciamartinez.com
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jueves, 24 de julio de 2008

ISABEL LÓPEZ CALZADA Directora



Directora de orquesta. Entre su experiencia profesional hay una larga trayectoria nacional e internacional, que comenzó en 1987 como intérprete solista de Viola y como Soprano, interpretando obras de Sorozábal, Chueca, Moreno Torroba, o Arrieta entre otros. Como pianista ha incluido en su repertorio obras de Schumann, Mozart, Haydn o Corelli. Como violista ha formado parte del Dúo Pleyel y del Dúo Norton en el que ha desarrollado un amplio repertorio sobre la evolución de la viola a través del piano.
Ya como Directora de Orquesta, ha dirigido y trabajado con diferentes grupos de cámara procedentes de la Orquesta de RTVE, la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, Orquesta Clásica del Conservatorio Superior de Música de Madrid, Orquesta de Cámara de Barcelona, y la Orquesta Joven de Munich Münchner Jugendorchester.
Ha sido la promotora de la Orquesta Sinfónica de Mujeres de Madrid, que también dirige.
Fuente: educa.madrid.org

CAROL KAYE, Bajo



La mejor bajista de la historia. Con su Precision ha estado en más de 10.000 sesiones de grabación a lo largo de su dilatada carrera.
Entre los nombres para los que ha trabajado están Elvis Presley, los Beach Boys, los Doors, Simon y Garfunkel, Frank Zappa, los Monkees, Frank Sinatra, Ray Charles, Richie Valens, joe Cocker, Stevie Wonder, Tina Turner y bastantes más. Sus primeros años fueron como contrabajista y se cambió al bajo en 1963.
Además, desde 1969, se ha dedicado también a la docencia y a escribir libros acerca del bajo y su técnica. Entre ellos destaca la obra de referencia How to Play The Electric Bass.
CAROL KAYE aparece en más créditos de discos del área de California de mediados de los sesenta y los setenta que el de cualquier otro bajista en el mundo. Alguien dijo sobre ella: “Si tú has visto la tele o has oído la radio desde 1.958 para acá, la has oído tocar”.


El “Pet Sounds” y el “Smile” de los Beach Boys no serían lo mismo sin su brillante bajo, que muchas veces es pieza frontal y central en sus canciones. Como tampoco lo serían los dos primeros discos de ZAPPA.

Antes de tocar el bajo, Carol era una excelente guitarrista de seis cuerdas que participó en casi todos los grandes éxitos de Sam Cooke, Ike & Tina Turner o los Righteous Brothers… la guitarra de “Unchained melody”, esa canción tan bonita que todos conocéis de la peli “Ghost”, es suya también.

Su vida no fue fácil y tuvo que pasar por muchas penalidades. La elección del bajo como instrumento principal fue por necesidad. "Tuve que vender mi mejor guitarra, una Gibson Super 400, para poder pagar la factura del hospital cuando tuve a mi hijo. Y después mudarme a Tucson para poder trabajar en dos sitios y los fines de semana tocar en conciertos, porque ahora tenía una boca más que alimentar además de la mía y la de mi madre. Para cuando seis años después me dieron un bajo en el estudio, porque el que tenía que tocarlo no había venido, yo ya tenía tres hijos que mantener, y bajistas había menos que guitarristas, así que la elección era obvia."

Antes de que Tina Turner comience a aullar el “River deep, mountain high”, el bajo que pone los cimientos de la pared de sonido también es el de Carol. Y el que conduce el maravilloso “Alone agair or” de Love también lo es. Y el del “Feelin’ allright” de Joe Cocker y “The way we were” de Streisand. Y el del tema de “El Padrino”, y el de “MASH”, y el de “Misión imposible”, y el de “Ironside”, y el de… La próxima vez que escuchéis a Richey Valens cantar “Para bailar la bambaaaa, para bailar la bambaaa se necesitaa…” o a los Beach Boys el “everybody got surfiiiiin, surfin iueseeeeeeiii…” fijaros en la guitarra y se os vendrá a la memoria la cara de la chica aquella de las gafitas ridículas que mencionaba el Carrascus.
Carol Kaye, Genia y figura, es una lastima que no sea tan conocida, salvo para algunos bajistas y otros musicos, y ni siquiera eso, al escribir esto pienso, quien mas podria decir que fue la profesora de Paul McCartney, Jaco Pastorius,Larry Graham, Frank Zappa, Alphonso Johnson,Sting, Bootsy Collins, John Paul Jones, Stanley Clarke,Gene Simmons, Ron Carter, Noel Redding, o 3 bajistas de Michael Jackson y 4 de Bowie, solo para citar unos muy pocos!! O haber grabado los bajos y/o guitarras de temas como La Bamba (¡!), Pet Sounds (todo el disco¡!!),o Surfin USA, Light My Fire de los Doors (¡!)el tema de Shaft,el de la familia Cosby,todos los hits de los O´jays, el de it´s a small world de Disney (¡), los temas de M*A*S*H ,Mission Impossible (¡!!), Ironside , Kojak Hawaii 5-O , Streets of San Fransico ,Brady Bunch ,Addams Family ,Wonder Woman
Love Boat (!!!!!!!!)Get Smart (sup agente 86!!), Wild Wild West ,Lost in Space ,el de La pantera Rosa (!!!!!!)Lucy Beneath The Planet Of The Apes, Butch Cassidy And The Sundance Kid , Ferris Bueller's Day Off , Ghost, Goodfellas, Top Gun, o Mannix
O con gente como :
Frank Sinatra, Joe Cocker, Barbra Streissand, Ray Charles, Mel Thorme, Henri Mancini, Stevie Wonder, Elvis Presley, Sammy Davis Jr, Diana Ross, Marvin Gaye, Los Monkees, Simon & Garfunkle, Tina Turner, Quincy Jones, Count Basie, Las Supremmes, Cannonball Adderely, Tony Bennett, The Temptations, Cher, Wayne Newton, Frank Black (¡),Isley Bros, Phil Spector, Fred Astaire, Little richard, Doris Day, Liza Minelli, Curtis Mayfield, Buffalo Springfield, Dean Martin, Billy Preston, Neil Diamond, Howlin' Wolf ,Pink Floyd, y sus amigos Jimi Hendrix, Quincy Jones o Henry Mancini…
Fuente: blogin-in-the-wind.es

BARBARA LYNN Guitarra



Bárbara Lynn Ozen, nacida en Texas. Cantante y guitarrista, zurda por cierto. También a veces escribía sus propias canciones.
Comenzó tocando el piano pero inspirada por Elvis Presley cambió el piano por la guitarra (no deja de ser sorprendente que sea Elvis el "inspirador" de tal cosa).
Como tantas otras mujeres con inquietudes musicales forma su propia banda en el instituto: 'Bobbie Lynn and the Idols', con la que gana algunos pequeños premios en concursos de talento. Poco después comienza a tocar en clubes locales. Pronto se fijarían en ella.
Con el consentimiento de sus padres se va a Nueva Orleáns.
En 1962 una balada compuesta por ella se convierte en un gran éxito, en el número uno de las listas nacionales de R&B. Se pone a la venta su primera álbum con 12 temas propios.
En 1967 firma con Atlantic y obtiene otro nuevo éxito con "This Is the Thanks I Get", la incombustible Lynn saca otro disco ese mismo año. Entre los 70 y 80 retira ”parcialmente”, tocando en ocasiones especiales. Regresará a mediados de los 80 y a lo grande, viajando nada más y nada menos que a Japón. Sus giras se prolongarán hasta la década de los 90 y en el 2000 graba ‘Hot Night Tonight’.
Fuente: tabernablues.com
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SUSANA SEIVANE Gaita



Nacida en Barcelona en el año 1976, Susana es la heredera de una de las familias con más prestigio dentro del mundo de los gaiteros y artesanos de gaitas en Galicia, la familia Seivane. Comenzó su andadura musical al cumplir tres años de edad. De la mano de su padre Álvaro Seivane, e influenciada por maestros gaiteros como su abuelo, Xosé Manuel Seivane, Ricardo Portela y Moxenas, ha conseguido el respeto y admiración del mundo de la gaita y de la música tradicional en Galicia. Ese estilo genuino está hoy presente en la forma de tocar de Susana, una mujer que sintetiza el estilo "enxebre" de viejos gaiteros. Combina este valioso legado con influencia de otras músicas; para ello se rodea de un elenco de jóvenes músicos que aportan gran frescura y originalidad a su espectáculo.

En 1999 edita su primer disco "Susana Seivane" (BOA MUSIC), producido por Rodrigo Romaní, uno de los miembros fundadores de Milladoiro. Éste trabajo basado en temas tradicionales y composiciones de artistas gallegos, le lleva por los mejores escenarios de Folk Nacional e Internacional, logrando grandes éxitos y elogiosas críticas. Su primer disco se edita en Europa, Estados Unidos y Canadá.

Con su segundo trabajo "Alma de Buxo" (BOA MUSIC Ed. 2001) producido por ella misma, bajo el asesoramiento artístico de Rodrigo Romaní, se consolida como artista gallega de referencia en el panorama Folk. En éste colaboran artistas de la talla de Uxia Senlle, Kepa Junquera o Rodrigo Romaní entre otros. Merece especial mención la colaboración de su abuelo Xosé Seivane. Como novedad, en éste trabajo introduce instrumentos como batería o bajo eléctrico y enriquece el disco con composiciones propias.

En este mismo año resultó una de las cinco finalistas de los Indie Awards 2001, los prestigiosos premios que cada año otorga la Asociación de Música Independiente de E.E.U.U. (AFIM), en la categoría de mejor artista de Músicas Contemporáneas del Mundo.

