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jueves, 29 de enero de 2009

MARIANA TODOROVA Violín




Concertino de la Orquesta Sinfónica de RTVE desde 1997, nace en 1974 en Varna (Bulgaria) y empieza sus estudios de violín a la edad de cinco años con S. Furnadjieva. A los catorce gana el primer premio del concurso nacional S.Obretenov y del concurso internacional Kocian en Checoslovaquia. Asimismo posee el Premio Cultural de la ciudad de Varna-año 1990 y el primer premio del concurso de música de cámara Zlatnata Diana en Pleven (Bulgaria).

Continúa sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Madrid con Víctor Martín hasta graduarse en el año 1995 con Premio Extraordinario Fin de Carrera. El mismo año gana el premio Sarasate concedido por la Fundación Loewe y actúa en concierto con el Stradivarius del compositor.

Ha asistido a las clases magistrales de Mincho Minchev, Ifrah Neaman, Isabel Vilá, Lorand Fenives, Clara Flieder, Mauricio Fuks, Ruggiero Ricci, Ferenc Rados y Walter Levin.

Ha actuado como solista con diversas orquestas europeas con los maestros Dafov, Kolarov, Keradjiev, Izquierdo, Fournet, García Asensio, Andreescu, Leaper, Encinar, Noseda ,Ros Marbá, etc. Su repertorio se extiende desde el barroco hasta la música de nuestros días, incluyendo estrenos , primeras audiciones y obras dedicadas de compositores actuales: Bustamante, Cueva, Ruiz Pipó, Greco, Torres, Taverna-Bech,
Mosquera, Cervelló,etc.

Ha realizado numerosas grabaciones para TVE, Canal Satélite, Radio Clásica y para el sello discográfico de RTVE. Regularmente actúa en las principales salas, Festivales y Ciclos de Conciertos de España. Colabora regularmente como concertino invitada con la Real Filarmonía de Galicia.

En el año 2000 estrena con la Orquesta Sinfónica de Gran Canaria el concierto para violín “Ardor” de José Luis Greco, dedicado a ella, posteriormente graba dicho concierto en CD para el sello ASV. El disco ha sido elegido disco excepcional del mes de la revista Scherzo en diciembre 2003 y editor’s chois de la revista Gramophone en octubre 2003.

Mariana Todorova forma dúo con la pianista Irini Gaitani y pertenece al trío de cuerda “Modus” desde su fundación en el año 1997 , con el que en el año 2002 estrenó en España ”Divertimento para trío de cuerda y orquesta” de Françaix, junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y José Ramón Encinar.

Toca con un violín Joseph Ceruti del año 1844.
Fuente: www.marianatodorova.com


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IDA HAENDEL Violín



Ida Haendel (Chełm, 15 de diciembre de 1928) es una violinista polaca de origen judío, nacionalizada británica.

Ida Haendel nació en Chełm, una pequeña ciudad al este de Polonia; comenzó a tocar el violín a los tres años, a los cuatro empezó a estudiar en el Conservatorio de Varsovia con Miecyzslaw Michalowicz y a los cinco ganó el Concurso Hubermann. A los siete fue finalista en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski, que aquel año ganaron Ginette Neveu (16 años, primer premio) y David Oistrakh (27 años, segundo premio). Estudió en París con George Enescu, y después en Londres con Carl Flesch. Durante la Segunda Guerra Mundial tocó para las tropas británicas y americanas, y en 1940 adquirió la nacionalidad británica. Hasta 1952 vivió en Londres, después en Montreal, y desde 1979 vive en Miami Beach, Florida.

Su autobiografía, Woman with Violin ("Mujer con violín"), fue publicada en 1970. En 1991 recibió la Orden del Imperio Británico y es también Doctora Honoris Causa por el Royal College de Londres.[1]

Algunas de sus interpretaciones más recientes han sido su aparición en el concurso Paganini de Bresláu en 2003 y durante la visita del papa Benedicto XVI al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau en 2006.

Fuente: es.wikipedia.org

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LEILA JOSEFOWICZ Violín



Leila Bronia Josefowicz nació en Toronto, el 20 de octubre de 1977.
Proveniente de una familia polaco-inglesa, cuando era niña se mudó con su familia a California, donde comenzó a estudiar el violín a la edad de tres años y medio usando el Método Suzuki. A los cinco años comenzó sus estudios formales con Idel Low. A los ocho cambió de profesor con Robert Lipsett, prestigioso maestro de violín de California.

A los trece años de edad se mudó con su familia a Filadelfia, para asistir al Instituto de música Curtis, donde tomó clases con Jaime Laredo, Joseph Gingold, Felix Galimer y Jascha Brodsky.

Siendo todavía adolescente tocó con las orquestas sinfónicas de Filadelfia, Cleveland, Los Ángeles, Houston, Chicago, Montreal y Toronto.

Josefowicz hizo su debut en el Carnegie Hall en 1994 interpretando el Concierto para Violín y Orquesta de Chaikovski con la orquesta de la Academia de St. Martin in the Fields, dirigidos por Sir Neville Marriner. Ese mismo año firmó un contrato de exclusividad con Philips Classics, grabando los conciertos de Chaikovsky y Jean Sibelius. Se ha mantenido ocupada como solista, interpretando por América del Norte, Europa, Japón, China y Australia.

Fuente: es.wikipedia.org

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MIDORI Violín



La violinista japonesa Midori (Osaka, 1971) tenía 11 años cuando deslumbró al público estadounidense como solista en el concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Nueva York. Había empezado a tocar el violín a los cuatro años de la mano de su madre, y el director de orquesta Zubin Mehta le abrió las puertas del mundo profesional desde Nueva York, ciudad en la que vive y donde perfeccionó su técnica en la Juilliard School.
Han pasado ya más de 20 años desde ese debut y Midori sigue siendo una intérprete de referencia obligada en el mundo de los mejores violinistas.
Su aspecto frágil y su timidez desaparecen cuando empuña en su escenario su Guarnerius del Gesù de 1734, que lleva tocando con todo su cuerpo -'si no lo hiciera así no tendría la suficiente fuerza para tocarlo', dice- desde que tenía 10 años y con el que ha recorrido las principales salas de conciertos del mundo.

Fuente:www.auditoriomurcia.org

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miércoles, 28 de enero de 2009

CONSTANCE DEMBY Composición, Teclados




CONSTANCE DEMBY ha sido en alguna ocasión definida como la iniciadora de la música meditativa, una innovadora artista de fama internacional, y una original renovadora de los instrumentos musicales que refleja su innegable creatividad en este terreno. Californiana de quinta generación, Constance nació en Oakland, donde a la edad de ocho años inició sus estudios musicales con el piano. Posteriormente se trasladaría a la costa este, decidiendo entonces extender sus estudios al campo de la pintura y escultura. La genial compositora, toca, además del piano, una amplia gama de instrumentos tradicionales de otras culturas, como por ejemplo el cheng chino, el dulcimer de origen persa, el tambour indio, el gamelan balinés, el harpalek austríaco, y un sinfín de instrumentos étnicos de todo el mundo, de un modo nada tradicional que resulta altamente innovador.

