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miércoles, 26 de noviembre de 2008

IRÈNE SCHWEIZER Piano




IRENE SCHWEIZER es una pianista de jazz suiza que lleva más de 50 discos grabados en su carrera.

Nació en 1941 y se inició en la música a los 12 años aprendiendo a tocar jazz de forma autodidacta, escuchando discos y sacando lo que podía de oído. Dos años más tarde empezó a estudiar batería y, aunque no se dedicó profesionalmente a la batería le sirvió mucho par comprender la parte rítmica de la música. Empezó a tocar el piano con grupos locales de jazz y en 1962 se fue a Londres y allí dio clases con el pianista ciego y profesor EDDIE THOMPSON , iniciándose en ese momento en la música Bebop, la cual sería el punto de partida de sus composiciones y de su forma de tocar e improvisar.

A su regreso a Suiza formó un trío de Jazz con MANI NEUMEIER y ULIT TREPTE actuando por todo el territorio nacional , y en 1966 fueron invitados al Festival de Jazz de Frankfurt, siendo la primera vez que actuaban fuera de sus fronteras.

IRÈNE ha actuado con diferentes formaciones a lo largo de su carrera: con dúos, tríos y cuartetos principalmente . También ha formado parte del trio LES DIABOLIQUES después de la extinción del "Grupo Feminista de Improvisación".

En Zurich, ciudad donde residió gran parte de su vida formó un sello discográfico llamado INTAKT junto con otros músicos asociados y se especializaron en grabaciones de Jazz. Desde ese momento todos sus discos han sido grabados por el sello INTAKT.
Su labor en la discográfica es la de seleccionar los grupos que graban.

Es una gran improvisadora y muy virtuosa y que le gusta principalmente experimentar con armonías y ritmos diferentes.

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LITA FORD Guitarra



LITA FORD guitarrista de Heavy metal, nació el 28 de septiembre de 1958. Empezó a tocar la guitarra muy pronto sin saber que iba a dedicarse a la música. No asistió a su primer concierto (Black Sabbath) hasta tener 13 años. Después de eso trabajó mucho (en un hospital de California) para ahorrar suficiente dinero y comprar su primera guitarra, una gibson sg, como las que tenían los de Black Sabbath.

A los 16 años conoció a Kim Fowley, productor, manager y compositor que estaba reclutando miembros para un grupo femenino de glam-punk llamado The Runaways. Era el primer grupo femenino dentro de la escena del hard rock y heavy metal que podía tener éxito. Desgraciadamente se preocupó más por la imagen de la banda, que por la calidad de su música, increíble para una banda que incluía a Lita Ford, Joan Jett, Cherie Curie, Sandy West y Jackie Fox. Todas ellas continuaron con sus carreras cuando el grupo se separó después de cinco años.

Lita comenzó su carrera en solitario en 1981 grabando para Polygram "Out For Blood", "Dancing On The Edge" y "Bride Wore Black" (este último nunca llego a producirse) y no tuvieron mucho impacto en las listas. En 1986 cambió de compañía discográfica, firmando para RCA records. Su primer disco en esta compañía, "Lita", llegó a disco de platino y entraron en el top 10 "Kiss Me Deadly" y "Close My Eyes Forever", cantada a duo con Ozzy.

Su segundo disco "Stiletto" ofrecía algo más de diversidad musical, aunque no tuvo tanto éxito como su predecesor. Incluye entre otras las canciones "Lisa" "Hungry" "Aces And Eights" y "The Ripper"

El siguiente disco se produjo en 1991, "Dangerous Curves", con canciones como "Playing With Fire" y "Shot Of Poison", nominada para un Grammy. Tiene un sonido algo mas sucio y no tuvo tanto éxito como se pensó que tendría.

En 1995 grabó "Black", que recuerda un poco a los primeros discos de Lita. Este fue el último disco en estudio de Lita.

Por otra parte, en el 2000 salió "Greatest Hits Live", un disco en directo de un concierto grabado años antes y que además contiene una canción inédita: "Nobody's Child"

Actualmente Lita Ford vive en el Caribe con su marido Jim Gillette.

Fuente: metalqueens

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ALMA MAHLER Compositora




Alma Marie Schindler, casada Alma Mahler (31 de agosto de 1879 – 11 de diciembre de 1964), compositora y pintora, destacó en su Viena natal por su belleza y su inteligencia. Fue la esposa, sucesivamente, de personajes notables del siglo XX: el compositor Gustav Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel.

Una deslumbrante vienesa entre artistas , Alma Maria Schindler nació en Viena, Austria, hija del pintor Emil Jakob Schindler y su esposa Anna von Bergen. ALMA creció en un entorno privilegiado en donde frecuentaban los artistas; entre los amigos de su padre estaban GUSTAV KLIMT , que dibujó varios retratos de ella y que le dio su "primer beso". Después de la muerte de su padre, Emil Schindler (1892), su madre, Anna, se volvió a casar con uno de los últimos discípulos de su marido, Carl Moll. Siendo joven, Alma tuvo una serie de flirteos, entre ellos uno con Klimt, otro con el director teatral Max Burckhard y también con el compositor ALEXANDER VON ZEMLINSKY


El 9 de marzo de 1902 se casó con el compositor y director de orquesta austríaco GUSTAV MAHLER , que era 20 años mayor. Sin embargo, los términos del matrimonio de Alma con Mahler incluían el abandono de sus inquietudes artísticas en la pintura y la música para dedicarse plenamente a su matrimonio, aunque fue copista y lectora de pruebas de las obras de su esposo.


La fama de Alma Mahler se debe en primer lugar a sus matrimonios y sus affaires con los más grandes artistas de su época, el más notable de ellos Gustav Mahler, de quien tomó su apellido. Como compositora, escribió muy poco para ser considerada más que una figura menor, sólo 16 lieder son los únicos sobrevivientes de su talento en desarrollo.

Ya joven, Alma era una dotada pianista; estudió composición con Alexander Zemlinsky en 1897, escribió algunos lieder y obras instrumentales además de comenzar la composición de una ópera. También fue pintora, fue conocida como muy ambiciosa, y también descrita como sedienta de poder.

Su música aún se interpreta en la actualidad.

Fuente: es.wikipedia.org

lunes, 24 de noviembre de 2008

CONSUELO VELAZQUEZ Compositora, Piano




Consuelo Velázquez Torres nació en Jalisco el 21 de agosto de 1916 y murió Ciudad de México, 22 de enero de 2005). Quizás es la compositora más famosa de la música popular con su bolero miles de veces versionado "Bésame Mucho"

A los 4 años de edad su familia se mudó a la capital del estado de Jalisco, Guadalajara. En esa época comenzó a demostrar un buen oído y grandes aptitudes para la música, por lo que con apenas 6 años se inició en los estudios de música y piano en la academia Serratos, en Guadalajara.