En 2003, Susana ha participado en la grabación del album del Bagad Kemper (banda de gaitas de reconocido prestigio en Bretaña-Francia), Sud-Ar Su, colaborando igualmente en los directos de esta banda.

En 2004 publica su tercer trabajo "Mares de Tempo" (BOA MUSIC), en el cual, sin abandonar la tradición y las raíces de la música gallega, ha querido introducir un nuevo instrumento: su voz. Este tercer trabajo, lleno de colaboraciones de excelentes y reconocidos músicos de Galicia, se acompaña de un DVD que permite contemplar a Susana Seivane en los mejores momentos de su trayectoria, tanto en el escenario como fuera de este.

Mares de Tempo es un título extraído de la obra del poeta gallego Celso Emilio Ferreiro: Longa noite de pedra. Se trata de una reflexión sobre el tiempo que pasa y la pérdida de este en cosas banales.
Fuente susanaseivane.com

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jueves, 17 de julio de 2008

CARINA ALFIE Guitarra



CARINA ALFIE es una magnífica guitarrista de Argentina. Comenzó a tocar la guitarra a los 18 años y formó parte de varios grupos femeninos como HEROINAS y PAISANA. Fue desarrollando un estilo cada vez mas duro y, al mismo tiempo que en su actual grupo Lunatycas, comenzó a centrarse en el rock instrumental.

Su primer disco "Aislamiento" salió en 1997. Contiene algunas canciones que, para ser el primer disco, son sorprendentemente buenas, como por ejemplo "Vinka", "Aislamiento", "Llueve" y "El Ángel".

En el año 2000 salió su segundo disco, "Mundo Interior", con canciones muy destacables como "El Ave Azul", "Miel", "Mundo Interior" y "La Fortaleza". En el mismo año comienza a grabar "Rock Vital", clinic en cd-rom y video con técnicas y ejercicios para guitarra.

"Cuerdas Vitales" es su tercer disco, con la colaboración de varios guitarristas argentinos. Este disco presenta una importante evolución, tanto desde el punto de vista del estilo como del sonido. Las canciones tienen estilos más variados, algunas, buenísimas, muy melódicas, otras más duras. De este disco me encantan todas las canciones, me resulta muy difícil elegir unas cuantas, pero creo que deben destacarse "El Chamán", "Paraíso", "Ghandi", "Visions", "Resplandor", "Aire" y el bonus track "El Bien y el Mal".

Su cuarto disco "Transmission" salió este año y es el disco que ha grabado en los estudios de Steve Vai "The Mothership". El sonido de las canciones es buenísimo, la verdad es que me gustan todas: "Círculos de Fuego", "En Todas Partes", "Mensaje de las Estrellas" ... y "Ray Of Light" que es una canción muy bonita. En este disco aparecen algunos artistas invitados como JENNIFER BATTEN que colabora en la canción "Awake".

CARINA conoció a STEVE VAI en 1997 cuando éste fue a Argentina a dar un concierto. STEVE invitó a CARINA a la prueba de sonido y se quedó tan sorprendido cuando la vio tocar que también la invitó a tocar un par de canciones en su concierto. Más tarde en 2000, CARINA visitó a VAI en Los Ángeles y le dio la oportunidad de grabar en sus estudios. Después en Argentina volvió a tocar con VAI en un concierto. Además conoció a LINDA MCDONALD (Phantom Blue, The Iron Maidens), con la que grabó una canción para el disco tributo al genial JASON BECKER . La canción escogida fue "Becker Ola".

Además de con STEVE VAI, CARINA ha tocado con más guitarristas como PAUL GILBERT.
Fuente: metalqueens.com
Más info en : www.alfiecarina.com.ar


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miércoles, 16 de julio de 2008

CRISTINA PATO Gaita, Piano



CRISTINA PATO es la gaitera con más prestigio que tenemos en España. Con sólo 18 años grabó su primer disco. Fué en 1999 y el disco lo llamó TOLEMIA. Sorprendió con un álbum repleto de sonidos tradicionales fusionados magistralmente con el pop, lo sinfónico e, incluso, con el funk. Saliendo de los parámetros convencionales y rompiendo con la rigidez de "lo correcto" de la música tradicional, su disco "Tolemia" ("locura" en gallego) vendió más de 40.000 unidades y fue el motor que impulsó vertiginosamente la carrera internacional de la gaitera convirtiéndose en la revelación más importante en el ámbito de la música folk en España. Anteriormente ya había paseado por medio mundo con su primer grupo, Mutenrohi (con los que grabó dos de sus trabajos discográficos), ganándose una merecida fama a nivel internacional. En su primera experiencia en solitario, Cristina Pato estuvo acompañada por un conjunto de 28 músicos, algunos de ellos amigos de siempre y miembros de su anterior formación
Nació en Orense ,Galicia en 1980. A los 4 años comenzó a tocar la gaita en una banda de gaiteros junto con su hermana. A los 6 empezó a estudiar piano en el Conservatorio.

Actualmente toca el piano y la gaita por igual. Dos instrumentos muy diferentes entre los que -confiesa- no poder elegir. Es la madrina de la federación francesa de Galicia y ha colaborado con grupos como THE CHIEFTAINS Y CHERISH THE LADIES. Ha tocado en escenarios de España, EEUU, Portugal, Reino Unido, Francia, Italia , Alemania y Mexico.

En el año 2001 Cristina presentó su segundo trabajo discográfico, "Xilento" que significa en gallego "hambriento y ambicioso" en el que han participado grandes artistas como Javier Vargas, Charlie McKerron (Capercaillie), Carlos Beceiro (La Musgaña) , Jose Peixoto (Madredeus) y Marta Dias. Este trabajo es la necesidad que tiene Cristina Pato de mostrarse, de saber y explorar las raíces que unen Galicia con el resto del mundo.

Su tercer disco como gaitera se titula MISTURADOS y fué editado en el 2007.
También , recientemente, ha compuesto la banda sonora de "El hombre de Arena".
Vive en Nueva York tras obtener una beca de la Fundación BARRIE DE LA MAZA para hacer el doctorado en piano.

Fuente: estaciontierra.com


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lunes, 14 de julio de 2008

THE GREAT KAT Guitarrista



La guitarrista más polémica y más veloz. Considerada entre los 10 guitarristas más rápidos de todos los tiempos según la revista GUITAR ONE y comparada a menudo con YNGWIE MALMSTEEN.
Con un carácter insoportable para muchos que la rodean se autodenomina la "Nueva BETHOVEN del Nuevo Milenio" y tiene el firme propósito de demostrar que ella es la mejor guitarrista del planeta. Es experta en acuñar frases polémicas como: THE GREAT KAT ES DIOS!!!!!!! ó !!THE GREAT KAT ES INMORTAL!!

Se proclama a si misma inventora de un nuevo estilo de música "SHRED/CLASICAL" . Este es el significado según sus propias palabras:
Shred: interpretar la guitarra muy SUPER RÁPIDO, Riffs en la guitarra con una VELOCIDAD INSANA.
“SHRED/CLASSICAL”: SUPER RÁPIDA interpretación de auténticos “Scores” (partituras) de música clásica (de Vivaldi, Beethoven, Bach, Wagner, Liszt, Paganini, Sarasate, Bazzini, Rossini y otros más) para Guitarra Eléctrica, Violín, Orquesta y Banda. Todo interpretado a una insana velocidad.

Su nombre es KATHERINE THOMAS , nació en Inglaterra y desde muy pequeña se fue a vivir a Nueva York. Aunque su procedencia es de Inglaterra se considera una gran patriota yankee. Comenzó estudiando piano con 7 años y dos años más tarde se pasó al violín. Con este instrumento se convirtió en una gran virtuosa consiguiendo una beca para la JULLIARD SCHOOL con 15 años . Ha dado conciertos de música clásica por todo el mundo . Tras estas giras dijo una de sus frases más célebres.
"LA MÚSICA CLÁSICA ESTÁ MUERTA. LA MÚSICA CLASICA MURIO DEPUÉS DE QUE SCHOENBERG, GLASS, y CAGE LA ASESINARON Por eso depende de The Great Kat (la reencarnación de Bethoven) la actualización de la música clásica para entregársela a las masas a través de la guitarra Shred/Classical y el Metal".

Se pasó a la guitarra eléctrica sin abandonar el violín y la viola y actualmente conbina los tres instrumentos en sus actuaciones con la banda que lleva su propio nombre "THE GREAT KAT". Sus influencias más importantes son:
BEETHOVEN, WAGNER PAGANINI, OZZY OSBOURNE y JIMMY HENDRIX.
Aunque está considerada una gran guitarrista ( y es evidente que técnica no le falta) las letras que compone son demenciales y pésimas. En sus conciertos canta o más bien chilla y aulla.
Hasta el momento lleva 5 discos editados haciendo versiones supersónicas de maestros de la música clásica como BEETHOVEN , VIVALDI,ROSSINI, WAGNER.
Más información en greatkat.com




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NORAH JONES Piano



NORAH JONES ,pianista y cantante de jazz , es la hermanastra de ANOUSHKA SHANKAR, mencionada con anterioridad. Hija de RAVI SHANKAR y de SUE JONES nació el 30 de Marzo de 1979.
Sus padres se separaron cuando ella nació. Vivió hasta los 4 años en Nueva York y luego , su madre y ella se fueron a TEXAS con su abuela donde permaneció hasta los 20 años. Su madre le ponía discos de ARETHA FRANKLIN, BILLY HOLLIDAY, ETTA JAMES, RAY CHARLES , BILL EVANS, etc. y su abuela era una experta en música country.
A los 7 años empezó a estudiar canto, piano y saxofón. Era bastante vaga y dejó los estudios varias veces aunque gracias a la persistencia de su madre y de su abuela logró terminar sus estudios.
En el instituto comenzó a coquetear con el Jazz y más tarde entró en la Universidad de North Texas para estudiar piano y teoría de Jazz. Formó su primer grupo y actuaba regularmente en un restaurante italiano.
A los 20 años volvió a Nueva York y se quedó definitivamente allí para disgusto de su madre. Colaboró con diversas bandas ganándose la vida como cantante y pianista de Jazz. Empezó a componer canciones y formó su grupo con el bajista LEE ALEXANDER, el guitarrista JESSE HARRIS y el baterista DAN RIESSER. Se estabilizó como cantante y piansta en el club nocturno "The Living Room".