Demby empezó practicar la meditación en los años sesenta, experiencia que utilizó en el desarrollo de nuevas formas espaciales de música contemporánea de corte clásico. De hecho, es así como ella misma define su peculiar estilo musical, un estilo al que literalmente califica de "música espacial sinfónica clásica contemporánea". Durante los años setenta, Constance Demby da diversos conciertos, participando asimismo en talleres y presentaciones multimedia a lo largo de la costa este norteamericana, junto a la banda Central Maine Power and Light Company. A finales de los setenta establece ya su propio sello discográfico, concretamente en el año 1978, al que llama Sound Currents, donde se publican sus primeros títulos de música meditativa espacial: Skies Above Skies en 1978, y Sunborne en 1980, año en que Demby inicia su experimentación electrónica. Con los teclados y samplers digitales, su estudio pasa a ser totalmente electrónico. Constance publica en su propio sello, además, Sacred Space Music en 1982, álbum en el que la compositora combina con inigualable maestría el piano, el dulcimer y el sintetizador creando así una de las primeras composiciones clásicas cuya brillantez, originalidad e inspirada fluidez la situarían entre las obras pioneras bajo la etiqueta genérica de la Nueva Era; en esta grabación Demby impulsa a los oyentes a explorar su yo espiritual volviendo la mirada hacia su interior: "Tienes que suprimir temporalmente el control del ego y dejar que la música te lleve a territorios tal vez nuevos e inexplorados", comenta la artista, refiriéndose a este álbum. A esta grabación seguirían Live At Alaron y el compilatorio Light of This World, álbum este último que incluye lo mejor de esta época compuesto por la artista.

Posteriormente Constance entraría en contacto con el sello Hearts of Space, del productor Stephen Hill, y sería en este sello donde esta genial creadora grabaría sus obras maestras. En 1986 Hearts of Space publica su inigualable Novus Magnificat, grabación que encabeza las listas de éxito de numerosas emisoras de radio, pieza clave para los aficionados a la música espacial, donde los sintetizadores, la percusión, los órganos, instrumentos diversos de cuerda, y un coro de voces etéreas se entrelazan con los especiales efectos electrónicos de Michael Stearns conjugándose en una sinfonía comparable al Requiem de Mozart, según algunos críticos, al estilo de la Nueva Era, y constituyendo una obra, en definitiva, que apela al potencial espiritual más elevado del ser humano, y cuyos efectos positivos sobre el oyente alcanzan al testimonio dado por médicos y enfermeras que han comentado su beneficioso efecto en clínicas y hospitales. La misma Constance Demby explica que esta obra es "un Magnificat y Exultate contemporáneos para orquesta digital y voces de coro", donde la artista crea una inspirada fusión de la música sacra tradicional occidental con influencias clásicas en una ambientación electrónica de caracter contemporáneo basada en los arquetipos inmutables de un viaje musical de carácter profundamente trascendental, transformador. Esta música, compuesta e interpretada por la artista utilizando un sintetizador Emulator II, en el que los instrumentos sinfónicos reales se digitalizan en samplers sobre discos magnéticos, siendo luego recombinados y orquestados por su autora, fue directamente creada en el mismo sintetizador, en una magistral combinación de las violas, violines, violoncellos, contrabajos, arpa, piano, órgano, cuerno francés, campanas, efectos electrónicos, tímpanos y coro. Todo ello combinado con la sonoridad propia de un Roland Juno 60, y un piano de cola de concierto Yamaha. Tanto el público en general como la crítica han aclamado esta magnífica creación, que supuso un éxito comercial notable.

También bajo el sello Hearts Of Space, Constance Demby publica su álbum Set Free (1989), donde se perciben las influencias de otras músicas como son las de Bali y las del continente africano, evidenciando el carácter universal que impregna sus obras. De hecho, la autora no cesa de experimentar con diversos instrumentos acústicos étnicos de todo el mundo, adaptándolos al medio electrónico digital, en un afán por descubrir nuevas sonoridades que lleven a una universalidad musical clásico-contemporánea. Poco después inicia sus giras internacionales, visitando diversos países europeos, entre ellos España (Islas Canarias), además de Egipto, Sudamérica, Japón, Indonesia y otros.

A Constance Demby le desagrada la etiqueta New Age debido a las connotaciones negativas que ésta ha asumido a lo largo de los años. Al parecer, cualquiera que consigue publicar un álbum utilizando sinfonías electrónicas es etiquetado como un músico "de Nueva Era", sin importar su nivel ni su experiencia, ni si realmente contribuyen al estilo de música meditativa y de expansión de la consciencia. La utilización del término Nueva Era como un ecléctico cajón de sastre en el que todo tiene cabida, donde el oyente encuentra cosas más "mediocres" que "buenas", ha provocado una gradual reducción en las ventas durante los últimos años. Si unimos ese problema al carácter negativo que varias religiones atribuyen al término Nueva Era conectándolas al paganismo y otros cultos más o menos oscuros, el resultado es ciertamente desconcertante. Es por este motivo que a Constance y muchos otros músicos realmente profesionales cuya calidad está fuera de toda duda, y que se han visto "etiquetados" de esta forma, les encantaría ver tal terminología cambiada. Lo cual presenta un auténtico reto: ¿Cómo llamarles? El problema es, que a nivel comercial, hay un gran desconcierto a la hora de calificar este tipo de músicas: los encargados del marketing, de cara al público, se empeñan en otorgarles una categorización definida, y sin embargo no saben si llamarla clásica, contemporánea, nuevas músicas, New Age, Nueva Era, músicas alternativas...





En su afán por descubrir nuevas sonoridades y sonidos nunca oídos anteriormente, Constance Demby ha sabido ensamblar cada emoción con su resonancia tonal complementaria, provocando diversas experiencias impactantes en el oyente, y despertando una catarsis emotiva que afecta a los más profundos niveles de consciencia en la armonización de su mente, su cuerpo y su espíritu. Este particular aspecto de su arte la ha llevado a desarrollar, ya en los años setenta, lo más innovador en el campo del sonido, ya que fue entonces cuando esta artista concibió y construyó los primeros instrumentos de Acero Sónico: El "Space Bass" ("Bajo Espacial") y la "Whale Sail" (la "Vela de Ballena"). En ambos casos se trata básicamente de unas enormes láminas de acero inoxidable que se tocan con sendos arcos, y que generan profundos sonidos con una resonancia primordial jamás conseguida antes con los instrumentos convencionales. El "Space Bass" consiste en una lámina horizontal de acero inoxidable de diez pies, con cinco octavas de varillas fijadas a una barra. Estas varillas se tocan o bien golpeándolas al estilo de un instrumento de percusión, o bien mediante un arco, como si se tratase de un violín o un violoncelo, o más bien un contrabajo. Según se calcula, las ondas sonoras generadas por las notas más bajas se hallan en una longitud de onda de unos 30 pies. Por otra parte, la "Whale Sail" viene a ser una especie de versión cetácea hermana del "Space Bass", esta vez tratándose de una lámina vertical de 8 pies, entretejida con alambres que asimismo hay que tocar con un arco. La sonoridad que estos originales instrumentos son capaces de producir tienen un extraño toque ultraterreno con un potencial emotivo indescriptible.