Después de 9 años de estudio, se trasladó a Ciudad de México, donde prosiguió con sus estudios y se licenció como pianista concertista y maestra de música. Su concierto de grado se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la capital y poco después se inició como compositora de música popular; Como concertista de piano, fue solista de la Orquesta Sinfónica Nacional y de la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Como compositora su legado ha sido más notorio. Sus primeras composiciones, "No me pidas nunca", "Pasional" y "Déjame quererte", fueron de naturaleza romántica. Luego, surgieron, entre otras, canciones como Bésame mucho, Amar y vivir, Verdad Amarga, Franqueza, Cachito, Que seas feliz (incluida por Luis Miguel en su reciente disco "México en la piel"), Enamorada, Orgullosa y bonita y Yo no fui (canción bailable popularizada inicialmente por Pedro Infante y, en años recientes, por Pedro Fernández). Destaca como un hecho curioso la participación de Velázquez como actriz en la película argentina de 1938 Noches de carnaval, dirigida por el cineasta Julio Saraceni y como pianista en los filmes mexicanos del director Julián Soler Se le pasó la mano de 1952 y Mis padres se divorcian de 1959, además del documental sobre su vida Consuelo Velázquez de 1992; amén de su participación como compositora en diversos filmes también realizados en México.

Su éxito más conocido: Bésame mucho, bolero compuesto en 1940 (a la edad de 24 años), ha sido la melodía que más satisfacciones trajo a Velázquez, convirtiéndose en su carta de presentación. Después de haber sido grabado por el tenor mexicano Emilio Tuero, se hizo su primera adaptación en idioma inglés grabándolo en 1944 el famoso pianista y cantante estadounidense Nat "King" Cole (cuando aún este intérprete no pensaba en grabar en idioma español). De ahí en lo sucesivo, fue interpretado por cientos de artistas alrededor del mundo, como Pedro Infante, Javier Solis, The Beatles, The Flamingos, Xavier Cugat y su Orquesta, The Ventures, Sammy Davis Jr., Antonio Machín, Lucho Gatica, Plácido Domingo, Luis Mariano (quien la popularizó en Francia), Sara Montiel, José Carreras, Ray Conniff y su Orquesta, Andrea Bocelli, Frank Sinatra, Luis Miguel y Diana Krall. Bésame mucho es conocida también como Kiss Me Much, Kiss Me a Lot, Kiss Me Again and Again, Embrasse-Moi y Stale Ma Boskavaj. Canción traducida a más de 20 idiomas, llegó a ser un icono dentro de la música popular. Su gran acierto en Estados Unidos fue la contextualización de la canción hacia las mujeres que esperaban a sus maridos en la Segunda Guerra Mundial.

Años después del inicio de su carrera, la compositora contrajo matrimonio con el propietario de medios e impulsor de artistas, Mariano Rivera Conde (fallecido en 1977), de cuya unión nacieron sus únicos hijos Mariano y Sergio Rivera Velázquez. En el período comprendido entre 1979 y 1982 formó parte del Parlamento Mexicano, en lo que sería su única intervención en la política de su país.

Afectada por una enfermedad cardiovascular, Consuelo Velázquez falleció el 22 de enero de 2005. Su cadáver fue trasladado al Palacio de Bellas Artes, escenario de su primera presentación, en medio de una importante manifestación de conocidos artistas y del pueblo, en general. Sus cenizas luego fueron inhumadas en la iglesia Santo Tomás Moro, a donde la autora asistía cada domingo a escuchar la misa. Su última participación artística la realizó como pianista en el más reciente álbum de la cantante mexicana Cecilia Toussaint titulado Para mi...Consuelo, el cual contiene canciones de Velázquez.

Recientemente, se ha sabido que la compositora e intérprete, entre sus últimas voluntades dejó siete canciones inéditas entre ellas Donde Siempre (destinada a Cecilia Toussaint), Mi bello Mazatlán (que grabará la Banda El Recodo) y Por El Camino, que la autora legó al cantante mexicano Luis Miguel por quien sentía admiración.

WANDA LANDOWSKA Piano , Clavecín



WANDA LANDOWSKA fue una pianista y clavecinista nacida en Varsovia (Polonia) el 5 de julio de 1879 . Murió en Connecticut, EE.UU.

Estudia primeramente el piano y la composición en Berlin, su primer universo sonoro es el de Hans von Bülow y la influencia post-romántica de las orquestas sinfónicas, pero su interés por la música antigua y el sentimiento que ella descubre tocando los instrumentos antiguos dejan una huella durante toda su vida: dedicándose con empeño a un movimiento de renacimiento de la música antigua y barroca en uno de sus principales instrumentos, el clavecín.

Insatisfecha con los instrumentos originales que para ella son restaurados (ciertamente no con los medios actuales ) o se encuentran en un estado satisfactorio, demanda la construcción a la fábrica de pianos Pleyel de un clavecín que ella inaugura en el festival Bach de Breslau en 1912. Con ese instrumento tocaría en muchos países.

Digna admiradora de su tiempo y el progreso en casi todas las facetas técnicas, no entiende que la experiencia ganada en más de trescientos años de construcción de claves en Italia, Los Países Bajos, Francia, Alemania e Inglaterra hubiera sido un legado sonoro suficiente para que el clave concebido por Pleyel y Gaveau basados en la experiencia de construcción de pianos podrían jamás ser igualados, mucho menos ser de alguna manera superados.

Es así que como profesora crea una escuela de música antigua donde transmite su idea de interpretación con convicción. La escuela es inaugurada con Alfred Cortot por clavecinistas, pianistas y cantantes de todo el mundo.

Hace construir una sala de conciertos en su hogar de Saint-Leu-la-Forêt el 14 de mayo de 1933 donde interpreta por primera vez públicamente en clave las Variaciones Goldberg de Bach obra que estudia durante cuarenta y cinco años. Su predecesor redescubriendo obras de Bach fue un siglo antes Felix Mendelssohn-Bartholdy interpretando la Pasión según San Mateo. Con Pablo Casals hace conocer la música del célebre compositor en tiempos modernos.


En junio de 1940 con el avance de las tropas nazis abandona Europa y luego de un período errante se radica en los Estados Unidos y durante sesenta y tres años recomienza su carrera nuevamente con entusiasmo en su vocación de profesora, brindando conciertos y grabando.


Como intérpreta destaca en el Concierto para clave de Manuel de Falla y en el
Concierto champêtre de Francis Poulenc

Ha dejado escritos sobre: la interpretación de las obras para clavecín de J. S. Bach, 1905.
Música antigua, 1909.
Chopin y la música antigua en Francia, 1931.
Sobre las Variaciones Goldberg de J. S. Bach, 1933.