En uno de esos conciertos la escuchó SHELL WHITE de la discográfica EMI en el 2000. Le pidió una demo de sus canciones y éste se la llevó a BRUCE LUNDVALL, diretor de BLUE NOTE, el sello discográfico de Jazz.

ARIF MARDIN el productor trabajó en su primer disco y fué un éxito. Sin apenas campañas de marketing, sólo con el boca a boca , en menos de 1 año había sobrepasado el millón de copias. En Europa y Asia también fue un éxito llegando a vender en todo el mundo más de 18 millones de copias.
Consiguó 8 Grammys en el año 2003 y hasta el momento lleva 4 discos en el mercado
FIRST SESSION en el 2001
COME AWAY WITH ME en el 2002
FEELS LIKE HME en el 2004
NOT TOO LATE en el 2007
Los temas del último disco fueron grabados en su apartamento de Manhattan y mezclados en estudio por un nuevo productor LEE ALEXANDER , bajista con el cuál había tocado anteriormente.
Para este disco cuenta con la colaboración del organista LARRY GOLDINGS, el cantante M. WARD y el cellista JEFF ZIEGLER.
También en el 2007 debutó en el cine con la película MY BUEBERRY NIGHTS dirigida por el director chino WONG KARWAI .

Fuente: wikipedia.com
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jueves, 10 de julio de 2008

EILEEN IVERS Violín




EILEEN IVERS nació en 1965 en el Bronx, New York, hija de inmigrantes irlandeses. Sus padres decidieron que ella y su hermana MAUREEN aprendiesen baile irlandés pero tras seis clases EILEEN se dio cuenta de que ella preferia dedicarse a otra forma de arte irlandés, así que en menos de un año empezó a tocar el violín y se ha pasado los últimos 23 años haciéndolo.
Eileen Ivers decidió empezar a tocar el violín estando de vacaciones en Irlanda. Con solamente 8 años, le preguntó a su madre si podría ir a clases de violín. Su madre intentó que cambiase de idea y eligiese el piano en su lugar pero Eileen estaba ya decidida.

El primer violín de Eileen fue uno alquilado. Practicaba una hora todos los días antes de ir al colegio, aunque no fue hasta algo mas tarde, cuando decidió que quería dedicarse a ello. En esa primera época, la inspiración musical de Eileen venia de una serie de televisión de country y western, su familia y la magia de Irlanda.

Eileen y su familia siguieron yendo de vacaciones a Irlanda. Con nueve años ganó en Buncrana, Donegal su primera medalla en una competición de toda Irlanda. A través de los años ha reunido mas de 35. Después de graduarse, sus padres le pidieron que fuera a la universidad y Eileen aceptó a regañadientes, parta darse cuenta poco después de que había sido una idea genial. Se graduó en la facultad de Iona con un titulo en Matemáticas, habiendo llegado a la conclusión de que las matemáticas y la música tienen patrones específicos similares y que los dos están conectados. Muy poco después de su graduación empezó a tocar en irish pubs y festivales. En esta época comenzaron sus colaboraciones con músicos como MICK MOLONEY, SEAMUS EGAN (de Solas), y muchos otros a los que ella misma acredita como contribuyentes a su crecimiento como músico. MICK MOLONEY creó GREEN FIELDS OFAMERICA ca poco después, del que Eileen entró a formar parte.

Otras colaboraciones de Eileen incluyen a LUKA BLOOM ; DARYL HALL y JOHN OATES , con quienes hizo una gira de un año que le llevaría por todo Europa, Australia y Japón; JOHN DOYLE; SEAMUS EGAN, KIMATI DINIZULU , cuya historia musical afro-americana se mezcló perfectamente con el estilo tradicional irlandés de Eileen; CHRYS BYRNE y PAT MAQUIRE , entre otros. Además, Eileen fue una de las fundadoras del grupo CHERISH THE LADIES .

BILL WHELAN , sin duda uno de los compositores más famosos en la historia de la música irlandesa, además de uno de los productores de mas éxito por su trabajo con U2 y KATE BUSH , se encontró por primera vez con Eileen Ivers cuando necesitó un violinista que interpretase la pieza que estaba componiendo para la adaptación del best-seller de LEON URIS , "TRINITY". . Su reconocimiento internacional vino a raíz de su composición de la banda sonora para Riverdance. Cuando MAIRE BHREATHNACK abandonó Riverdance, Eileen Ivers fue elegida para ocupar su lugar e imprimir su propio estilo en el proyecto.

Eileen ha participado en mas de 75 grabaciones, entre discos de música contemporánea y tradicional, y bandas sonoras de películas. Ha colaborado con artistas como PAULA COLE y los BOSTON POPS ORCHESTRA . Eileen compuso musica para Back to Titanic, que incluía música original compuesta para “Titanic”, nuevas versiones y composiciones basadas en temas de la película. A este disco le siguió Crossing the Bridge, su ultimo trabajo hasta la fecha. En este trabajo fusiona melodías tradicionales con composiciones propias y cuenta con las colaboraciones de JOHN DOYLE and SEAMUS EGAN de "SOLÁS" , BAKITHI KUMALO (que ya colaboró en el disco Graceland de PAUL SIMON ), JOANIE MADDEN de Cherish The Ladies, y los músicos de jazz EDDIE GÓMEZ y RANDY BRECKER.
Fuente: pserrano.com
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KATHRYN TICKELL Violín, Gaita





KATHRYN TICKELL nació en 1967. Sus raices están con seguridad en el valle de North Tyne, en Northumberland, donde muchos de sus familiares todavía hoy siguen tocando música tradicional.
KATHRYN ha estado siempre rodeada por la música y toca el piano desde los seis años. Comenzó a tocar la gaita pequeña de Northumbrian con sólo nueve años y para los trece ya había ganado una competición de gaita tradicional en el festival Border, y un montón de competiciones de violín. En 1980 aprendió a tocar el violín de Shetland con el excelente intérprete y profesor TOM ANDERSON . Poco después, fue invitada a participar en el Festival de Folk de Shetland en 1981, donde tuvo tanto éxito que fue invitada a volver al año siguiente.

En 1983, fue invitada al Festival Internacional de Edimburgo, el primer año que este famoso festival incluyó música tradicional inglesa en su programación. En 1984 grabó su primer disco, On Kielderside. En 1985, ya como profesional, comenzó a trabajar sin descanso, tocando por todo Inglaterra, así como grabando un disco de música de Northumbria, From Sewingshields to Glendale, con ALISTAIR ANDERSON y otros respetados músicos como JOE HUTTON , WILLY TAYLOR y WILL ATKINSON .
En 1986 grabó su segundo disco en solitario, Borderlands, con la discográfica Black Crow Records apareciendo en el número 30 de la lista del Folk Roots durante casi un año. KATHRYN también apareció en una recopilación llamada Square Roots, tocando con RORY McLEOD , y colaborando en grabaciones para varios artistas en diferentes discos. Durante el verano del 87 grabó un documental de 60 minutos, The Long Tradition, para la cadena de televisión inglesa Channel Four.

El tercer disco de Kathryn , "Common Ground", contó con la colaboración de dos de los músicos más respetados de Inglaterra,DANNY THOMPSON al contrabajo, y CHRIS NEWMAN a la guitarra. Este disco fue elegido por la revista de música Q , uno de los "Discos del Año". KATHRYN también fue elegida "Top Instrumentalist" en la encuesta del Folk Roots de 1988.

En 1990 se formo la KATHRYN TICKELL BAND . Durante los años siguientes, ha estado poniendo toda su energía en este proyecto y ha grabado THE KATHRYN TICKELL BAND Y SIGNS . Además las extensas giras les han llevado por todo el mundo. Sin embargo, aun encuentra tiempo para seguir componiendo para producciones de teatro de la Live Theatre Company de Newcastle, para una serie de programas para Radio 2, para grabar con la PINGÜIN CAFE ORCHESTRA y con THE CHIEFTAINS . Durante este tiempo, también ha colaborado con STING, y ha tocado con él en el Newcastle City Hall.

En marzo de 1997 el sexto álbum de KATHRYN , "The Gathering" salió a la calle recibiendo unas críticas impresionantes. Así mismo, las presentaciones en directo incluyeron su aparición en el programa de televisión Later with Jools Holland y en el programa de radio de ANDY KERSHAW en Radio 1. En mayo, STING, JIMMY NAIL y KATHRYN tocaron juntos en el Carnegie Hall, New York, interpretando "The Waters of the Tyne" durante un concierto en beneficio de la fundación Rainforest. La canción fue además grabada para incluirla en el CD Carnival.

Desde entonces, KATHRYN ha colaborado con el saxofonista JOHN SURMAN , con quien toco en el Stockton Riverside Festival. Ha seguido presentado programas para la Radio 2, que han descubierto a muchos jóvenes músicos por todo Inglaterra.