En 1995, Constance Demby publica Aeterna, obra inspirada en los compositores clásicos de la escuela romántica, y más concretamente, en Rachmaninoff y Tchaikovsky. En esta obra, la autora lleva la música más allá de los confines terrenales. El aire melódico que impregna las obras de los maestros rusos viene a combinarse con el virtuosismo sublime propio de un Bach, en una armonía donde el piano es el instrumento rey por excelencia, consiguiendo una composición de carácter altamente espiritual, apasionado, profundo, cuya belleza supera toda descripción. Parece como si Demby se recreara en esculpir los sonidos, creando un paisaje sonoro llamado a convertirse un clásico cuyo poder transforma al oyente expandiendo su mente y abriendo su corazón a lo que ha de ser la música del siglo XXI en su carácter sinfónico más exquisito. Música de ensueño, espacial, deliciosamente apropiada para utilizarla en algún planetario, o tal vez como banda sonora de una película, esta música nos habla del universo, de la vida, nos lleva a una profunda experiencia emocional y espiritual, transformadora, sublime.

Actualmente, Constance Demby continúa creando nuevos mundos sonoros de carácter orquestal contemporáneo en su estudio. Para ello se basa en lo último en tecnología electrónica, incluyendo sintetizadores y samplers digitales. La compositora trabaja sin descanso en conseguir el dominio instrumental controlado por ordenador, un mundo que, no obstante, encuentra ciertamente árido y a la vez desafiante. Para ella es frustrante encontrarse con que no consigue tocar su música por olvidar pulsar una tecla. Por ello persevera en conseguir un dominio absoluto de estas tecnologías. Asimismo, la artista no descarta embarcarse en nuevas giras mundiales como ya hiciera antes. Constance es una gran defensora del poder transformador de la música y su capacidad para elevar la consciencia del ser humano. Ella misma sostiene que "la música es la más elevada de las artes, ayuda a conectar con el espíritu a través del sonido, conduciéndonos a nuestras facultades más elevadas, ascendiendo a través de la música hasta una mayor perspectiva del universo que nos rodea, de nuestro "yo" interior, nuestra esencia espiritual". Su música puede ser ciertamente terapéutica, relajante, fluida, con un frescor expresivo irresistible que moldea figuras sonoras con este aire clásico que en sus manos se convierten en esculturas auditivas, en definitiva regalándonos con un clasicismo que, si cerramos los ojos, se convierte en música visual.
Fuente: Ariadna Martín. www.amazings.com




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LUCIA HWONG Composición



La música de Lucia Hwong contiene una exhuberante energía, matizada por influencias minimalistas occidentales, en perfecta fusión con su peculiar homenaje a sus raíces ancestrales chinas.

La compositora Lucia Hwong hace un tipo de música que en cierto modo sigue la escuela de Kitaro. Nativa de Hawai aunque afincada en Los Angeles, es una intimista compositora que también ha ejercido de actriz y bailarina. Como hija de la internacional actriz Lisa Lu, y nieta de una gran diva de la ópera china, Lucia recibiría una educación artística notable desde su más tierna infancia. Educada en la ancestral música china, el teatro y la danza, Lucia continuaría la tradición familiar en el campo de las artes, de la mano de los más afamados maestros, entre ellos Henry Miller, un buen amigo de la familia, de quien aprende a desarrollar su creatividad, de tal modo que ésta pueda manifestarse en sus actuaciones en directo. Lucia aprende a confiar en su imaginación, y a dejarse llevar hasta sus límites, sin importar hasta dónde pueda llegar.

La artista se licencia en Bellas Artes en la Universidad de California Los Angeles (UCLA), tras lo cual se traslada a Nueva York para realizar estudios especializados en etnomusicología en la Universidad de Columbia. Hwong realiza su tesis doctoral eligiendo como tema las óperas de Philip Glass, lo cual le permitió contactar con el famoso autor minimalista. Con él aprende además el arte de los negocios en el campo de la música.

La música de Lucia Hwong contiene una exhuberante energía, matizada por influencias minimalistas occidentales al estilo de Terry Riley, Steve Reich y tal vez el mismo Philip Glass, en perfecta fusión con su peculiar homenaje a sus raíces ancestrales chinas. No falta en su música, en la opinión de algunos críticos, una cierta dosis de erotismo femenino, que se refleja en sus múltiples texturas alternadas con suaves imágenes de caracter casi pastoral, y que en definitiva plasman su dualidad personal. De hecho, el mismo Philip Glass, respecto a su álbum "House of Sleeping Beauties", publicado por el sello Private Music, se refiere a Lucia Hwong como una joven representante de la tradición dual que no se limita a tomar prestado de una cultura o incorporar los sonidos de la otra, por el contrario consiguiendo una unión de las culturas oriental y occidental ciertamente innovadora y fresca, hechizante y evocadora.

Lucia recibe el encargo de realizar la banda sonora para un documental sobre Asia, que debe ser emitido por televisión. La artista decide visitar con este motivo el Tibet, en busca de la necesaria inspiración que le permita crear la música más idónea a este fin. Sus esfuerzos se verán plasmados en su primer álbum, el cual contiene dos temas: el primero, llamado "Tibet Suite" es su ejemplo más palpable de la fusión de estilos musicales, en concreto el oriental y el occidental, de modo que la música folklórica de sus raíces se encuentra con el jazz en un clasicismo de exquisita factura donde ambos estilos se complementan mutuamente, y donde los instrumentos acústicos armonizan de modo adecuado con los sintetizadores. La segunda pieza se inclina de un modo mucho más claro por el jazz.

En su segundo album, "Secret Luminiscence", Hwong realiza una magistral fusión de la tecnología electrónica y la música del lejano oriente, por medio del tradicional laúd chino, un instrumento que conoce íntimamente desde su infancia, y los teclados electrónicos, con los que reproduce etéreos timbres evocadores de un universo ultraterreno, todo ello matizado por su sensual respiración, lenta, profunda, y el arpa celta de Alan Stivell, que incorpora asimismo suaves texturas al conjunto. Además, la artista produce algunos videoclips.

El estilo coreográfico de las composiciones de Lucia Hwong, siempre atento a despertar la imaginación del oyente, y explorando las distintas corrientes de vanguardia, contribuyen a dar a su música este aire tan especial, y precisamente esta armonía global que matiza sus obras es lo que la artista ha pretendido incorporar a sus creaciones.
Fuente: Emma Dors www.amazings.com

SARAH HOPKINS Composición, Violonchelo



Sarah Hopkins es una compositora e intérprete especializada en el área del "sound art" desde 1976.

Sarah Hopkins nace en Lower Hutt, Nueva Zelanda, en 1958. Hija del conocido director de orquesta John Hopkins, su formación musical básica se desarrolla en la Escuela Secundaria del New South Wales Conservatorium of Music de Sydney, ciudad a la que su familia se traslada en 1964.

Tras obtener un Diploma of Arts in Music en el Victorian College of the Arts donde estudia entre 1975 y 1979, se especializa en el violoncello solista, la música contemporánea y la composición experimental.