Algunas de sus citas más célebres: "No se deben interpretar las obras maestras como si uno viera pasar un féretro, paralizado por el respeto."
"Entre un batir del metrónomo y el siguiente, hay el silencio".
"Entre un latido de corazón humano y el siguiente se encuentra todo un mundo". Discografía editada:
En clavecín Johann Sebastian Bach
Fantasía cromática y fuga, BWV 903.
Partita en si bemol mayor, BWV 825.
El clave bien temperado, BWV 846, BWV 869, BWV 870 y BWV 893.

En piano Johann Sebastian Bach, Variationes Goldberg, grabadas en Paris en noviembre del 1933.
Wolfgang Amadeus Mozart, concierto para piano y orquesta K. 537 llamado “La coronación”.
Fuente www.wikipedia.org

jueves, 20 de noviembre de 2008

HIROMI UEHARA Piano, Teclados




HIROMI UEHARA es una de las mejores pianistas y teclistas de lo que va de siglo XXI.
Fusiona jazz con rock progresivo y música clásica. Tiene una técnica que ronda la perfección y verla actuar en directo es un privilegio por su derroche de energía y su ejecución tan virtuosa. . Ha realizado varias actuaciones en España y ha dejado al público enamorado pues parece que se lo pasa genial en el escenario y no te deja perder la concentración.

Nacida el 26 de marzo en 1979 en Shizuoka, Japón, empezó aprendiendo música clásica a la edad de seis años. Cuando tenía ocho, su profesora de piano Noriko Hakita le introdujo en el mundo del jazz. Cuando tenía catorce años tocó con la Orquesta Filarmónica Checa. A los diecisiete años conoció a Chick Corea de casualidad en Tokio, y la invitó al concierto que tenía al día siguiente. Tras trabajar como compositora de jingles durante unos cuantos años para compañías japonesas como Nissan, ingresó en el Berklee College of Music, en Boston, Massachusetts. Allí, fue instruida por Ahmad Jamal, y antes de terminar su graduación ya tenía firmado un contrato con el sello discográfico de jazz Telarc.

Desde su debut en 2003, Hiromi ha hecho giras por todas las partes del mundo y aparecido en numerosos festivales de jazz.

Generalmente actúa con su trío formado por el bajista Tony Grey, antiguo compañero de Beerklee, y el batería Martin Valihora, y en octubre del 2006, el trío añadió a David Fiuczynski a su conjunto en el Jazz Factory, en Louisville, Kentucky. Desde entonces ha aparecido con ellos en sus dos últimos álbumes, Time Control y Beyond Standard, además de acompañarles en las giras de sus conciertos.

Su primer disco se titula "Another Mind" y lo grabó en el 2003 con tan sólo 23 años. y ya demuestra un altísimo nivel tanto de ejecución como de composición.
Desde entonces graba disco por año en una carrera imparable. Lleva hasta el momento 5 discos a cual mejor algunos con mas clara influencia de jazz y otros más progresivos pero todos con una técnica inmejorable.

Su forma de tocar en algunos temas me recuerda a Jordan Rudess en Liquid Tension Experiment.

Fuente: wikipedia.org
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martes, 18 de noviembre de 2008

KEIKO MATSUI Piano



KEIKO MATSUI ,es una pianista y compositora muy interesante para mi gusto, que se mueve entre el new age y el jazz . El piano es su instrumento aunque en ocasiones utiliza los sintetizadores para construir bases y arreglos de fondo.
Su apellido es DOI y al casarse con el productor MATSUI se quedó con el apellido de su marido. Nació en Japón el 26 de julio de 1963 y comenzó con el piano a los 5 años estudiando música clásica y mostrando un gran talento. Fue alumna de la Fundación Yamaha y cuando cumplió 17 años fue seleccionada para grabar con ellos entrando a formar parte del grupo COSMOS de jazz- fusión, llegando a colaborar en 7 Cds.
Durante esos años se sintió atraida por el jazz comenzando a componer su propia música. Algunas de sus imfluencias musicales han sido Stevie Wonder, Sergei Rachmaninoff, Maurice Jarre (compositor de bandas sonoras y padre de Jean Michel Jarré) y Chick Corea.

KEIKO ha sido nombrada Top Indie Contemporary Jazz Artist del año por Billboard y dos veces ganadora del Consejo Nacional de Smooth Jazz Artista Femenina del Año. Ha viajado por todo el mundo apareciendo en festivales, salas de conciertos, y discotecas.

La música de MATSUI es creativa e interesante precisamente por esa mezcla de sonidos orientales y occidentales que la hace diferente. Ella tiene una opinión muy espiritual sobre la música y sus composiciones. Dice: el sentimiento de cada composición viene a mí desde otro espacio, otra dimensión", Matsui considera la música como "los grandes regalos de las almas humanas del pasado, para los niños del futuro". Cree que la música tiene poder para reunir a la gente y cambiar sus vidas. "Estamos conectados por la música", escribió MATSUI , "como el Océano conecta los continentes".

Es una amante de la naturaleza y a menudo hace referencia a las plantas, los animales y otras características y fenómenos naturales en sus títulos de las canciones. . Siente una especial fascinación por la luna como muestra en gran número de títulos de sus temas.

En la última década lleva a cabo proyectos por todo el mundo para recaudar fondos para asociaciones de caridad , colaborando en Fundaciones contra el cáncer, para los enfermos de médula o apoyando a las Naciones Unidas en el Programa Mundial de Alimentos.

Tiene más de 40 discos grabados , el último en el 2007 con el título de "MOYO".

Fuente: www.keikomatsui.com
Es necesrio escuchar varias grabaciones de KEIKO MATSUI para comprender su música ya que varía mucho de un tema a otro.

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MARIAN McPARTLAND Piano



Es una de las primeras pianistas de Jazz que consiguió reconocimiento y prestigio dentro del mundo del jazz. Tiene una técnica perfecta y es una persona con mucho carisma. Este año ha grabado un nuevo disco "Twilight World", precisamente cuando acaba de cumplir 90 años.
Nacida el 21 de marzo de 1918, Marian Margaret Turner comenzó a tocar el piano a los tres años. Lo intentó con el violín pero no le acabó de convencer así que se matriculó en la GUILDHALL School of Music donde estudió piano y composición.

Cuando finalizó sus estudios comenzó a dar conciertos y conoció a su futuro marido Jimmy McPartland del cual tomó su apellido. Después de casarse se mudaron a Estados Unidos, formó su propio trio y comenzó a tocar por los escenarios jazzísticos mas importantes y también realizó grabaciones para otros músicos.

Tuvo su propio programa de radio nacional en Carolina del Sur, haciendo un programa de jazz semanal que le dio mucha popularidad, en el cual hacía entrevistas y grabaciones.