En febrero de 1997 KATHRYN creo la fundación YOUNG MUSICIANS FUND. Dirigida por la The Community Foundation, esta fundacion tiene como propósito ayudar a jóvenes de la zona noreste a desarrollar su potencial musical.

En 1998 KATHRYN edito The Northumberland Collection, un álbum que incluya colaboraciones de músicos y cantantes de la zona. Se convirtió en la Composer in Education de Gateshead, trabajando en tres escuelas primarias y en la Gateshead Youth Orchestra. En 1999 KATHRYN editó su octavo disco, "Debateable Lands". En agosto de 1999 Kathryn recibió una beca de la Britten-Pears Foundation para estudiar composición con JUDITH WEIR en la Dartington International Summer School. También volvió a presentar una serie de programas de televisión acerca de la composición para el canal escolar Channel 4 Schools.

2000 fue otro año excitante, con la grabación, emisión y presentaciones en directo de Lordenshaws, una pieza compuesta por Kathryn para formación de gaitas.

Su mayor proyecto en el 2000 fue el Ensemble Mystical, un nuevo grupo creado por Kathryn que incluía músicos de jazz, clásica y folk. Con este grupo ha grabado un disco y han tocado en directo durante la parte final del año.

Discografía
On Kielderside (1984)
Borderlands (1988)
Common Grounds (1988)
Kathryn Tickell Band (1991)
Signs (1993)
The Gathering (1997)
The Northumberland Collection (1998)
Fuente: Pserrano.com

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ANOUSHKA SHANKAR Sitar



ANOUSHKA SHANKAR es hija del legendario maestro del laúd RAVI SHANKAR maestro sitarista de la India, quien a su vez fue discípulo de BABA ALLAUDIN KHAN fundador del "Maihar gharana" de música hindú clásica.
Nacida en Londres, de padre hindú con nombre ruso y hermana de NORAH JONES la pianista y cantante de Jazz.

Su padre tenía 61 años cuando ella vino al mundo. Desde los nueve estudió con él.
RAVI SHANKAR encargó una cítara pequeña para su hija NORAH , que tenía entonces cinco años. Pero distintos acontecimientos familiares hicieron que ésta terminara en manos de su hija menor, ANOUSHKA, producto de una relación posterior.

Anoushka es la única estudiante que ha aprendido con Ravi Shankar desde el comienzo.
Estudiante también de piano clásico, Anoushka ha desarrollado su propio sonido siguiendo los pasos de su maestro. En marzo de 1997 le acompaño durante la interpretación de su Concerto No 1 para Sitar y Orquesta con la London Symphony Orchestra dirigida por ZUBIN MEHTA en la celebración del 50 aniversario del día de la Independencia en India. En enero de 1998 Anoushka ofreció un concierto junto a JEAN_PIERRE RAMPAL , tocando tanto el piano como el sitar. Los críticos de todo el mundo han reconocido el talento de esta artista y la han denominado ya sucesora de la gran tradición de su padre.

Ha llegado a ser la primera mujer intérprete en el Centro Ramakrishna, de Calcuta, la primera mujer hindú intérprete en las ceremonias de entrega de los premios Grammy, y la primera mujer en recibir el Escudo de la Casa de los Comunes (Gran Bretaña, 1998). Su álbum "Rise" fue nominado para un premio Grammy.
En julio 1999 ofreció en concierto una pieza compuesta por su padre para chelo y sitar, junto a Mstislav Rostropovich en el Evian Festival

con su sitar ha acompañado a leyendas del pop como GEORGE HARRISON y STING con el cual grabó el tema "The book of my life".
Sus interpretaciones en solitario le han llevado a Italia, España y Estados Unidos, incluyendo un concierto en el conocido Central Park de Nueva York, Toronto, Ravinia Festival y Chicago.

En 1999 publicó su primer disco titulado "ANOUSHKA". Hasta el momento lleva 4 discos publicados. Su último disco lo publicó en el 2007 y fusiona sonidos clásicos hindúes con música electrónica.

Muchos consideran el sitar como el más complicado de todos los instrumentos. "¡El sitar requiere tanta disciplina!", dice ANOUSHKA riendo. "Al principio es difícil de sostener y los dedos se cortan con las cuerdas hasta que se te hacen callos. Y no suenas bien, mientras que con un piano enseguida puedes sentir que estás tocando algo hermoso". Un instrumento delicado: En el 2005, una compañía aérea destrozó el suyo y el de su padre -no los salvó la etiqueta de "frágil"- durante una escala en París.(Entrevista publicada en elmundo.com)


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TANIA MARIA Piano



TANIA MARIA
Pianista, cantante, compositora y arreglista. Nació en Brasil en 1948. Comenzó a estudiar piano a los 7 años animada por su padre, músico amateur. Consiguió a sus 13 años de edad un primer premio en una competición regional de su país natal, como líder del grupo fundado por su padre y fue contratada para numerosas actuaciones en clubes y en la radio.
TANIA absorbe las melodías y ritmos de la samba, el jazz, la música pop y el corazón brasileño.

Inspirada tempranamente por el arte de OSCAR PETERSON , BILL EVANS, LUIZ EZCA, SARAH VAUGHAM , TOM JOBIN Y MILTON NASCIMENTO desarrolló su propio estilo al piano sintetizando todo lo que había aprendido.
A los veinte años publicó su primer álbum, PIQUANT , que obtuvo la prestigiosa Pluma de Oro de los premios Leonard Feather. En 1969 ya mostraba sobre el escenario su predilección por una mezcla de ritmos brasileños, de jazz y de una sofisticación melódica. Sus rápidas vocales en los arreglos que fusionan los ritmos brasileños y caribeños con improvisadas expresiones son el corazón del jazz americano.

Trabajó con la pareja formada por Boto y Helio Delmiro y con el contrabajista danés Nils-Henning Orsted-Pederson, con quienes grabó, respectivamente, los álbumes: Tania Maria, Boto & Helio en 1979 y Tania Maria/ N.H.O.P en 1980. Después de 36 años de carrera y 25 álbumes, entre ellos Come with me y Made in New York, éste último editado en 1985 y con el que obtuvo un Grammy a la mejor voz de jazz del año, Tania María se ha impuesto como una de los referentes de la escena musical brasileña. Ha llevado su excepcional talento como pianista y cantante a todos los rincones del mundo.
Ha residido en Nueva York. Ha participado en festivales de jazz por todo el mundo recibiendo numerosos premios . Actualmente vive en Francia, continúa grabando y haciendo giras con su nuevo y dinámico grupo poniendo en pie al público en todas sus actuaciones.
En 2005 grabó INTIMIDADE, un cuidado trabajo, en el que participaron el maestro del bajo EDDIE GÓMEZ y el percusionista CARNEIRO .
Fuente: jazz59.com
canarias7.es
Más información www.taniamaria.net

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MESHEL NDEGEOCELLO Bajo





NDEGEOCELLO significa en idioma Swahili "libre como un pájaro".

Michelle Lynn Johnson es su verdadero nombre. Nació el 29 de Agosto de 1968 en Alemania Y ES hija de un militar alemán que tocaba el Saxofón .

Cuando era muy pequeña su familia emigró a Virginia (Estados Unidos). Pronto sintió interés por la música empezando a estudiar Piano, guitarra y canto.


Estudió en Duke Ellington School of the Arts y en la Oxon Hill High School destacando por su facilidad para tocar cualquier instrumento , pero se inclinó por el bajo. Se mueve en estilos como el funk, soul, jazz, blues, reggae, etc... En sus discos tiende a hacer música experimental con influencias de todo lo citado anteriormente y fusionándolo con ritmos y sonidos africanos y tribales.

En 1992 hizo un casting para ser bajista de la banda neoyorquina LIVING COLOURS. Esta banda la formó el guitarrista VERMON REID y obtuvieron un Grammy en el 89, sin embargo tuvieron poca vista con MESHELL y la rechazaron.
Ha acompañado en giras y grabaciones a artistas como DAVID BOWIE, THE ROLLING STONES, ALANIS MORRISETTE, HERBIE HANCOCK, PRINCE, INDIGO GIRLS, MARCUS MILLER, CHAKA KHAN, VANESA WILLIAMS, MADONNA, LENNY KRAVITZ, SANTANA, GOV'T MULE, etc...

Tiene 8 discos publicados hasta el momento. El primero lo grabó en 1993 con el título "Plantation Lullabies". A los 3 años publicó "Peace Beyond Passion " (1996).
Luego siguió "Bitter" (1999), "The Anthropological Mixtape "(2002), "Comfort Woman "(2003).
En el 2005 lanza un nuevo disco bastante diferente a los anteriores "The Spirit Music Jamia: Dance of the Infidel". The Spirit Music Jamia es el nombre con el cual llamó a su agrupación y hace referencia a una confluencia de pensamientos e ideas de un mismo sentir. En este disco sólo toca el bajo, no canta, participando en él artistas como JACK DE JOHNETTE, JOSHUA REDMAN, KENNY GARRET, CASANDRA WILSON, etc..

Fué lanzado al mercado con dos portadas diferentes. Una con letras arábes en color naranja sobre fondo blanco y otro con una mariposa en la portada, para que el impacto fuera más suave.
>Al año siguiente volvió a publicar otro disco , esta vez de nuevo con su nombre , y éste disco se llama "The Article 3" (2006)

The World Has Made Me the Man of My Dreams (2007), es su último trabajo.
Es bisexual y ha estado unida sentimentalmente durante mucho tiempo a la escritora feminista Rebeca Walker . Tiene ataques epilépticos y es sensible al flash de las cámaras fotográficas, por lo que en sus conciertos no permite (o lo intenta)que le fotografíen con flash. En la gran mayoría de los conciertos toca con gafas de sol.