Bajo la tutela del profesor y compositor Richard Hames, se introduce en la música de los años cincuenta, y estudia en concreto la música de John Cage, Steve Reich, Terry Riley, Karlheinz Stockhausen, James Fulkerson, Luciano Berio, Olivier Messiaen, Iannis Xenakis y otros. Además, estudia a nivel privado la pintura acrílica y acuarela, cosa que combina sus intereses artísticos y musicales. Todo esto se reflejará en sus partituras gráficas y visuales, en las que se evidencian sus estudios de notaciones musicales diversas. Ello significa que en sus partituras gráficas distintos símbolos y signos designan modos de interpretación sonora, con explicaciones adicionales si procede, sección por sección, cosa que puede verse por ejemplo en su obra "Cello Timbre" (1976).

En sus partituras pictórico-gráficas se incluyen imágenes visuales abstractas (un cuadro, una foto o un dibujo), sin que necesariamente se den pistas sobre su interpretación.

En sus partituras textuales la artista puede incluir un texto que inspira la música a interpretar como una respuesta a dicho texto o en el que el texto es re-interpretado musicalmente, y/o explicaciones detalladas para interpretar la obra. Y en sus partituras numéricas, cada intérprete tiene sus tarjetas (por ejemplo), con listas de numerales que indican el tiempo entre notas, con lo que se producen sonidos distribuídos en modelos cambiantes espaciales.

La artista también hace uso de la notación proporcional o espacio-temporal, que permite exactitud en el tono con libertad de ritmo.

En sus composiciones Sarah explora una amplia gama de formas y sonidos, al tiempo que perfecciona su técnica cellística. Asimismo, Hopkins desarrolla nuevos modos de notación musical, y crea trabajos para violoncello multipista, piezas para performance e improvisaciones libres diversas.

En sus trabajos interdisciplinares y colaboraciones se refleja esta versatilidad de que Sarah Hopkins hace gala. La compositora trabaja con diversos artistas visuales y coreógrafos, como por ejemplo Jacek Grzelecki, con quien desarrolla su performance multimedia "Enactment" (1981), pieza ésta en la que combina video, collage de sonido y cinta magnética, y la interpretación musical en directo.

Sarah ha sido en diversas ocasiones artista residente en distintas escuelas universitarias e instituciones artísticas comunitarias australianas, hecho éste que en distintas ocasiones le sirve de inspiración para crear nuevas obras y performances. Además, sus obras han sido grabadas para distintas emisoras de radio, y la artista ha realizado diversas giras en Australia, América y Europa.

En 1976 Hopkins es miembro de la ensemble de Música Contemporánea de la VCA, The Victorian Time Machine, fundada por Richard Hames ese mismo año. Es entonces cuando empieza a interpretar gran número de innovadoras partituras y a componer sus propias obras e improvisaciones al violoncello.

En 1977 Hopkins interpreta como solista la obra "Projections" de James Fulkerson, originalmente para orquesta de cámara, si bien la artista la re-elabora utilizando estas innovadoras notaciones y aplicaciones multipista, amén de un sistema de escala cromática / espectro de colores, en combinación con diapositivas visuales lo cual marca sus inicios como compositora de Música Contemporánea.

Hopkins sigue dos años de estudios de postgrado en la VCA, en los que estudia la aplicación de los sonidos electrónicos al violoncello. Al tiempo que continúa colaborando con la Victorian Time Machine, realiza una gira en su país con un programa extenso de Música Contemporánea, colabora con cineastas, bailarines, actores, pintores y artistas de performance, y es artista residente en diversas instituciones.

En 1980-81 Hopkins recibe una International Fellowship del Music Board del Australia Council, lo cual le permite seguir de gira en el extranjero, visitando más de 20 ciudades europeas. Trabaja con diversos improvisadores, como Maggi Nicols, Derek Bailey y Mario Sanco, y varias de sus obras son grabadas para la radio en Holanda en 1980. Además, participa en distintos eventos en el campo de la Música Contemporánea, como son la Fete Musicale de La Sainte-Baum en 1980, un estudio académico en Darmstadt y un festival de improvisación esponsorizado por el Institute of Contemporary Art de Londres en 1981. Es en esta ciudad donde la artista se une por un tiempo al colectivo feminista teatral "Cunning Stunts", participando en más de cincuenta representaciones en Europa. Su obra más notable, titulada "The Opera", es interpretada por nueve mujeres de distintos campos (del circo a las artes visuales, gimnasia, danza y música), explora nuevos modos de definir y presentar la imagen de la mujer.

En 1980 viaja a Bremen para participar en el Pro Musica Nova Festival, y es allí donde entra en contacto con el canto de Mongolia y en definitiva, con el canto armónico, basado en las técnicas del Budismo Tántrico tibetano, que permiten cantar en dos voces de modo simultáneo, creando melodías etéreas en un registro muy alto, efecto que Hopkins reproduce con el violoncello, mediante la técnica que llama "arqueado armónico".

En 1981 regresa a Australia, y desde entonces desarrolla nuevas formas de expresión musical. Sarah Hopkins expande sus habilidades musicales hasta desarrollar su creatividad en la producción de fuentes de sonido nuevas y sin duda innovadoras, cosa que demuestra su invención de "instrumentos de remolino" y "cometas sonoras" (cometas que crean sonidos al volar), así como la instalación de ambientes musicales a gran escala. Uno de sus proyectos, "Whirliworks", iniciado en 1982, ilustra el uso de estos "instrumentos de remolino", hechos con mangueras onduladas de distintas longitudes y diámetros, afinadas y tocadas en una variedad de estilos percusivos y melódicos, que producen sonido al voltearlos en el aire al modo de ciertos instrumentos aborígenes. Una de las obras en los que la artista colabora con este instrumento es "Wind Music For Earth And Sky", en colaboración con la coreógrafa Beth Shelton.

A finales de 1981, Hopkins visita Darwin como Compositora Residente en el Brown's Mart Community Arts Centre, y da una gira de tres meses para el NT Arts Council. Allí conoce a su futuro marido, casándose en 1982.

Dos años más tarde funda la Darwin Whirliworks Ensemble, un grupo de seis músicos de distinta formación con quienes compone "Interweave".

Hopkins colabora en tres proyectos con la bailarina y coreógrafa Beth Shelton junto con Ros Bandt y Elwyn Dennis en el campo de la composición, en el Victorian College of the Arts. Otro proyecto comunitario, "Eclipse" (1986), se destina al "coro de campanillas manuales" de la Nightcliff High School inspirado por un espectacular eclipse lunar.

Hopkins ha colaborado como intérprete del violoncello con varios músicos y compositores de Música Contemporánea australianos, entre otros Ros Bandt, Jo Truman, Leigh Hobba, Colin Offord y Peter Carolan. Ha publicado varias obras bajo el sello Soundworks entre 1981 y 1986.

A mediados de 1981 se interesa por las improvisaciones acústicas estructuradas, que le permiten expresarse con una viva espontaneidad. Desde entonces prefiere componer bajo este punto de vista, centrándose en lo esencial y sin más ni menos notas que las necesarias.

En 1980 y 1981 colabora con el London Musicians Collective (LMC), en cuyo seno se desarrollan diversas sesiones de improvisación y conciertos. Entre sus obras para violoncello destaca "Cello Chi" (1986), estrenada en la 1986 Sydney Biennale, grabada además por la ABC, pieza concebida como un "viaje por el sonido" inspirada en los ritmos aborígenes de su tierra, incluyendo el didgeridoo, canto armónico y todas las innovadoras técnicas que la artista ha ido desarrollando a lo largo de su carrera.