McPartland afirma que no lee música (a pesar de su temprana formación). Por otro lado, que incorpora obras de teatro y en todas las claves, y sabe casi todos los estándar de jazz jamás escrita. Justo antes de su 90 aniversario, compuesto por ella y realizó una pieza sinfónica "Un Retrato de Rachel Carson" para conmemorar el centenario de la pionera del medio ambiente.
Posee varios títulos honoríficos y numerosos premios incluido un Grammy en el 2004.


Fuente: marianmcpartland.com


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PAULA SHOCRON Piano



Nació en Rosario, el 17 de marzo de 1980. Realizó sus primeros estudios musicales en su ciudad natal, donde recibió una formación clásica y, al mismo tiempo, empezó a desarrollar interés por la música popular
En 1996, ya había tomado contacto con el jazz, género en el que comenzó a investigar. Dos años después ingresó en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario en la carrera de Composición, donde fue discípula de Diana Rud y, en forma particular, de Jorge Horst En este período, también pudo ampliar su formación con cursos dicatados por Carmelo Saitta, Dante Grela, Niels Rosing Schow (Dinamarca) y el cuarteto Arditti (Inglaterra).

En el 2000 comenzó a tomar clases con Ernesto Jodos y su actividad fue centrándose en el jazz. A partir de entonces, viajó permanentemente entre su ciudad y Buenos Aires para empezar a tocar en la escena porteña
A fines de 2001 obtuvo la beca del “Buenos Aires -l World Tour” del Berklee Collage of Boston. Pero, dada la coyuntura económica del país, no viajó a los EEUU, aunque la distinción fue un incentivo importante para seguir en trabajando en el jazz.

En Rosario participó de dos grupos: Fuga de cerebros, trío de jazz “progresivo”, con Franco Fontanarrosa (bajo eléctrico) y Alexis Perepelycia (batería) y La Revancha, con Julio Kobryn (saxo tenor y soprano), Mariano Sayazo (bajo eléctrico) y Sebastián Mamet (batería). Con esta última formación grabaron el disco “La intensidad del juego”.

En Buenos Aires formó parte de diversos proyectos con músicos como Lulo Isod (batería), Ada Rave (saxo tenor) y Daniela Horovitz (voz). Con estas dos últimas, formó un trío durante 2003, que obtuvo halagos de la crítica especializada.
Paralelamente, surgió Shocron-Gutfraind Cuarteto, que terminó de consolidarse en 2004. Junto al guitarrista Marcelo Gutfraind, co-líder de este proyecto, participan Julián Montauti (contrabajo) y Carto Brandán (batería).Este año, editaron el primer disco, “Percepciones” (BlueArt Records), con una importante recepción del público y la crítica.

También participó en los proyectos del baterista Pepi Taveira, grabando en su disco “Buenos Aires Inferno”; y del grupo Dialecto Oir, del guitarrista Juan Pablo Arredondo. Formó un dúo con el armonicista Franco Luciani (revelación Festival Cosquín 2002), con quién realizaron homenaje al compositor y pianista argentino Gustavo “Cuchi” Leguizamón.
Actualmente lidera también su propio trío junto a Jerónimo Carmona en contrabajo, y Carto Brandán en batería.

En 2005, Shocron presentó el primer disco de sólo piano de una pianista de jazz en Argentina: “La voz que te lleva” (Blue Art Records), que tuvo importantes críticas en medios nacionales e internacionales (Cuadernos de Jazz, Viento del Sur, y la página TomaJazz en España; El Sentinel, y la página jazzreview, EEUU).
Con casi todas estas formaciones participó en distintos festivales: entre ellos, el Festival de Jazz Rosario “Santiago Grande Castelli” (VI, VII, VIII), Festival Música del Alma, Rosario; Festival de Jazz Santa Fe; Ciclo de Músicas al aire libre en el Anfiteatro Municipal Rosario; Festival de Jazz y otras músicas en la ciudad de Buenos Aires.

Premios: Clarín, Jazz revelación 2005
Musi 2005, en el rubro Jazz Contemporáneo.

Como solista o co-líder
Paula Shocron, “La voz que te lleva” (BlueArt Records).
Shocron-Gutfraind Cuarteto, “Percepciones” (BlueArt Records).

Participa también en:
La Revancha, “La intensidad del juego” (BlueArt Records).
Pepi Taveira, “Buenos Aires Inferno” (SJazz-EMI).
Lucía Pulido, Fernando Tarres & La Raza, “Songbook II” (BAU Records), como músico invitado.

Fuente :www.paulashocron.com.ar
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lunes, 17 de noviembre de 2008

ANA NORGAARD Percusión



ANA NORGAARD también conocida como ANITA QUINTO es una percusionista nacida en venezuela y afincada en Nueva York.
Comenzó sus estudios de piano clásico a la edad de seis años en el Conservatorio Nacional Juan José Landaeta en Caracas y se interesó por los ritmos afro-cubanos realizando estudios con el Maestro OSCAR FARIDE MIJARES, al mismo tiempo que cursaba sus estudios clásicos.
Ganó una beca para asistir a la Berklee College of Music de BOSTON siendo la primera beneficiaria de la TITO PUENTE Percusión Achievement Award en abril de 1999.

Ha trabajado con artistas de renombre internacional como Eddie Palmieri, José Luis Quintana "Changuito", John Santos, Giovanni Hidalgo, Kenwood Dennard, Gonzalo Rubalcaba, Eguie Castrillo, Irakere, Angel "Anga" Díaz, Aquilez Báez, Víctor Mendoza, Juan Benítez, Oscar Stagnaro entre otros.

Es lider de su propia banda ANITA QUINTO FLAVA ORCHESTRA fundada en 2001 haciendo presentaciones en prestigiosos escenarios como el Telerico Jazz & Blues Fetival en 2002, el Cambridge River Festival en 2003 y el Vermont Jazz Center en 2004.
Forma parte de OBBINI TUMBAO una banda creada en colaboración con la pianista de salsa y jazz REBECA CLINE. Con esta banda han ganado varios premios internacionales.

Se desenvuelve en estilos como jazz, latin jazz, funk, pop, afro-pop, salsa , rock y world-music.

Ha participado en la grabación de varias bandas sonoras y documentales. Es endosser de la marca de percusión LP y ha dado clases magistrales y clinics por todo el mundo.
Fuente: www.lpmusic.com

viernes, 14 de noviembre de 2008

ELISA MEDIERO Arpa



ELISA MEDIERO obtiene en 1999 el diploma de Formación Superior en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y en 2003 obtiene el Diplôme de Formation Supérieure en el Conservatorio Superior Nacional de Música y Danza de París con un primer premio por unanimidad en la especialidad de arpa en la clase de Isabelle Moretti.