Ha ganado nueve GRAMMYS y ha participado en numerosas bandas sonoras como BATMAN Y ROBIN.
Es interesante su página web. Al pinchar hay dos secciones : PASS y FUTURE . Sin embargo en "PASS" no permite entrar. Está muy gracioso. www.meshell.com

Fuente: wikipedia y otros


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martes, 8 de julio de 2008

MEMPHIS MINNIE Guitarra



Popular y respetada guitarrista y excelente cantante. Proclamada como una de las mejores guitarristas por Big Hill Broonzy y Tampa Red.
Pionera entre pioneras. Una de las primeras mujeres que le echó valor y se lanzó a tocar la guitarra y a cantar fuera de los lugares que hasta entonces habían estado "reservados" para ellas: los puticlubs y similares.
Hija de granjeros, nacida en Louisiana. La mayor de 13 hermanos!!
La vida en la granja no era lo que más le motivaba, así que cuando tuvo su primera guitarra empezó a dedicarse a tocar en una calle de Memphis (Calle Beale), vamos que si pilla el metro de Madrid la arma.
Memphis era una ciudad algo "oscura", plagada de delincuentes y donde el crímen estaba a la orden del día, así que imaginarse a una mujer en medio de esa actividad da como escalofríos. Evidentemente todo esto la convirtió en una mujer con mucho caracter, muy dura, durísima. Bebedora y jugadora ¡¡como un paisano!! algo peligrosa y con mucha mala leche.

Rompió estereotipos viajando por su cuenta o en compañía de otros guitarristas.
Prolífica artista, tuvo una larga carrera musical. Grabó discos durante cuatro décadas para Columbia, Vocalion, Bluebird, Okeh, Regal, Checker, y JOB.

Compartía escenario con diversos ‘guitarristas-maridos musicales’ como Casey Bill Weldon, Joe McCoy y Ernest Lawlars. Realizando espectáculos basados en la música popular afro americana, espirituales sazonados con diálogos cómicos y antiguas piezas de baile.
Recibió reconocimiento en la edición de los W.C. Handy de 1980, fue elegida la mejor vocalista de Blues por la Blues Unlimited y sigue siendo una de las más destacadas artistas de Blues de todos los tiempos.

Enfermó del corazón y tras la muerte de su hermana, con la que pasó parte del final de su vida fue ingresada en un asilo. Pero sus fans jamás la abandonaron. Se hizo popular y muy querida así que me gusta pensar que esta blueswoman no acabó sus días sola. Tenía a toda una legión de aficionados que supieron valorar su trabajo de años, más de 180 grabaciones y su huella en muchos artistas. Grande entre las grandes. Personalmente me gusta imaginarla como una mujer con caracter, con tanto caracter como corazón. Humilde pero... sin permitir que le tocaran lo que no debían.

Fuente: tabernablues.com

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ANDREA ALVAREZ Batería



ANDREA ALVAREZ Batería profesional nacida en Argentina .
Fue la primer percusionista y baterista mujer -casi la única a la fecha que participó con gran continuidad y protagonismo en el rock nacional.
Y por haber integrado la primer banda de mujeres de rock junto a Maria Gabriela Epumer y Claudia Sinesi (Rouge) y el primer gran éxito de una formación de ese género, Viuda e Hijas.

Fue protagonista como música profesional de eventos multitudinarios con artistas de envergadura en escenarios nacionales e internacionales.
Basta examinar su trayectoria para encontrarse con todos los artistas que la invitaron para enriquecer su música y formar parte de sus proyectos en vivo y en grabaciones, lista que muestra, asimismo, su gran ductilidad ya que se trata de artistas muy diferentes entre sí. Citamos algunos:
Daniel Volpini, Viuda e Hijas, Celeste Carballo, Los Guarros, David Lebón, Juan Carlos Baglietto, Rubén Goldín, Alejandro Lerner, Soda Stereo, Divididos, Celia Cruz, Tito Puente, Alex Acuña, Los Rodríguez, Charly García, Los Siete Delfines, Memphis La Blusera, Los Brujos, Ulises Butrón, Patricia Sosa, Attaque 77, Los Tipitos, Carajo, entre otros.

Más adelante vuelca sus conocimientos a la enseñanza, a través de cursos, clases y clínicas para los productos que representa (Latin Percusion, Paiste y Evans), tarea que continúa actualmente.

La maternidad la mantendría alejada un par de años de los escenarios, por propia decisión y sólo dedicada a la docencia, pausa que interrumpe para participar en el concierto despedida de Soda Stereo en River en 1997.

Tras elaborar y madurar una creación personal, Andrea decide que 1999 es el año para volver a los escenarios, con un proyecto propio fuerte y vital, y aportando la energía femenina por excelencia en la percusión. En este mapa se anima a abarcar todo el universo creativo desde la composición al canto y la ejecución hasta la dirección de las cuatro interpretes mujeres que ella también ha entrenado. Funda Pulsomadre, grupo en el que dirige a cuatro percusionistas femeninas y un tecladista, y con el que se presenta tocando sus propias canciones. Realiza un video en forma independiente del tema 40 minutos, dirigido por Elian Galiese.

ANDREA ÁLVAREZ SOLISTA
A partir del año 2000 -y en compañía del joven productor Emilio Haro- empieza a dar forma a lo que será su primer disco: un viaje por el universo de la sensibilidad, la intuición y la sensualidad femenina, tomando las raíces étnicas y rústicas que presentan los instrumentos de percusión para fusionarlos con la electrónica del futuro. El material se encuentra editado por DBN y cuenta con la participación de Gustavo Cerati, Erica García y Zeta Bosio, entre otros. Andrea se encarga de la dirección, los arreglos de percusión y las voces, además de la composición de los temas. Emilio Haro es el encargado de la producción, ejecución de teclados y composiciones armónicas.

En el año 2003, y después de haber presentado su primer disco junto a Pablo Paz y Enrique Casal, decide grabar un EP con dos temas y sus respectivos videos (uno de ellos es una versión de Entre Caníbales de Soda Stereo). El disco, también producido junto a Emilio Haro, es editado y distribuido por Pop Art.

Ese mismo año, Andrea define el rumbo musical con un nuevo trío: Mauro Quintero en guitarra, Franco Fontanarrosa en bajo y ella en batería, percusiones y voz. Con este grupo se encuentra componiendo temas de lo que será su próximo disco.

DORMIS?

A partir de esta nueva formación Andrea encuentra un sonido que la impulsa a componer.

Nacen asi los temas de” Dormis?”su nuevo disco que la confirma como compositora y cantante.

Nuevamente en compania de Emilio Haro en la producción pero ya con la participación de Mauro , Franco en los arreglos y Ella misma en la direccion general del proyecto graban el nuevo disco junto al tecnico Hernan Agrasar, quien junto a Andrea tambien se encarga de las mezclas.

El disco es masterizado por Eduardo Bergallo en Mr Master..

2006 es el año del lanzamiento de” Dormis?” editado por Pirca Records y distribuido por Universal Music.

Además de dedicarse a la docencia, a partir del 2004, Andrea incursiona en la música electrónica, tocando junto DJ Buey, DJ Ale Lacroix y DJ Mosca, en sus diferentes sets. Y como siempre, colaborando en distintos proyectos musicales como sesionista en percusión y canto: Patricia Sosa, Nativo, Attaque 77, entre otros.

ESTUDIOS
Nueva escuela de Música (Norman Monk)
Conservatorio Julián Aguirre
Universidad de Bellas Artes de La Plata (composition, 1 year)

Batería: Lito Vitale, Horacio Gianello, Fernando Martinez, Kenwood Dennard

Percusión: Frank Malabe, Johny Almendra, Pocho Porteño, Bam Bam Miranda, Madeleine Yayodele Nelson

Canto: Lucy Saborido, Liliana Vitale, Any Grunwalt, Laura Hatton, Iris Guiñazú, Esteban Sielick

Mas información andreaalvarez.com


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CAROLINE LAVELLE Violoncello



CAROLINE LAVELLE es una cantautora y chelista inglesa que ha hecho hasta el momento tres álbumes, y ha colaborado con una gran cantidad de artistas, tocando el violonchelo o cantando para ellos.