En 1984 inicia su serie de "cometas sonoras", en colaboración con la especialista en cometas Sharon Pacey. Ambas artistas diseñan cometas generadoras de sonido al volar. Su más fructífera creación es el "singing stunter", una cometa de control dual fabricada con lona de vela y fibra óptica, a cuyo armazón se une un "instrumento de remolino" que le permite cantar y entretejer melodías mientras flota en el aire. De ello salen tres proyectos, dos de los cuales se interpretan en el NT (en 1984 y 1985), y el tercero en el Orange Arts Festival de 1985. Otra obra, "Bellworks" (1986), incluye el uso de campanas catedralicias y campanillas manuales.

En uno de sus trabajos, Hopkins colabora con el compositor Alan Lamb y los coreógrafos Beth Shelton y Trevor Patrick para un proyecto a gran escala interdisciplinar, "Sky Song", en el que se incorpora el movimiento, violoncello, voz y música producida mediante cables resonantes e instrumentos "de remolino".

Fuente: Texto de Montse Andreu en www.amazings.com

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domingo, 25 de enero de 2009

MINNIE McCOY Guitarra



Menphis Minnie McCoy (Douglas de soltera), nació en Algiers, Louisiana el 3 de julio de 1896 y murió en Memphis el 6 de Agosto de 1973. Fue, respecto a las cantantes de blues rural, lo que Bessie Smith fue respecto a las de vodevil;ninguna llegó a su altura. Era la única instrumentista importante y tocaba la guitarra con el poderoso ritmo característico de muchos músicos de Memphis.

A los ocho años ya se ganaba la vida en las calles de Memphis . Su poderosa voz tenía gran capacidad en una gama media, Y tocaba la guitarra con un fraseo muy bien formado , como puede apreciarse en su mayor éxito, "Bumble Bee" (Vocalion 1476,1930). Muchos de sus blues tocaban temas corrientes o autobiográficos: Memphis Minnie-jitis Blues (Vocalion 1588, 1930) se refería a su enfermedad. Entre sus mejores grabaciones figuran los dúos de guitarra con su primer marido, el guitarrista y mandolinista blues de Mississippi Joe McCoy, como el excepcional Let´s go to town (Vocalion 1960, 1931).

Mas tarde, se casó con el guitarrista Casey Bill Weldon, con el que grabó Joe Louis Strut (Vocalion 3046,1935). Su tercer marido, Ernest Lil Son Lawler, tambien guitarrista de blues le acompañó en Me and my Chauffeur Blues (Okeh 06288,1941). Durante 30 años vivió en Chicago donde eran famosos sus Blues Monday Parties para cantantes.

Minnie y otras cantantes de blues populares eran admiradas por sus maneras masculinas. La feminidad era sustituida por su sexualidad desafiante. Se suponía que el papel de las mujeres negras era criar a los niños y mantener unido el hogar mientras los hombres negros a menudo tenían que emigrar para conseguir trabajo , al menos por temporadas .
Fuente: GOSPEL , BLUES & JAZZ ED. MUCHNIK EDITORES SA

sábado, 24 de enero de 2009

BONNIE RAITT Guitarra



BONNIE RAITT se crió en Los Ángeles. Se interesó por primera vez por el folk en un campamento de verano, cuando tenía siete años de edad, y ese mismo año le regalaron por Navidad una guitarra. Más adelante se apasionó por el blues y abandonó la Universidad de Cambridge, Massachusetts, en 1969, para dedicarse a tocar la guitarra a tiempo completo.

Empezó a hacerse famosa ofreciendo gran cantidad de actuaciones en vivo en los clubes de folk y de blues de la zona de Boston.
En esta época aprendió muchas de sus habilidades musicales directamente de los artistas del blues, como el intérprete de guitara "slide" FRED MCDOWELL , a quien visitó en su casa de Mississippi para estudiar su técnica. Los resultados de tanta dedicación se reflejaron proto en el creciente poder y autoridad de su estilo.

En su primer disco, BONNIE RAIT (1971),se advertía intensamente la influencia del country blues y del Rythm & Blues . En este álbum intercambiaba licks de guitarra eléctrica sin esfuerzo con el gran artista de la armónica de Chicago JUNIOR WELLS. En su siguiente álbum "Give it up" (1972), dejaba oir una sinuosa guitarra acústicen "Love Me Like A Man ", mientras que en "Give It UP Or Let Me Go" ofrecía un dulce y melodioso acompañamiento con resonador.

Los demás álbumes de los años setenta resultaron no menos impactantes y presentaban gran variedad de temas, incluyendo canciones de Randy Newman y de John Prine. En 1977, cosechó un éxito moderado con una versión del "Runawyh" de DEL SHANNON , pero us sigientes discos ya no se vendieron tan bien. La carrera musical de RAITT pasó por una fase difícil a mediados de los ochenta, momento en que la artista tuvo problemas con la bebida y las drogas, a consecuencia de los cuales la discográfica acabó ddeciiendo prescindir de ella.


Sin embaro , hacia el final de la década, BONNIE RAITT ya estaba de nuevoen el estudio, colaborando en el aclamado álbum THE HEELER (1990), de JOHN LEE HOOKER y grabando un álbum propio "Nick of Time" en en 1989. Entre los temas incluidos en el álbum destaca un tema clásico compuesto por ella misma, "The Road ´s My Middle Name". El álbum fue número uno en las listas de superventas de Estados Unidos y ganó vrios premios Grammy . Posteriormente, la artista cosechó grandes éxiyos con grabaciones más recientes y finalemnte ha conseguido el reconocimiento más generalizado que desde hace tanto tiempo merecía. Además de ocar, Raitt se dedica a apoyar a varias sociedades benéficas como la Rythm & Blues Fundation , creada en 1988 para proporcionar asistencia médica y financiera a los eteranos de la música.

Fuente : GRANDES GUITARRISTAS Autores: Nick Freeth y Cliff Douse Editorial Libsa

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viernes, 23 de enero de 2009

ANA CURRA Teclados



Ana Isabel Fernández, más conocida como Ana Curra (El Escorial, 29 de diciembre de 1958), es una teclista, vocalista y compositora española de la movida madrileña.

Estudiante de primero de farmacia y quinto de piano se introduce de la mano de sus hermanos dentro del movimiento musical madrileño a finales de la década de los setenta.

Conoce a Alaska en el bar «Pentagrama» quien en 1979 cuenta para la creación del grupo Alaska y los Pegamoides para el teclado y la caja de ritmos. En este grupo conoce a Eduardo Benavente al que se une sentimentalmente.

Tras la separación de Pegamoides formó parte de Parálisis Permanente, grupo formado por su novio Eduardo Benavente, inicialmente como "artista invitada". En 1982 grabó por primera vez un maxisingle, Los celos se apoderan de mí, como voz solista ayudada por Eduardo, que tocó todos los instrumentos (aparte del teclado tocado por Ana Curra), hizo coros y colaboró en la producción. A este nuevo proyecto se le llamó Los Seres Vacíos. Una vez que Nacho Canut decidió concentrarse en Dinarama, Ana Curra se integró totalmente en Parálisis Permanente y, de hecho, compuso la mitad de los temas de El acto, primer larga duración del grupo. Con Parálisis se encumbró a lo más alto del afterpunk siniestro en España. Al fallecer Eduardo en un trágico accidente de coche, ella siguió su carrera musical con Los Seres Vacíos, grabando otros dos maxisingles en 1983 y 1984.