Ha sido galardonada en distintos concursos internacionales como el Nippon Harpa Competition (1997), USA International Harp Competition (1998), III Concurso Internacional ARLU (Madrid,1999) y es 1er. premio del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España (1998).

Actúa como solista en distintos festivales de Barcelona, Altea, Granada, Madrid, Arles, Praga y bajo la dirección de Tamas Vasary y la Orquesta de RTVE en el Teatro Monumental de Madrid.
Colabora con la Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Orchestre National de Francia, la Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Orquesta de Cámara Reina Sofía, etc.

En el 2003 grabó un CD con obras de Liszt, Fauré, Halffter, Godefroid, Albéniz, Bach, Holliger y François.
Fuente: www.musicaenalcala.com

XUEFEI YANG Guitarra



XUEFEI YANG está considerada actualmente como la mejor concertista de guitarra clásica y es una embajadora de la música clásica en su pais, China.

Su primer instrumento fue el acordeón pero le resultaba demasiado pesado así que empezó con la guitarra con 7 años. 4 años después actuó en el Festival Internacional de Guitarra de China y obtuvo un gran éxito.
A partir de los 13 años, Xuefei estudió en el Conservatorio Central de Música de Beijing
A los 14, hizo su debut en Madrid, promocionada por el Embajador de España en China. A este concierto asistió el compositor español RODRIGO, el cual felicitó a XUEFEI durante el descanso por su impecable técnica y ejecución.
Al mismo tiempo que estudiaba dió conciertos por todo el territorio China, Hong Kong,España, Australia , Taiwán , Japón y Portugal, actuando también en numerosos programas de radio y de televisión.

Obtuvo una beca para terminar sus estudios en la Royal Academy of Music de Londres en el año 2000 y comenzó a ganar numerosos concursos de Guitarra internacionales.
En el 2002 se graduó con la máxima distinción otorgada por la Royal Academy of Music.

Su carrera profesional a partir de ese momento es lanzada con gran éxito por todo el mundo actuando en los teatros y salas de conciertos más importantes del mundo, acompañada por las Orquestas Sinfónicas de más prestigio en cada pais. También continua haciendo programas y entrevistas en radio y televisión con grandes niveles de audiencia.

En 2006 edító su primer disco con el título "Romance de Amor", siendo disco de oro en Hong Kong y número 3 en iTunes del Reino Unido.

Su segundo álbum lleva por título "40 Degrees North" en referencia a la latitud que hay desde su origen, China, hasta España, el país original de su instrumento. En este disco están incluidas obras de grandes maestros españoles como Tárrega y Albéniz (su compositor favorito) así como temas de música Pop y tradicional China.

Fuente : www.xuefeiyang.com


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ELIZABETH CLAUDE JACQUET DE LA GUERRE Órgano, Clavicémbalo




Elizabeth Jacquet de la Guerre,  nacida, según se cree, en 1667 en París, donde murió en 1729, fue la primera compositora importante de la historia de la música francesa. 
Hija y nieta de músicos (su padre fue el organista Claude Jacquet, que se casó con Anne de la Tourche, viuda de un oficial del duque de Orleans), aprendió música cuando aún era una niña, primero con su padre y luego gracias al interés de varias familias de la buena sociedad parisina.  En 1673, a la edad de seis años, fue presentada como "niña prodigio" a Luis XIV en Versalles. 
Madame de Montespán se hizo cargo, personalmente de su educación y ya en 1667 se leía en los diarios: "Canta las cosas más difíciles, toca el clavicémbalo y es capaz de acompañarse así misma...  Compone música y puede hacerlo en todas las tonalidades".
En 1684 se casó con otro músico, el organista de la iglesia jesuita Marín de La Guerre, y al año siguiente consiguió que se ejecutara su primera obra, un ballet con fragmentos cantados, titulado Les jeux à l'honneur de la victoire.  La composición tuvo éxito y el rey le pidió otras interpretaciones.  En 1687 Elisabeth escribió una primera serie de fragmentos para clavicémbalo.  Ese mismo año dio a luz un hijo que, desgraciadamente, murió a los diez años.
En marzo de 1694 la Real Academia de Música ofreció la primera ejecución de su obra Cèphale et Procris, cuyo éxito fue inmediato y duradero.  Entre 1696 y 1698 escribió su Trío sonate y una serie de arias.  En 1704 murió su marido, pero gracias al apoyo  del rey y de sus amigos de la corte siguió escribiendo; en 1707 publicó sus Pièces de clavecin y las Sonates por le violon et pour le clavecin y en 1708 el primer libro de cantatas en lengua francesa.  Siguió escribiendo varias largas cantatas como Esther, Le passage de la mer Rouge, Jacob y Rachel, Jonas, Susanne, Judith, etc.
Titon du Tillet otorgó un puesto importante a madame de La guerre en su Parnase français y junto a su retrato escribe Aux grands musiciens j'ay disputé le prix y también "se puede decir que ninguna persona de su sexo tuvo tanto talento como ella en el arte de componer música y tocar el clavicémbalo o el órgano".
Su Trio Sonate probablemente fueron las primeras de su género que se ejecutaron en Francia (aunque las de Couperin se escribieron antes, se ejecutaron después) y sus obras para clavicémbalo no tienen nada que envidiar a los trabajos escritos por compositores masculinos de la época.
Su ópera Cèphale et Procris, aunque es típica de las óperas de Lully, tiene a la vez tal personalidad y nobleza de escritura, tanto en las arias como en los recitativos, que  hacen concebir la esperanza de que en un futuro cercano se otorgue a este trabajo el lugar que merece en la historia de la música.
Sin duda Elizabeth tuvo un gran talento y también la suerte de encontrarse en un ambiente cultural que facilitó sus posibilidades de componer lo que quería.  En su libro de suits para clavicémbalo "registrado", dedicado al rey, que se publicó en 1707, explica: {...} Vous avez pas dedaigné mom enfance; vous preniez plaisir a voir naitre un talent que je vous consacrois; et vous m'honoriez même alors de vos louanges dont je en connoissois pas encore tout le prix.  Mes foibles talents se sont accûs dans la suite [...].

Bibligrafía: ADKINS, Patricia. Las Mujeres en la Música, Alianza Música, 1995

HILDEGARD VON BINGEN Compositora




Hildegard von Bingen nació 16 de septiembre 1098 en Bermersheim, Alemania; Falleció el 17 de septiembre 1179 en el monasterio de Rupertsberg, Bingen, Alemania Fue abadesa, líder monástica, mística, profetisa, médica, compositora y escritora alemana.


Hildegard de Bingen nació en en el seno de una familia noble alemana. Fue la menor de los diez hijos de Hildebert de Bermersheim y Mechtild. Por ser la décima fue considerada como el diezmo para Dios, según la mentalidad medieval, siendo entregada a los catorce años al monasterio de Disibodenberg.