LAVELLE siempre tuvo influencia musical de su familia, especialmente de su abuelo, director de orquesta. Empezó a tocar el chelo a los 6 años y estudió en el Royal College Of Music (de Londres ). A los 15 años comenzó su carrera en un grupo llamado Humoresque. Poco a poco fue conociendo a otros artistas hasta que poco después se se unió al grupo De Dannan, apoyada por FRANKIE GAVIN . En esta etapa Lavelle no había pensado en hacer carrera de cantante en solitario, se consideraba chelista sola. En esta etapa Lavelle tocó con personas tan importantes en el mundo celta como Mary Black , Dolores Keane y muchos otros.
En 1992 , Lavelle demostró su especial voz interpretando Home On The Whale con MASSIVE ATTACK que apareció en un EP, y posteriormente en una recopilación, Singles 1990-2000. Al escuchar esta canción, el productorWILLIAM ORBIT (productor de MADONNA , entre otros), le gustó tanto que pronto se puso en contacto con ella para producirle su primer disco, Spirit, aparecido en 1995 , con el single Moorlough Shore a la cabeza. Incomprensiblemente, en ese momento fue comparada con ENYA , debido a la canción Turning Ground, con un estilo new age. Pero salvo esa canción, el disco tenía un estilo mezcla de pop rock , medio tiempo, con toques folk. Ese mismo año Lavelle colaboró por primera vez con LORENA MCKENNIT , en su discoA Winter Garden, lo que sería el principio de una fructuosa relación, colaborando en todos sus discos y giras posteriores. Ese mismo año, Lavelle colaboró con VANGELIS , en su disco Voices, con la canción Come To Me, compuesta por ella. En 1996 Lavelle participó con NIGEL KENNEDY en su disco Kafka, y con RADIOHEAD . En 1998 MADONNA y el antiguo productor de Lavelle, WILLIAM ORBIT , publicaron Ray Of Light, con el single Frozen, con un videoclip muy infuenciado por el hecho con Lavelle, tal y como lo recoge el periódico The Sunday Times de Inglaterra.
Continuando con sus colaboraciones, Lavelle participa en The Book Of Secrets y Live In Paris And Toronto de LOREENA MCKENNIT EN 1997 Y 1998 respectivamente, y con Hector Zazou. Ya en 2001 colabora con MUSE y lanza Brilliant Midnight, un disco de rock pop adulto, compuesto y producido por ella, siendo muy aclamado por la crítica. En 2002 , al cerrar la filial de la compañía que llevaba el disco, Lavelle compró la compañía Ringing Tree Records, relanzando el disco con tres nuevas canciones, llamándolo Brilliant Midnight 2.0. En 2003 hizo una gira con los CHIEFTAINS , llevandola a España, Francia e Irlanda. También en 2003 colaboró otra vez con HECTOR ZAZOU , Further Down the Old Plank Road de los CHIEFTAINS y BT , en Emotional Technology.
En 2004 edita su tercer disco, A Distant Bell, un disco mucho más folk que los anteriores, más clásico y pausado, con toques celtas. En este disco colaboraron entre otros, HUGH MARSH Y PADDY MOLONEY siendo producido por ella y HARVEY BROUGH . En 2005 colabora con NICOLA HITCHCOCK y en 2006 contribuye en el disco Dawnseeker de SLEEPTHIEF , en la canción Nightjar, una balada oscura donde muestra el camino que quiere llevar en su nuevo disco, provisionalmente llamado Invisible Woman, y que previsiblemente salga en verano de 2008.


Fuente : wikipedia

CARLINE RAY Contrabajo,piano guitarra




CARLINE RAY cantante, contrabajista, pianista , guitarrista y arreglista ha compartido escenario con músicos como WINTON MARSALIS , MARY LOU WILLIAMS, MELBA LISTON, RUTH BROWN, CARRIE SMITH Y SANDRA REAVES-PHILIPS.
N ació el 21 de abril de 1925 en la ciudad de Nueva York. Formó el grupo "Foundations" (Cimientos) el cuál se fundó en enero de 1967 en el sótano de un café en Bayswater, con músicos reclutados a través de avisos en la revista Melody Maker.

. La primera educación musical de CARLINE fue de su padre, un graduado del famoso conservatorio Juilliard de Nueva York que tocaba tuba y contrabajo. Más tarde ella se graduó como Bachelor of Science en la misma institución (estudió piano composición) y obtuvo su título de Master (vocal) en la Escuela de Música de Manhattan.


Su carrera profesional comenzó como guitarrista acompañante y vocalista con el grupo "International Sweethearts of Rhythm". Después de los "Sweethearts" se convirtió en vocalista de la orquesta de ERSKINE HAWKINS . Sus experiencias vocales son amplias y diversas. En el campo de la música Pop/Jazz trabajó como cantante de apoyo de estrellas como Patti Page, Sylvia Syms, Della Reese y las hermanas McGuire, entre otras. En música clásica, además de su trabajo como solista, también ha trabajado con grupos como "The Camarata Singers", la "Schola Cantorum" y la American Opera Society".

En 1956 CARLINE se enamoró del bajo eléctrico Fender y aprendió sola a tocar este instrumento. Desde entonces ha tocado con grupos de todo tamaño, desde la "big band" de Duke Ellington a pequeños combos dirigidos por Mary Lou Williams.
Se casó con "el padre del Jazz Panameño" LOUIS RUSSELL el cual llegó a ser director de la banda de LOUIS ARMSTRONG. Tienen una hija que ha seguido su tradición en el mundo de la música y hoy en día comparte escenarios con los mejores de la música de Jazz . Ella es CATHERINE RUSSELL.
Durante los últimos años CARLINE RAY tenía su agenda completa como profesora de música en varias escuelas y universidades de la región New York-New Jersey.

Murió el 17 de Noviembre de 2005 a los 80 años de edad.
Fuente : geocities.com

viernes, 4 de julio de 2008

FANNY MENDELSSHON Piano




Fanny Cäcilie Mendelssohn (Hamburgo, 14 de noviembre de 1805 - Berlín, 14 de mayo de 1847) posteriormente llamada Fanny Hensel, fue una compositora y pianista hermana de FELIX y nieta del filósofo MOSES MENDELSSHON , de origen judeoalemán .


Nace en Hamburgo, en el seno de una familia acomodada. Su padre, ABRAHAM MENDELSSHON , era un banquero y filántropo berlinés, por lo que FANNY gozó de excelente educación y la misma que su hermano. Desde pequeña se perfiló como prodigio musical, razón por la que su educación fue dirigida en torno a la composición. El entorno musical de la joven incluía personalidades como IGNAZ MOSCHELES, SIR GEORGE SMART y quien fue su docente, CARL FRIEDRICH ZELTER .
El contexto social, machista , de la época, no le permitió alcanzar mayor fama. En 1829 contrae matrimonio con el pintor WILHELM HENSEL . Su debut público es en 1838, cuando interpreta el Concierto No. 1 para piano de su hermano. Muere en Berlín en 1847 a causa de un infarto cerebral.

El los últimos años, su música se ha convertido en parte del repertorio habitual gracias a numerosas interpretaciones y grabaciones por parte de los sellos Hyperion y CPO . Su reputación ha sido redimida por asociaciones que buscan reivindicar el papel de la mujer en la creación musical.

En total compuso 466 piezas musicales. Sus composiciones incluyen un trío con piano y una cuantiosa cantidad de libros con piezas para piano y canciones . Un número de sus canciones fueron originalmente publicadas bajo el nombre de su hermano en sus opus ocho y nueve. Su canción "Italia", era la preferida de la reina Victoria , que pensaba que había sido compuesta por FELIX. Muchas de sus piezas para piano, al igual que las de Félix, adoptan la forma de "Canción sin palabras". En cierta forma fue una predecesora del género.


Su hijo, SEBASTIAN HENSEL , editó la correspondencia familiar bajo el título de "La Familia Mendelssohn 1729-1847", la que permanece siendo una importante fuente de información sobre Funny, Félix y otros integrantes de dicha familia.
El libro de R. Larry Todd's "Mendelssohn - Una vida en la Música" (Oxford 2003) es el documento más reciente sobre la vida de FÉLIX y contiene considerable información sobre FANNY.

Fuente: wikipedia.com

GUILHERMINA SUGGIA Violoncello




GUILHERMINA SUGGIA llamada por los críticos de la primera mitad del siglo XX La Reina de los Cellistas, La Maga del Violoncelo, La Divina Suggía, La Princesa del chello, GUILHERMINA SUGGIA fue una violoncelista portuguesa, esposa de PABLO CASALS a lo largo de siete anos sin firmar en el Registro Civil, que revolucionó ese instrumento en técnica, posición y sonoridad. Hasta el 31 de diciembre de 2006 una exposición de la Câmara Oficial de Oporto en esa ciudad brinda la oportunidad de conocer la vida y la obra de una concertista sobresaliente y casi desconocida en la actualidad que abrió a las mujeres las puertas profesionales del violoncelo, un instrumento que históricamente se les había resistido.


La potencia creativa de esta intérprete que completaba su talento musical con una personalidad arrasadora le permitió llevar adelante un liderazgo que facilitó a las féminas esa opción instrumental. Si para un hombre manejar la envergadura del chello supone un considerable gasto de energia jalonado de lesiones, qué decir del esfuerzo necesario en una mujer, a quien por añadidura las buenas maneras de antaño obligaban a colocar el instrumento por delante de sus rodillas juntas o a un lado del cuerpo forzando el torso de la concertista a un retorcimiento físico doblemente agotador que sus colegas masculinos. De ahí que al referirse a las pocas ejecutantes anteriores a Guillermina, incluída LISA CHRISTIANI , la más conocida, a quien FELIX MENDELSSHON dedicó su composición Canciones sin palabras, se acostumbra a comentar de todas ellas que tenían «un débil sonido». Aún en 1930 el chello era tenido por un instrumento indecoroso para las mujeres y la Orquesta de la BBC prohibía expresamente en su formación la contratación de violoncelistas femeninas. A este respecto conviene añadir los comentários negativos y a menudo obscenos de algunos maestros intentando apartar a las estudiantes de un camino tenido por inadecuado, como la soez observación que el profesor THOMAS BEECHAM dedicó en tono de burla a la violoncelista BEATRIZ HARRISON , contemporánea de Suggía, cuando era una adolescente:
— Señorita, tiene usted en las piernas algo capaz de dar un gran placer a miles. Y todo lo que hace es sentarse y arañarlo.
Pero llegó Guilhermina Suggía y bajo Ia dirección de su primer maestro de música, su padre, cambió esa tradición ante la curiosidad del ambiente musical. En la fotografia que da fé de su primer concierto público con solo 7 años aparece ya con su pequeño violoncelo, regalo del vizconde Villar d'Allen, bien encajado entre sus rodillas. El Jornal de Notícias do Porto celebraba el estreno de Guillermina como solista calificándola de niña prodígio.

Fuente: suggia.weblog.com

JACQUELINE DU PRE Violoncello



JACQUELINE DU PRE nació en Oxford, Inglaterra, el 26 de enero , 1945, Jacqueline du Pré es reconocida como una de las más grandes concertistas de violonchelo que haya existido. Estuvo tocando hasta su muerte temprana producida por esclerosis múltiple.