En 1985 reaparece en solitario como vocalista, teclista y compositora editando un EP con los temas Una noche sin ti, Volveré, Lágrimas y Lágrimas (versión instrumental) en colaboración con José Battaglio de La Frontera. En 1987 se edita el LP Volviendo a las andadas, disco con once canciones del que se extrajeron dos singles, Rien de rien y En esta tarde gris, con una casi nula promoción.

Al margen de sus discos realizó varias colaboraciones de las que se puede destacar en 1983 Negros S.A. (con Alaska y Los Nikis o como teclista dentro de los grupos El último eslabón y Vidas ejemplares. En 1989 colaboró con Alaska y Dinarama poniendo la voz en el single Quiero ser santa, canción de Parálisis Permanente que se incluyó en el álbum Fan fatal.

En 1993 abandona su retiro para colaborar en dos conciertos de homenaje a la memoria del batería Toti Árboles bajo el nombre de Los Vengadores. Esto quedó recogido al año siguiente en un CD con 7 temas en edición limitada.

En 1994 colabora en el disco Polvo de Angel del artista ya fallecido conocido como El ángel, con quien había participado en el espectáculo Entre agujas'.

Actualmente es profesora de piano en el conservatorio de El Escorial. Su amistad con Olvido Gara y los demás colegas de los tiempos de la movida es inquebrantable.
Fuente: www.wikipedia.org



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ANA CARAM Guitarra



ANA CARAM nació el 1 de octubre de 1958 en la ciudad brasileña de Sao Paulo en el seno de una familia muy musical , demostrando un gran talento para la música desde muy pequeña ,llegando a convertirse en una gran guitarrista, flautista y cantante. Se licenció en la Universidad de Sao Paulo especializándose en Composición. Actuallmente es una de las figuras más representativas de la música brasileña.

El "heroe" de la música brasileña ANTONIO CARLOS JOBIM se convirtió en su ídolo , además de amigo, y este hecho llevó a Ana Caram a especializarse en música tradicional Brasileña.

Después de recorrer todo el país con sus conciertos y de labrarse una gran reputación se fue a Finlandia y posteriormente a Nueva york. Allí conoció a Paquito D´Rivera el cual le invitó a participar con su banda en el Festival de jazz JVC en el Carnegie Hall. Allí mismo un representante se fijó en ella y le contrató para grabar su primer álbum "Rio after dark". Desde entonces ha colaborado y participado en festivales y conciertos con músicos como Al Jarreau, Stanley Clark, George Duke, Gato Barbieri, etc..

Hace versiones singulares de canciones de Antonio Carlos Jobim, Ivan Lins, Baden Powell y muchos otros en su estilo inimitable. Hasta el momento lleva grabados 9 discos y se ha ganado el respeto y la admiración de todos los aficionados y profesionales de la música brasileña.

Fuente: www.anacaram.com
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jueves, 22 de enero de 2009

HILARY HAHN Violín



Hilary Hahn (Lexington, Virginia, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1979). Violinista estadounidense, ganadora de un premio Grammy.

Niña prodigio, a los 3 años se mudó a Baltimore, Maryland donde comenzó a estudiar violín un mes antes de cumplir los 4 años, en el conservatorio Peabody. Dio su primer recital en solitario a los 9 años.

Entre 1984 y 1989 estudió con Klara Berkovich. En 1990, a los 10 años de edad, fue admitida en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, donde estudió bajo la tutela de Jascha Brodsky durante los siguientes 7 años. en 1991 hizo su debut con la Orquesta Sinfónica de Baltimore.

Su debut internacional fue en 1995, cuando interpretó junto con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera bajo la dirección de Lorin Maazel el Concierto para violín y orquesta de Beethoven.

Cumplió los requisitos para graduarse en el Curtis Institute a los 16 años, pero decidió permanecer allí algunos años más para recibir varios cursos optativos de literatura, poesía, inglés, alemán, e historia. Durante este tiempo practicó el violín con Jaime Laredo, y estudió música de cámara, contrapunto, armonía, historia de la música, y composición y dirección, aunque indicó en una entrevista que la disciplina que más le interesa es la interpretación. Se graduó en 1999.

En 1996 firmó un contrato exclusivo con Sony Classical, discográfica con la que ha grabado 5 álbumes. Tras la expiración del contrato en 2002, y debido a diferencias de criterio en sus siguientes grabaciones, Hilary decidió no renovar su contrato con Sony, para firmar en 2003 otro contrato en exclusiva con Deutsche Grammophon, compañía con la que hasta la fecha ha grabado 4 discos.

Ha recorrido el mundo entero tocando con, por nombrar algunas, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, o la Orquesta Sinfónica de Singapur. Aparte de su carrera como solista, ha participado en varios festivales de música de cámara.

Además, interpretó la parte de violín solista en la banda sonora de la película El Bosque (The Village), de M. Night Shyamalan, compuesta por James Newton Howard, y ha colaborado con la banda And You Will Know Us By The Trail Of Dead.

Hilary toca un violín Vuillaume de 1864 que perteneció al violinista ruso Samuel Lande, amigo de Klara Berkovich, y utiliza arcos fabricados por Paul Jombar y Emil Miquel.
Fuente: www. wikipedia.org


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SARAH CHANG Violín



Sarah Chang (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de diciembre de 1980) es una violinista clásica estadounidense de ascendencia coreana.

Sarah realizó una audición en la Academia Juilliard de Música cuando tenía 6 años, tocando el concierto para violín de Bruch. Fue admitida a la clase de Dorothy DeLay, maestra de violín de algunos de los más grandes violinistas del mundo como Perlman, Midori, Gil Shaham, Shlomo Mintz y muchos otros, incluyendo al padre de Chang.

Chang fue reconocida como niña prodigio desde que era muy pequeña, y cuando tenía 8 años tuvo la oportunidad de tocar para nombres tan importantes de la música como Zubin Mehta y Riccardo Muti, quienes trabajaban con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia respectivamente. A los 9 era la violinista más joven en grabar un disco. Jascha Heifetz, otro famoso niño prodigio grabó cuando tenía 11 años.