Este monasterio era masculino, pero acogió un pequeño grupo de reclusas en una celda anexa bajo la dirección de Jutta de Sponheim. La ceremonia de clausura solemne fue celebrada el 1 de noviembre de 1112, participando también Hildegard junto a Jutta y otra reclusa. En 1115 la celda se transforma en un pequeño monasterio para poder albergar el creciente número de vocaciones. En ese mismo año emitió la profesión religiosa Hildegard en manos del obispo Otto de Bamberg. Hildegard recibió durante estos primeros años una educación monástica rudimentaria dirigida por Jutta. Consistió en los rudimentos de la lengua latina, para poder seguir la liturgia; lectura de la Sagrada Escritura, memorizando los Salmos, que se recitaban diariamente; y el canto gregoriano.

Desde muy niña, Hildegard tuvo visiones, que más tarde la propia Iglesia confirmaría como inspiradas por Dios. Estos episodios los vivía conscientemente, es decir, sin perder los sentidos ni sufrir éxtasis. Ella los describió como una gran luz en la que se presentaban imágenes, formas y colores; además iban acompañados de una voz que le explicaba lo que veía y, en algunos casos, de música.

Hildegard compuso setenta y ocho obras musicales agrupadas en Symphonia armonie celestium revelationum: 43 antífonas, 18 responsorios, 4 himnos, 7 secuencias, 2 sinfonías (con el significado propio del siglo XII), 1 aleluya, 1 kyrie, 1 pieza libre y 1 oratorio (fascinante, pues el oratorio se inventó en el siglo XVII). Además compuso un auto sacramental musicalizado llamado Ordo Virtutum, sobre las virtudes.

Fuente: www.wikipedia.org

miércoles, 12 de noviembre de 2008

EVELYN GLENNIE Percusión




"El silencio es , probablemente uno de los sonidos mas ruidosos y de los sonidos más intensos que puedes llegar a experimentar"

EVELYN GLENNIE es una joven escocesa que ha logrado ser una de las mejores percusionistas del mundo actualmente, por su gran virtuosismo y por el cuidado sonido que ofrece en sus conciertos.

Lo que llama la atención significativamente es que es sorda, completamente sorda desde los 12 años.

Con 8 años empezó a perder el oído aunque no se reconoció en ese momento y le achacaron falta de concentración. Cuando tenía 11 años le diagnosticaron una progresiva sordera profunda e irreversible. Ella ya había iniciado sus estudios musicales , primero con el piano y más tarde con la percusión y ya había decidido que quería ser músico profesional.

Lejos de rendirse ante el problema que se le planteó a una persona que quiere dedicarse a la música trabajó sin descanso y nunca abandonó sus estudios.
Sus padres la ayudaron mucho , animándola en todo momento a que siguiera estudiando y llevando una vida con total normalidad.

Ha realizado conciertos y grabado con artistas y directores como STING , BOBBY Mc FERRY, BJORK, BELA FLECK, ROSTROPOVICH, MARIN ALSOP, LUCIANO BERIO, etc..
Lleva 25 discos grabados hasta la fecha como solista. Dirige un programa de televisión para la BBC con el título "Soundbites". Ha escrito varios libros y una autobiografía titulada "Good Vibrations". También ha publicado un método de enseñanza para niños llamado "BEAT IT". Al año realiza más de 100 conciertos por todo el mundo.
Para su primer disco hizo un arreglo de una Sonata de BARTOK para 2 pianos y percusión y por ello ganó un Grammy en 1988.

EVELYN no necesita oir sonidos, ella capta las vibraciones y con eso le basta. Diariamente busca diferentes vibraciones por las calles, en los aeropuertos, cerca del mar o en su garaje de Berlín donde ensaya para luego trasladarlo a sus conciertos.

Sordera aparte, es una gran percusionista y una gran artista digna de admiración.

Más información en :www.evelyn.co.uk/



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ROSARIO MONTOYA Piano



ROSARIO MONTOYA " La reina Gitana" es la primera mujer de raza Gitana que obtiene el título de profesora e instrumentista de piano en todo el ámbito nacional.
Realizó sus estudios profesionales en el Real Conservatorio Manuel de Falla, obteniendo el primer premio de composición en dicho centro.


Su especial aptitud para la composición, así como su pasión y entrega al piano, hacen de sus interpretaciones, el disfrute y la admiración de cuantos han tenido la oportunidad de deleitarse con algunos de sus conciertos, entremezclando la brillantez y la dinámica de sus composiciones en el entusiasmo que se refleja en el espectador.

Se hace acompañar en el escenario por un grupo de artistas con larga trayectoria musical en el mundo des espectáculo, combinando la melodía del piano y la guitarra, con la armonía de un cuarteto de cuerda, el ritmo que imprimen los metales y la fuerza de la batería y la percusión, sin olvidar la relevancia en la base flamenca del cante y el baile.


Es su arte, un punto y aparte en el ya tradicional y conocido mundo del flamenco, aportando nuevas ideas, nuevos horizontes a una cultura cada vez más valorada y artísticamente más fortalecida, obteniendo el reconocimiento por una labor que día a día trata de mejorar y hacer llegar a su público.

Dentro de su ya extenso recorrido artístico podemos destacar ya lo siguiente:

Concierto Privado para Don Jaime de Marichalar y la Infanta Dña Elena. En las Bodegas del Real Tesoro de Jerez de la Frontera (1996)
Concierto para la Infanta Pilar de Borbón en las Bodegas Gonzales Byass. (1997)
Concierto del enlace matrimonial de Javier Merino y Mar Flores. En la Finca de Torre de la Reina, Sevilla. (2001)
Concierto en los Reales Alcázares de Sevilla para los dirigentes de la C.E.E. (2002)
Concierto Flamenco durante las fiestas de Otoño de Jerez de la Frontera. Considerado como mejor espectáculo ofrecido en dichas fiestas. “Espectáculo blanco y negro” ( 2003)
Gala de presentación de la temporada televisiva de Onda Jerez en Teatro Villamarta. Jerez de la Frontera 2004.
Actuación en el “Festival Internacional de música” de Jimena de la Frontera (2004)
Artista elegida para representar a Sevilla, junto al alcalde de esta ciudad en Dublín. Irlanda. (2005)
Concierto en “Fiesta de la Bulería” de Jerez de la Frontera (2005)
Multitud de conciertos privados en diferentes congresos y convenciones por Sevilla, Málaga, Cádiz y Huelva.
Participó en el "X Festival de Jerez 2006" donde además, fué elegida como "Mejor Artista Mujer Jerezana 2006.
Fuente: www.demarcgroup.com

sábado, 8 de noviembre de 2008

KEIKO ABE Percusión



KEIKO ABE está unida a la marimba de la misma manera que ISAAC STERN lo está al violín, o YO YO MA al violonchelo. Ha dado clases magistrales en los principales conservatorios de música en Norteamérica, Europa y Asia. Además, ha grabado de manera prolongada con el sello discográfico Denon, y ha recibido numerosos premios, incluyendo ser la primera mujer investida en el Percussive Arts Society Hall of Fame. Abe es Profesora de Música en Toho Gauken la Escuela de Música en Tokio, tiene un programa lleno de composiciones y giras, y ha lanzado más de 20 grabaciones.