DU PRÉ tenía 5 años cuando escuchó el violoncello por primera vez, en la radio. Inició estudios de música con su madre Iris du Pré. Dos años más tarde, empieza a recibir lecciones en Londres, compitiendo musicalmente con su hermana. A los diez años gana un premio en una competición internacional, y a los doce realiza su primer concierto en la BBC de Londres.

Estudia con WILLIAM PLEETH en la Guildhall School of Music and Drama en Londres, con PAUL TORTELIER en París, y con ROSTROPOVICH en Rusia y con CASALS en Suiza.

En la navidad de 1966, Jaqueline conoce a DANIEL BARENBOIM, un año después se casan. Ella tuvo que convertirse al judaísmo para casarse.

DU PRÉ recibió varios reconocimientos de academias de música así como el grado de Doctor Honoris Causa de varias universidades. En 1960, ganó la medalla de oro de la Guildhall School of Music de Londres y el premio Queen's Prize for British musicians.

En 1973 empieza a tener problemas para interpretar el chelo debido a la pérdida de sensibilidad en sus dedos. Le diagnosticaron esclerosis múltiple, enfermedad que produce un deterioro progresivo del sistema nervioso central. Su muerte se produjo en Londres el 19 de octubre de 1987, a la edad de 42 años. BARENBOIM estaba con ella cuando murió. Dejó su violonchelo Stradivarius a YO YO MA.

Fuente: wikipedia.com

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ALONDRA DE LA PARRA Directora




Si para muchos jóvenes saber a qué se van a dedicar ‘cuando sean grandes’ es todo un dilema, para otros, como Alondra de la Parra, no.
Nunca tuve la duda. Yo sabía que mi sueño era ser músico”. Pero esta no es la típica historia del músico súper dotado que no tiene problemas, “Al contrario, me costaba trabajo pero me encantaba tanto que lo veía como ‘ojalá y un día yo tenga el privilegio de ser músico’. Como que no pensaba que yo pudiera serlo”.
Una estrella de rock, un cantante de boleros, el trompetista de un mariachi, un rapero. Todos ellos son músicos. Cuando la adolescente Alondra pensaba en serlo ¿Exactamente qué tenía en mente? ¿Por qué entró a la Manhattan School of Music (MSM), uno de los conservatorios más prestigiosos? Porque ella quería ser un músico que entendiera todo tipo de música:
Entenderla, crearla, dominar muy bien un instrumento, poder comunicarme con otros músicos con ese lenguaje, poder tener los oídos completamente desarrollados a la música y poder percibir, desarrollar y crear la mayor cantidad posible de música.
“La música clásica me fascinó desde chiquita, pero realmente nunca vi una diferencia muy clara entre clásico y no clásico, yo decía, ‘quiero ser músico y abarcarlo todo’. Después me di cuenta de que estudiar sólo música popular quizá no era suficiente para saciar mi inquietud y dije ‘siempre puedes tocar música popular y apreciarla, siempre puedes ser parte de la música popular, si tienes una buena formación clásica’. Es como el ballet, siempre puedes bailar moderno si tienes buenas bases clásicas
”.
Por esa razón Alondra inició sus estudios en piano y chelo. Después viajó a Inglaterra a estudiar teoría y ejecución musical. A los 13 años comenzó a soñar con ser directora de orquesta. Cuando cumplió 15 ya era Director Asistente de la St. Leonard’s Mayfield School Orchestra. En el 2000 se mudó a Nueva York y, a la par de su grado académico en piano en la MSM, ha estudiado dirección orquestal con Vincent La Selva en la escuela Julliard y con otros maestros.
Su debut al frente de una orquesta profesional fue Junio del 2004 , en el Teatro Colón, dirigiendo a la Filarmónica de Buenos Aires, en Argentina. Un logro que para muchos directores de larga trayectoria sólo llega después de mucho bregar. Aunque el hasta hoy impresionante currículum de Alondra se enumera fácilmente, subir cada peldaño le ha costado bastante.

ALONDRA nació en Nueva York por casualidad, creció en Mexico por lo que se siente Mexicana. Es hija del escritor MANELIK DE LA PARRA y nieta de la escritora YOLANDA VARGAS DULCHE.
Ella misma relata cómo el ambiente familiar, donde el arte siempre ha estado presente, fue decisivo para marcar su destino:
En las reuniones familiares nos sentábamos hasta altas horas de la madrugada alrededor de un piano o una guitarra cantando. Mi papa fue fundamental en mi desarrollo musical, ya que él siempre me impulsaba a cantar a dos voces con mi hermano Manelick, quien de hecho es cantante ahora. Mis tías Lupe y Tere siempre cantaban juntas. Creo que el que me dijeran '¡muy bien!','¡ qué bonito!', '¡sigue!' y el que me hicieran caso cuando quería cantar con ellas me ayudaron muchísimo”, recuerda esta joven de afilada figura y manos finas.

Fue descrita por The New York Sun como “una directora cuyos gestos hablan más que las palabras”.
Alondra de la Parra es fundadora y directora artística de la Orquesta Filarmónica de las Américas, también conocida como Mexican American Simphony Orchestra, cuyo debut fue en noviembre de 2004, en el Town Hall de Nueva York. La misión de esta agrupación es divulgar la música creada en México y Latinoamérica.



Fuente: lideresmexicanos.com
cronicas.com

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jueves, 3 de julio de 2008

REGINA CARTER Violín




Esta virtuosa de Detroit, es una rara avis por partida doble: toca el violín en un estilo musical en el que muy pocos lo hacen y es una mujer en un mundo en el que los instrumentos están reservados para los hombres.

De niña prodigio -se puso ante un piano a los dos años y empuñó su primer violín a los cuatro- a referencia en las agendas de los músicos más prestigiosos y dispares: ha trabajado tanto con la diva del R & B moderno Lauryn Hill como con Aretha Franklin, la lady soul más popular de la historia. «Cuando estaba en el conservatorio comencé a introducir matices de jazz. Entonces, mis profesores me dijeron que estaba loca, que iba a arruinar mi carrera, que no había ningún violinista de jazz, pero naturalmente yo sabía que no era así», recuerda Carter.

Y es que esta estadounidense ha conseguido hacer de la clásica y del jazz, junto con otro muchos retales, una estructura orgánica y un matrimonio simbiótico. «Cuando
uso el violín tengo que tener mucho cuidado con las canciones que elijo. La gente siempre dice que la música tiene que casar con las características del instrumento.El violín se asocia siempre a la clásica, pero yo busco otra cosa.
Por eso tengo que ir con cuidado
», argumenta esta artista, que ha compartido escenario tanto con Dolly Parton como con Herbie Hancock -sorprendentemente
destaca a Billy Joel.

Se atreve con todo tipo de palos. Aborda tanto piezas clásicas de Maurice Ravel y Claude Debussy, como del maestro de las bandas sonoras Ennio Morricone o de Astor Piazzolla, el Duke Ellington argentino que llevó los tangos a un terreno más jazzístico. «La verdad es que este álbum fue un encargo. Cuando me llega un tema, lo escucho meses y meses para encontrar todas las posibilidades. Cuando esa canción me habla realmente, siempre encuentro la forma de adaptarla al proyecto», explica Carter.

A la violinista le ha costado mucho llegar al estatus del que ahora disfruta. De hecho, se ganó el respeto en los a menudo herméticos círculos de jazz gracias a un espectáculo sobre la esclavitud firmado por el renombrado y polémico Wynton
Marsalis, con el que comparte la reverencia hacia el funk -de hecho ella ha bebido de fuentes marcianas como las de Parliament y de otras más pop como la escudería de Motown. «Fue un largo tour y yo sólo tocaba durante una tercera parte
del espectáculo, pero me abrió muchas puertas. Es muy difícil salir adelante en el jazz siendo una mujer porque estás siempre en la carretera, de gira. Las cantantes de pop o las de la época dorada del nothern soul ganaban tanto dinero que podían incluso alquilar un bus para su familia. Todo es más difícil para la gente del jazz».



Fuente : www.zonadejazz.com">

MARCIA BALL Pianista



MARCIA BALL nació en el año 1950.Viene de una familia de pianistas y ha sido criada bajo el sol de Luisiana y la música de Fats Domino, y se mueve en estilos como el Swamp Blues, Louisiana Blues, Electric Texas Blues, Piano Blues, Modern Electric Blues.

Pianista, compositora y cantante. Nacida en Orange, Texas. Inspirada por las canciones que escuchaba en la radio comienza a interesarse por el Blues.
A los cinco años comienza a estudiar piano con la ayuda de su abuela y su tía y más tarde con una profesora.
Marcia Ball se mueve dentro del Boggie Woogie, con mezclas de Zydeco y Swamp Rock, a pesar de haber tenido ciertas experiencias musicales bien distintas en la universidad.
Conocido su trabajo con Angela Strehli y Lou ann Barton en ‘Antone’s Dreams Come True’ o posteriormente con Irma Thomas y Tracy Nelson con las que fue nominada por partida doble a los Grammy y a los W.C.Handy al mejor álbum de Blues contemporáneo.
Actualmente Marcia Ball es artista habitual en los clubes de Nueva Orleans y Austin y continúa tocando en festivales de Estados Unidos, Canadá y Europa.

Fuente: divasdelblues.com



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miércoles, 2 de julio de 2008

ELISA HALL Saxofón



Hablando de mujeres saxofonistas, quizás ELISA HALL debería ser la primera que habría que nombrar ya que fue la primera mujer que destacó como intérprete y editó obras para saxofón.