En una entrevista su maestra afirmó que ninguna persona había visto nunca "algo como ella"

Yehudi Menuhin la llamó "la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que he escuchado".
Discografía
1992 Debut
1993 Johannes Brahms; Tschaikowsky
1996 Édouard Lalo; Vieuxtemps
1997 Simply Sarah
1998 Jean Sibelius; Mendelsohn-Barholdy
1999 Sweet Sorrow
2000 Karl Goldmark; Orcesta Gürzenich (James Conlon)
2001 Fire and Ice
2002 Antonín Dvořák, P. Tschaikowsky
2003 Classical Legends (compilación)
2004 Sonatas Francesas (Lars Vogt)
2004 Ralph Vaughan Williams: Sinfonies; El remontar de la alondra (The Lark Ascending) (Bernard Haitink)
2005 Andrew Lloyd Webber: Phantasie/Woman in White
2006 Dmitri Shostakovich
2007 Antonio Vivaldi
Fuente: www.wikipedia.org

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miércoles, 21 de enero de 2009

ANNIE WHITEHEAD Trombón



Annie Whitehead nació en Oldham, Lancashire, la ciudad por excelencia de la música de banda del inglaterra, (un símil de lo que es Valencia para España). Aprendió trombón en la escuela y a los catorce años ya tocaba con bandas, grupos de danza locales y en la Orchestra Juvenil de Jazz de Manchester. A los dieciséis, comenzó su carrera profesional con Ivy Benson en la legendaria orquesta femenina, y pasó los próximos dos años tocando con la banda de gira por Europa durante el verano. Se instaló por un tiempo en Jersey, donde, inspirada por la música de Miles Davis, Charlie Mingus y Wayne Henderson, comenzó a desarrollar su propio estilo.

Al llegar a Londres a finales de los años setenta, Annie trabajó con muchos artistas famosos incluyendo Joan Armatrading, Chris Rea, Bill Wyman, Elvis Costello, Carlene Carter, Paul Weller, Jerry Dammers, Amazulu, The Comunards y Bananarama. Hizo varias giras con Fun Boy Three, Joe Jackson and Jah Wobb. También fue miembro fundador de la Working Week. A comienzos de los años ochenta había logrado una gran reputación como trombonista en el reggae británico y en la música africana, latina , Salsa, Jazz y Pop .

Participa cada vez más en la escena de jazz de Londres, incorporándose a orquesta como las bandas femeninas The Guest Stars y The Lydia D'Ustebyn Orchestra, también toco con Paul Rogers, la orquesta de Charlie Watts y con las vocalistas Maggie Nichols, Jan Ponsford y Carol Grimes.

Inició una gran relación musical con el batería John Stevens Ellos trabajaron juntos en una serie de bandas incluidas Folkus, Freebop y Fast Colour, una banda que figura el trompetista Harry Beckett, los saxofonistas Evan Parker y Dudu Pukwana.


En 1984 formó su propia banda y editó su primer CD con temas compuestos por ella . Tiene una música muy original con mezclas de pop, jazz y música étnica africana y ha tocado en muchos paises del mundo con su propio grupo.

Su mayor éxito le llegó al incorporarse a la banda "Pengüin Café Orchestra", con la que grabó 3 discos y se fue de gira por todo el mundo.

. En los últimos años también ha grabado con Paul Dunmall Octeto (con Keith Tippett y Tony Levin), de Elton Dean Newscene (junto con el legendario trombonistas Roswell Rudd y Paul Rutherford), y Gary Crosby's Jazz Jamaica. También ha trabajado formando parte de la sección de viento con The Kick Horns, Gabrielle, The Spice Girls, Blur, Boyzone, Eddie Reader, Sleeper and Dr John.
Más recientemente, ella escribió la música para una nueva obra de Glyn Maxwell, Anyroad que se estrenó en el Teatro Bridewell, en Londres, en febrero de 2000.

De nuevo retomó su propia banda y participa en Festivales de Jazz por el Reino Unido. En 1996 lanzó un disco llamado "Nacked" con muy buena aceptación pr la crítica y en 1999 publicó el siguiente álbum llamado "Home".

Actualmente sigue trabajando para otros artistas y también con su propia banda, además de hacer arreglos y composiciones para el teatro y la televisión inglesa.

Fuente: www.earthmusic.com

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SUSANNA MÄLKKI Directora, Violonchelo



SUSANNA MÄLKKI nació en Helsinki, realizó una exitosa carrera como violonchelista antes de estudia dirección de orquesta con Jorma Panula, Eri Klas y Leif Segerstam en la Academia Sibelius

La directora finlandesa ha dirigido entre otras orquestas a la Filarmónica de Rotterdam, la Orquesta de la Ciudad de Birmingham, la Orquesta de la Radiodifusión Alemana en Colonia, la Filarmónica de Oslo, la Orquesta Hallé, la Sinfónica de la Radio Finlandesa, la orquesta de la BBC de Londres y la Sinfónica de Berlín, entre otras.

La temporada 2006-2007 además de ser su primera temporada con el Ensamble Interconteporain, incluye su debut con las sinfónicas de Bamberg, Nueva Zelanda y Sain Louis, así como el estreno de la nueva obra de Kaija Saariaho "La pasión de Simone", con el Klangforum de Viena.
Fuente: www.mundohispano.com

ADINA IZARRA Composición




ADINA IZARRA es una compositora Venezolana nacida en Caracas.
Estudió composición con el Maestro Alfredo del Mónaco, en Caracas y en Inglaterra con el compositor inglés Vic Hoyland, donde obtuvo su PhD en Composición.

Adina Izarra vive en Caracas y enseña en la Universidad Simón Bolívar, donde es actualmente Coordinadora de la Maestría en Música de la Universidad Simón Bolívar

Ha representado a Venezuela cuatro veces en los días internacionales de la música de la ISCM (International Society for Contemporary Music) con: "Pitangus Sulphuratus" en Oslo, Noruega, 1990, "VOJM" para voz y electrónicos, en Seúl, Corea 1997, "Retratos de Macondo" en Rumania, 1999. Fue aquí donde fue elegida Miembro del Comité Ejecutivo de dicha Asociación para el período 1999-2001. Y más recientemente "Estudio sobre la cadencia Landini" para piano solo en los días mundiales de la música 2003 en Ljubljana.

Ha escrito para artistas Venezolanos como Rubén Riera, Marisela González, Luis Julio Toro y Elena Riú, e Internacionales como Manuela Wiesler, la Orquesta de Cámara de Uppsala, Suecia, 1999 ; El Ensemble Neos de México DF, (Festival Cervantino, 1998 y Foro Internacional de Música Contemporánea 1997, 1998), quienes han incluido sus obras en sus recitales, discos y giras nacionales e internacionales.

En el año 2002 Adina fue elegida miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte.
Fuente: www.musica.coord.usb.ve