La intérprete y compositora KEIKO ABE ha jugado un papel clave en el establecimiento firme de la marimba como un instrumento de concierto totalmente nuevo y su música se ha tocado en recitales en todo el mundo. Fue la primera mujer en ser incluida en el Percussive Arts Society Hall of Fame en 1993 y su estilo único y su acercamiento musical han encantado al público en todo el mundo durante los 30 últimos años.

KEIKO ABE trabaja con estudiantes de percusión de todo el mundo y cuenta con la famosa percusionista británica EVELYN GLENNIE entre sus antiguas pupilas. Un portavoz de Yamaha dijo “ la música de Keiko es una fuente de inspiración para todos los músicos que como ella siguen rompiendo tendencias tocando su marimba. De sus orígenes bastante primitivos ABE ha transformado el instrumento en un instrumento completo de concierto. Cualquiera que la escuche por primera vez se asombrará por la escarpada gama de tonos y dinámicas que la marimba puede producir “.

Fuente: yamaha.de
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viernes, 7 de noviembre de 2008

PHAMIE GOW Arpa,Acordeón




PHAMIE GOE , de origen escocés aunque residente en Montpellier, en el sur de Francia descrita por Australian Broadcasting Coorporation ( ABC The Planet) como una 'joven prodigio'.
Cantante, pianista, arpista (acústica y electrónica), acordeonista, flautista, compositora, productora...¿es qué no se acaba la lista?
A los 28 años, Phamie tiene ya cinco álbumes a su espalda, Winged Spirit, Lammermuir y Dancing Hands, Moments of Time, y La Vida Buena, y actuaciones con artistas como PHILIP GLASS, ASHLEY MACISAAC, BAND OF HORSES, CARLOS NUÑEZ, KEPA JUNKERA, ALASDAIR FRASER, DAVY SPILANE, etc..
También hay que mencionar otras colaboraciones maravillosas con arpistas de todo el mundo, como, Alan Stivell (Francia) Vincenzo Zitello (Italia), Bajaly Suso (Gambia, Africa), Ravi (Inglaterra), William Jackson (Escocia).

Reciente ganadora del premio `Matt McGinn´, 2003 (mejor recien llegado). Phamie actuó en Broadway, New York con muchos artistas internacionales y el legendario Pete Seeger. Más recientemente le llamaron para tocar para su santidad el Dalai Lama, frente a un público de unas 2,500 personas. (Calificado con 5 estrellas por la crítica en el Scotsman).

En cuanto al arpa, asombrosa, potente y directa son los calificativos que describen sus actuaciones. ¡Olvida tus preconcepciones sobre el arpa como música para hadas o ángeles! Phamie sobrepasa las fronteras de este instrumento ancestral, cambiando de forma radical la percepción que el público tiene sobre este instrumento. Phamie tiene el único arpa en el mundo multicolor, fabricado por una compañía francesa, Camac Harps, y se llama Madame Papillon (Mariposa). Entra en el universo de esta contemporánea virtuosa que te corta la respiración con su asombrosa habilidad, tan conectada con su instrumento que el publico queda estupefacto, tanto visual como sonoramente.
Algunas veces toca dos melodías al mismo tiempo y otras incluso usa el arpa como un instrumento de percusión. No hay duda de que esta genial artista no cesa de abrir nuevos caminos.


Esta encantadora música y compositora ha realizado encargos para películas, compañías de danza y teatro y, a su vez, ha dado cursos en festivales y conservatorios alrededor de Europa. Sus composiciones de piano se utilizan tanto en estudios universitarios como en salas de conciertos, siendo profesora de piano a jornada parcial en la Royal Academy of Music and Drama, Glasgow, donde se graduó en 2001.

Phamie trabaja de manera continua con diferentes músicos para mantener su música fresca. En este momento le acompañan contrabajo, batería, percusión, guitarra y siempre hay músicos invitados y nuevos colaboradores, Carlos Núñez (Galicia), Kepa Junkera (País Vasco), Karine Polwart , Dancing Hands. Phamie tambien viajaba con el show Tapeire en Canada, Nueva York (Broadway) y Miami.


Aparece en once álbumes diferentes, y en su primer cd Winged spirit (Wildfire Records), álbum en solitario, toca el arpa, piano, acordeón y la flauta celta, además de cantar.

EM ?Dancing Hands es un claro ejemplo de la profundidad e intensidad de su trabajo musical. Si sus anteriores álbumes han sido fáciles de disfrutar, éste es algo fuera de lo común? música emocionante, de gran variedad de estilos y al mismo tiempo unida por un hilo común. Un álbum de altísimo calibre.?Michael Moll. Folkworld.

Su cuarto disco se llama Moments of Time y es un disco de solamente sus composiciones de piano. En Junio 2008 esta sacando su cinto CD La Vida Buena y este disco es solamente arpa electrica y voz.

Mientras tanta Phamie sigue innovando y cambiando preconcepciones sobre el arpa, ¡especialmente ahora, con su arpa multicolor, Papiliion! Sin duda, Phamie nos entretiene con sus inagotables creatividad y talentos, mientras nosotros simplemente, estupefactos, contemplamos y escuchamos este universo.
Fuente : phamiegow.com

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jueves, 6 de noviembre de 2008

MIYA MASAOKA Koto, Compositora




Vive en Nueva York y posee una formación clásica como música, compositora y artista sonora. Ha creado obras para koto, interfaces de láser, ordenador y vídeo, instalaciones y partituras para conjuntos, orquesta de cámara y coros mixtos, y ha dirigido su propia orquesta y numerosos conjuntos. En sus actuaciones se ha dedicado a trazar el movimiento de los insectos, a través del cual articula los sonidos para la pieza. Estas piezas se dedican a investigar la cultura y comportamiento de los insectos, extraen varios datos como material sonoro e investigan las construcciones de raza o género.
En otras obras se ha centrado en controlar la respuesta psicológica de las plantas, el cerebro humano y su propio cuerpo para interpretarlas posteriormente en composiciones musicales y sonoras. En sus piezas de plantas explora la aguda conciencia de las plantas hacia su entorno, y su capacidad para pensar y responder.