La afeccion pulmonar que padecia la señora ELISA HALL la llevo a iniciarse en el saxofón , empleo su fortuna en fundar el orchestral club de Boston , despues encargó a compositores como C.Loeffler, G.Longy, P.Gilson, C.Debussy, A.Caplet, V.D´Indy...etc obras para saxofón y orquesta en las que ella actuaba como solísta, en total fueron 22 las partituras compuestas entre 1900 y 1918. Esta nueva vision del instrumento como solísta frente a la orquesta fue realmente innovadora.

El Saxofonista ARNO BORNKAMP ha editado un disco con el título de "THE ELISA HALL COLLECTION" para saxofón y orquesta basada en la música de principios del siglo XX con las obras de ELISA HALL.

Fuente : adolpheSax.com

ISOLINA CARRILLO Pianista



ISOLINA CARRILLO (La Habana, 9 de diciembre de 1907 - 21 de febrero de 1996)
Con apenas 10 años Isolina Carrillo entró en al mundo de la música, sustituyendo al piano a un miembro de la orquesta de su padre. Había nacido en La Habana, en 1907, cuando la música más escuchada era el danzón y creció en un ambiente humilde pero propicio al gusto musical. El padre tonaba el laúd, el tres o los cueros, un hermano era flautista y otro baterista.

Isolina estudio en el Conservatorio Municipal de La Habana con notas de sobresaliente, y como premio, llegó a dirigir la orquesta de la institución.

Melodía y versatilidad caracterizaron su unión con la música. Fundó y tocó la trompeta con Las TROVADORAS DE CAYO HUESO (uno de los primeros septetos femeninos de la isla), y también el piano con el Conjunto de Guyún. Cantó con el Conjunto Vocal Siboney. Creó una orquesta gigante de danzones para la emisora radial RHC Cadena Azul, donde también atendió la dirección musical. Con su esposo Guillermo Arronte, conformó un cuarteto con el que viajó por toda Sudamérica.

En la década del 40 surgieron las primeras composiciones musicales, hasta llegar a más de doscientas, aunque solo fueran registradas cerca de ochenta, entre boleros, montunos, guarachas y hasta canciones líricas.

Las creaciones más conocidas de ISOLINA fueron, entre otras, MIEDO DE TI, galardonada como la mejor composición de 1948, SOY TU DESTINO, CANCIÓN SIN AMOR, VIVIRÉ PARA AMARTE , FIESTA DE BESOS, INCREÍBLE, SOMBRA QUE BESA -con textos de Rosendo Ruiz, hijo- y la más difundida: DOS GARDENIAS , registrada el 23 de abril de 1947, de la cual su autora confesó en una ocasión: "Dos Gardenias con sus incontables grabaciones y versiones, es algo más que un éxito comercial o de popularidad. Es un pedazo de mi vida"

Dos Gardenias se convirtió en una especie de himno en muchos países, especialmente en España y México, donde alcanzó el Premio Ariel, en 1952, por mantenerse durante dos años, en el primer lugar de preferencia.

Muchos se preguntan por qué una canción puede mantenerse en el gusto popular durante tantos años. En el caso de Dos Gardenias, como afirman críticos literarios, su texto no posee alto vuelo poético. No cabe duda, entonces, que la permanencia de esa canción, descansa en su melodía.

El puertorriqueño Daniel Santos fue quien primero grabó y popularizó Dos Gardenias, con la orquestación de Pérez Prado, que agregó a la edición el piano acústico, trabajo novedoso para la época. Otras figuras hicieron suya la composición, Pedro Vargas Toña la Negra y Nat King Cole.

En el plano nacional son muy apreciadas las versiones de Dos Gardenias de Vicentino Valdés, Elena Burke, Fernando Álvarez, Alberto Ruiz, Roberto Sánchez y Antonio Machín, que poco antes de morir la colocó entre los primeros lugares en España.

Le gustaba relatar a Isolina que cuando tenía nueve años su padre la sentó frente al piano de un cine y desde entonces su vida fue sólo la música. Cuando terminó sus estudios de piano volvió al cine para tocar danzones antes de comenzar la película siguiente; después improvisaba al teclado según se desarrollaba la trama. "Recuerdo que en ese tiempo en la mayoría de las casas había un piano", declaró mucho después. "Donde no hubiera o no tocaran un piano era una casa vacía, mustia". Y agregó: "Había cierto prejuicio entre los pobres con los varones y el estudio del piano. Entonces no había televisión; había tertulias en las casas
Falleció el 21 de Febrero de 1996 a los 89 años de edad y aún activa en la música.

Fuente: www.soycubano.com
cajademusica.blogspot.com
Un video de youtube con un tema de ISOLINA CARRILLO titulado "Miedo de tí" , interpretado por RAMON PALACIOS CHENIQUE.




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PATRICIA BARBER Pianista



PATRICIA BARBER (Chicago, 1956) es una cantante, pianista y compositora estadounidense de jazz. Se trata de una de las voces jazzísticas más aclamadas por la crítica desde finales del siglo XX.

El estilo de Patricia Barber se aleja de la corriente convencional de aproximación entre jazz y pop (aunque gusta de adaptar al jazz composiciones del pop), y apuesta por el riesgo y la innovación a través de la improvisación y de la elaboración de su propio material. Su característica más definitoria es su voz: oscura, grave, y cercana a la de un alto. Su música se caracteriza por presentar una atmósfera introspectiva, pausada, minimalista, y muy atenta al ritmo y a la melodía.
Es hija de músicos: un antiguo componente de la orquesta de GLENN MILLER , FLOYD "SHIM" BARBER , y una cantante de blues. Estudia piano clásico y psicología en la Universidad de Iowa. Después de un periodo de aprendizaje en locales de Chicago, en 1984 consigue actuar cinco noches durante la semana en una afamada sala de Chicago, el Gold Star Sardine Bar.

Discografía: En 1989 grabó un disco autoeditado llamado Split.
En 1992 graba su primer disco, A Distortion of Love, para Verve.
En 1994, tras haberse cambiado al club GLEN MILL , edita Café Blue, que se ve recompensado con el premio a la mejor vocalista del año para la revista Donwbeat. El disco presenta todas las características de la obra de Patricia Barber: una atmósfera musical introspetiva, extraña por sus letras, y de tempo lento, pausado; y una combinación de temas sofisticadamente accesibles y temas claramente vanguardistas, con numerosos instrumentos de percusión sutilmente tocados para crear un ambiente minimalista y nada convencional.
Su consolidación definitiva se produce en 1998 con Modern Cool: entra en el Top Ten de Billboard y obtiene las mejores críticas.
Companion, de 1999, es su primer disco grabado en directo, en su propia ciudad.
Night Club (2000).
Verse (2003).
Live: A Fortnight In France: segundo disco grabado en directo (2004).
Mythologies (2006).

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Patricia_Barber"

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ESPERANZA SPALDING Contrabajo




ESPERANZA SPALDING es una contrabajista, compositora, vocalista y productora estadounidense asociada con la escena jazzística. Nacida en Portland, en 1984, durante su infancia estudió violín once años. A los catorce, insatisfecha con el tipo de aprendizaje, dejó la escuela pública, estudiando en casa, aunque volvió sólo un año después. Fue así como descubrió, en la sala de las clases de música, un contrabajo recién comprado por la escuela. A la hora de empezar a tocarlo, decidió que ese iba a ser su instrumento en adelante, pues consideraba que producía un sonido mucho más agradable que el violín. Considerada un prodigio del instrumento, dejó finalmente la escuela para matricularse en la Universidad de Portland State, donde un profesor advirtió su talento y pensó que necesitaba estudiar en una institución especializada para desarrollarlo mejor. Tras recibir una beca, ingresó en el Berklee College Of Music, donde completó todos los cursos en sólo tres años y, nada más licenciarse, fue contratada como profesora por el director del centro, Roger Brown: “les gustaba la idea de tener un instructor de la edad de la mayor parte de los estudiantes”.

Una vez acabados sus estudios y pasar, en cuestión de meses, de alumna a profesora, alterna sus compromisos con el saxofonista Joe Lovano y la vocalista Patti Austin con la composición para su propio conjunto, de modo que en poco tiempo se convirtió en una referencia de la escena jazzística (estilo que empezó a interesarle tras escuchar Kind of blue, de Miles Davis). Su debut como líder se produjo en el 2006, de la mano del excelente sello barcelonés Ayva Música, con la edición de Junjo, grabado junto al batería Francisco Mela y el pianista Aruán Ortiz, ambos cubanos y residentes en Estados Unidos. Pero antes del que, de todos modos, es un debut asombrosamente precoz (lo grabó con 21 años), ya había crecido musicalmente al colaborar con el pianista Michel Camilo, el contrabajista Charlie Haden, el vibrafonista Dave Samuels, la violinista Regina Carter y el guitarrista Pat Metheny, entre otros, además de haber recibido elogiosos comentarios por parte del vibrafonista Gary Burton (también alumno del Berklee College Of Music). En Mayo del 2008 presenta su segundo álbum, Esperanza, editado por el sello Heads Up International.

En una entrevista para el diario de Alava en el 2007 le preguntaron:
¿El ser mujer y joven juega a su favor o en su contra?

Como músico, juega a mi favor. Estoy muy valorada precisamente porque hay pocas mujeres que se dediquen a esto. La novedad abre más puertas. He tenido más problemas a nivel personal debido a que tengo una personalidad abierta y, en ocasiones, los artistas con los que comparto el escenario pueden mal interpretar ciertas actitudes. Lo difícil es conseguir llamar la atención pero, al mismo tiempo, mantener una relación platónica con los músicos.

Fuentes : acidjazzhispano.com
esperanzaspalding.com



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