Desde que formó la San Francisco Gagaku Society, Masaoka ha interpretado sus obras en contextos musicales diversos en la India, Europa, Japón, Canadá y EE UU. Ha recibido encargos de obra para Bang On a Can, Engine 27, Harvestworks, The California Arts Composer Fellowship, Gerbode Fellowship; ha sido artista residente de The Western Front, Headlands Center for the Arts, Steim, Other Minds Djerassi, Yerba Buena Center for the Arts Wattis Residency. Recibió el Herb Alpert Arts Award en 2004. Es licenciada en música y composición musical por la San Francisco State University y tiene un M.A. en Music Composition, Mills College, donde estudió con Alvin Curran. Actualmente es profesora del departamento de música y sonido del MFA del Milton Avery School of the Arts, Bard College, NY.

Fuente: aminima.net

miércoles, 5 de noviembre de 2008

PURITA DE LA RIVA Piano




PURITA DE LA RIVA , la conceritsta más importante y brillante de todas las pianistas asturianas hasta el momento.
Nació en Oviedo el 2 de Febrero de 1933. Hace sus estudios en su ciudad natal convirtiéndose en la alumna favorita del maestro don Saturnino del Fresno. A los 9 años da su primer concierto con gran éxito. A los 12 años obtiene por unanimidad del tribunal , el primer Premio fin de carrera del Conservatorio de Madrid y el extraordinario premio "Mº del Carmen " entre 17 concursantes.

El mismo año (1945) inaugura la temporada de conciertos de la Sociedad Filarmónica de Oviedo en el que interpretó un concierto con un éxito memorable; el público la esperó en la calle para ovacionarla ya que se había enfrentado a un promagrama de mucha altura: Bach, Schubert, Albéniz y Anselmo del Valle.

Ya había abierto el camino y prodigó los recitales durante algún tiempo, pero sin querer abandonar el círculo de su familia, muy importante para ella . Actuó bajo la batuta de los mejores directores en España. Estuvo tentada en alguna ocasión de dejar el piano para convertirse en religiosa.

En una entrevista en el comercio digital comenta lo siguiente:
Para ser una gran pianista no tiene usted las manos muy largas. ¿Es un tópico de la profesión?

-No es imprescindible. Lo más importante es que estén abiertas y si empiezas de niña los músculos se van adaptando. Lo de largas a veces beneficia y otras estorba. Un ejemplo, para coger una octava es más fácil que des a la tecla siguiente que a la que tienes que dar si la mano sobrepasa.


Hasta hace 5 años (se jubiló) fue catedrática por oposición de Piano Superior , Armonía, Contrapunto y Fuga en el Conservatorio de Oviedo. Tiene una técnica muy pulcra y exquisito sentido de la musicalidad, domina técnicamente el instrumento y sus actuaciones son un placer para quien las escucha.

Es especialista en la música del compositor asturiano Anselmo González del Valle el cual fue reconocido mundialmente un siglo después de su muerte.

PURITA DE LA RIVA ha grabado para la Sociedad Fonográfica Asturiana un disco con la música de González del Valle.

Fuente: Mujeres de Asturias, Juan Santana , ediciones mases.

MARIA TERESA PRIETO Composición


Foto: María Teresa Prieto e Igor Stravinsky


MARIA TERESA PRIETO FERNANDEZ DE LA LLANA . Nace en Oviedo en 1896 y muere en Mexico el 24 de enero de 1982. Su vida es la confirmación de una imparable vocación; no vivió más que para la música, no digamos que vivió por la música, pues esto no le interesó en absoluto, siempre estuvo por encima de las materialidades de la vida, su posición social le permitía obrar así, y no distraerse con nadie ni por nada. Se tiene dado el caso de salir de viaje por un corto tiempo, unos días o semanas, y ampliarlas, sin mayor preocupación hasta un año -en una ocasión en California-. Podía hacer esto por su enorme facilidad para componer, lo hacía con el pensamiento anotando lo que veía en cualquier papel, en cualquier sitio, sin papel pautado para luego plasmarlo mediante escritura ya con detenimiento. Para ello se servía de un piano portátil que llevaba en una maleta siempre. Hoy es fácil y se comprende, con los pianos pequeños que tanto abundan pero en aquellos tiempos era un lujo.

Estudió los primeros años de música en el Conservatorio Provincial de Música de Oviedo; alumna del maestro Saturnino Fresno, gran profesor y pianista que la introduce en el conocimiento de BACH. Fue su mejor maestro segun ella, aunque tuvo mas profesores de gran categoría.

Durante sus primeros años la vida la sujetó mucho en Oviedo natal; muere su padre y queda ella al cuidado de su madre, lo que hizo muy trabajosos sus estudios, ya que tenía que cuidar de su madre y ella misma tampoco gozaba de buena salud.
Se trasladaron a Madrid y allí estudia armonía y composición con Benito García de la Parra; su madre moriría en tal ciudad.
Los años siguientes los pasó con su hermana en Vizcaya y los veranos los pasa en Santander donde conoce al Padre Nemesio Otaño, gran músico y compositor. También fue alumna de Manuel M. Ponce, Carlos Chaves, Darius Milhaud, Rodolfo Halffter , Baltasar Samper.

Se traslado a México y allí conoció y trató en profundidad a grandes músicos como los citados Milhaud y Carlos Chaves , así como Igor Strawinsky y Casals.

Tuvo una producción amplia y muy importante; estrena (1943), por la Orquesta Sinfónica de México su SINFONIA ASTURIANA , y el 30 de Junio de 1944 su poema sinfónico CHICHÉN-ITZÁ.

Compuso obras para piano, canto, orquesta, coro y orquesta y coro; realizó muchos poemas sinfónicos basándose en poesías de Juan Ramón Jiménez, García-Lorca, Ricardo Alcázar, Carlos Bousoño y propias . Era una buena poetisa y dominaba el cuento, se hizo famoso su relato PITUSÍN , que cuenta su amistad con un pájaro.

En 1945 estrenó su SINFONÍA BREVE la cual le sirvió para que la crítica reconociera su talento como compositora. Siempre en el fondo de todas sus composiciones se nota la influencia del folklore y la música de su país y de su padria.

Poco después es aceptada como alumna de MILHAUD en California desde 1946 a 1947, músico que también influyó notablemente en ella.

Hizo música religiosa, melodías y canciones, siendo del año 1940 su primera composición oficial; 6 melodías, y la última, el tercer tiempo de SONATA MODAL de 1974; ALELUYA, con letra del CANTAR DE LOS CANTARES , de Salomón.
Sus grandes maestros directores fueron: Carlos Chaves, Luis Herra de la Fuente, Erik Kleiber, Emi Katchaturian y Ataulfo Argenta.



Bibliografía: SANTANA, Juan. Mujeres de Asturias. La mujer en la música de concierto y composición. Ediciones Mases,1988.