lunes, 19 de enero de 2009

JOSEFINA ROBLEDO GALLEGO Guitarra



La alumna valenciana del maestro TÁRREGA que alcanzará mayor notoriedad, y una de sus discípulas más queridas, será JOSEFINA ROBLEDO (Valencia, 1897-1972), a la que empezó a instruir en 1904 en Valencia y en las visitas que la pequeña aprendiz realizaba a Barcelona, acompañada de sus padres, amigos íntimos del Maestro. El propio TÁRREGA presentará a su joven alumna en su primer concierto en el Conservatorio de Valencia en 1907, cuando contaba con apenas 10 años.
Pronto, su carrera como concertista le llevará a distintas ciudades españolas, en las que despertará la admiración de público y crítica, y en 1912, dará el salto a Sudamérica, actuando en Argentina, país al que regresará en 1915, en una gira que incluyó también actuaciones en Uruguay, Paraguay y Brasil. Con sólo 18 años, la joven guitarrista decide entonces asentarse y trabajar como profesora del instrumento en la ciudad brasileña de Sao Paulo y después en Río de Janeiro, convirtiéndose en la principal divulgadora de la escuela Tárrega en Brasil. De hecho, Josefina Robledo conservó siempre los ejercicios personales que le preparaba su Maestro y uno de sus alumnos en Brasil, OSVALDO SOARES (1884-1966), publicará en 1932 un tratado de guitarra con el título de "Escuela de Tárrega".
En 1923, la guitarrista valenciana regresa a Argentina, dando clases en el Conservatorio de la Plata durante unos meses, pero enseguida volverá de manera definitiva a España. A partir de entonces, ofrecerá algunos conciertos en el país y en Europa, pero reducirá sus actuaciones tras casarse en 1927, destacando su presencia en los homenajes a TÁRREGA celebrados en 1952 en Villarreal y en 1959 en Valencia. Aunque JOSEFINA ROBLEDO no compuso muchas obras, si realizó bastantes transcripciones de autores clásicos y fue la primera guitarrista española de sexo femenino en triunfar internacionalmente.
Fuente: I. Ramos Altamira, Historia de la Guitarra y los Guitarristas Españoles, Ed. Club Universitario

MONTSERRAT CAMPMANY Piano, Violonchelo



MONTSERRAT CAMPMANY,(Barcelona, (1915); - Buenos Aires, (1990).

Pianista, violoncelista, cantante y compositora. Cursó sus estudios musicales en Buenos Aires, para después trasladarse a Barcelona, en donde se especializó con los profesores Juan Llongueras y Badía, Blanca Selva y Juan Massiá. Estudió piano con el gran argentino Julián Aguirre (Buenos Aires, 1869), violoncelo con el argentino Alberto Schiuma (Buenos Aires, 1891, hermano del compositor italiano Alfredo Schiuma), composición con el porteño Constantino Gaito (1878, hijo de Gaetano Gaito, violinista y director de orquesta napolitano) y canto con Guido Capocci.

Se desempeñó en la enseñanza musical, ejerciendo el cargo de profesora en la Escuela Normal Nº 1. Fue miembro activo de la Asociación Argentina de Compositores de Música. Ingresó a la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) el 09-12-1949. Produjo música de cámara, como "Quinteto para violín en tres movimientos", "Cuarteto para Saxofón", tríos y dúos; sobresalió en la música sinfónica con "Danza India", "La Guspira" y el Poema Sinfónico "Visión Sinfónica"; compuso "lieder" para canto y piano, entre ellos "Carita de cielo" y "Canto de amor", esta última obra publicada en Buenos Aires por la Editorial Ricordi; escribió numerosos coros a capella y diversas obras infantiles.

En 1983 el meticuloso húngaro Ladislao Kurucz la consignó viviendo en una casa de la calle Cucha Cucha y la Avenida Rivadavia, centro geográfico de la ciudad donde se halla el porteño Barrio del Caballito, donde más de un prestigioso músico catalán supo habitar.

Fuente: wwww.aportes.catalunyatango.com

LEA BACH DE LLOBERA Arpa, Composición



LEA BACH DE LLOBERA,(París, 1893; - Buenos Aires, ¿?)
Concertista de arpa, transcriptora y compositora. Inexorables contingencias de la vida la llevaron de la mano de sus progenitores a Barcelona, donde ingresó al Conservatorio de Isabel II contando tan sólo con siete años de edad pero conociendo ya la teoría musical y el solfeo, aprendidos de su esclarecida madre.

En 1905 recibió el título de profesora de arpa, conferido con distinción honorífica, lo que entonces significaba la más alta honra que en aquel Instituto Musical se otorgaba a los alumnos. Luego de ardua y sobresaliente prueba, consiguió ser admitida en las clases de perfeccionamiento que en el Conservatorio de París impartiera Alfonso Hasselmans, un gran Maestro, obteniendo poco tiempo después de su ingreso el primer puesto en la clase y el afecto y admiración de su viejo profesor. En 1907 se le confirió el primer premio junto a su título de profesora superior, y a partir de entonces comenzó a cosechar lauros incesantemente tanto en Londres como en París, seduciendo con su arte a la misma aristocracia, hasta el punto de que el rey Eduardo VII (1841; 1910), de ilustre memoria como su madre, la reina Victoria I (1819; 1901), le concedió audiencia en palacio, en donde la congratuló vivamente, rogándole ser incluído entre sus admiradores más devotos.

Su producción autoral no es extensa, porque todo el esfuerzo de su vida fue puesto en el estudio, el análisis, la investigación y el perfeccionamiento de su amado instrumento, al cual quiso llevar al grado de la excelencia. Realizó algunas transcripciones de las obras de sus compositores preferidos: entre los garndes alemanes Juan Sebastián Bach (1685; 1750), un concierto para arpa y orquesta de cuerda; Cristóbal Willibald Gluck (1714; 1787), tres gavotas; Ludwig van Beethoven (1770; 1827), sonata pastoral; Ricardo Wagner (1813; 1883), marcha del "Crepúsculo de los Dioses"; del inspirado francés Juan Felipe Rameau (1683; 1764), Gavotte y Gigue, y del ilustre polaco Federico Chopin (1810; 1849) un estudio, un vals y un nocturno. Entre sus composiciones originales se cuentan "Seis estudios para arpa" y "Marcha de los Príncipes", composición esta última dedicada a Luis Felipe de Borbón, en cuyo palacio de París dio dos conciertos.

Fuente:www.aportes.catalunyatango.com

CLOTILDE CERDÁ Arpa




Clotilde Cerdà y Bosch (Barcelona 1852 - Santa Cruz de Tenerife 1926) fue una concertista de arpa, con el seudónimo de Esmeralda Cervantes. Era hija del ingeniero Ildefons Cerdà i Sunyer y de la pintora Clotilde Bosch. Su madre la envió a Roma a estudiar pintura con Marià Fortuny, pero se decantó por la música y recorrió todo el mundo como concertista con gran éxito.
Debutó en el Teatro Imperial de Viena en 1873 y fue alabada tanto por Víctor Hugo, quien la bautizó como «Esmeralda (como la heroína de su obra más representada) Cervantes (por el escritor español)», así como por Richard Wagner.

EL 1875 fue a América y actuó en Buenos Aires, en la corte del emperador del Brasil y Ciudad de México. Cuando en 1885 volvió a Barcelona, puso en marcha con la doctora Dolors Aleu i Riera una institución educativa femenina de alto nivel, la Academia para la Ilustración de la Mujer. En 1887 viajó hasta Constantinopla, contratada como profesora de arpa en el harén del sultán del Imperio Otomano. Finalmente, se retiró a vivir en las Islas Canarias, donde murió.
Fuente: www.wikipedia.org

MATILDE SALVADOR Composición



Matilde Salvador i Segarra (Castellón de la Plana, 1918 - Valencia, 5 de octubre de 2007) fue una compositora y pintora valenciana. Fue una de las figuras más representativas de la música y la cultura de la Comunidad Valenciana, y, entre otros premios, recibió la medalla de la Universidad de Valencia el año 2001.

Hija del violinista Josep Salvador i Ferrer y hermana de la violinista Josefina Salvador. Estudió con su padre, su tía Joaquima Segarra, pianista de renombre, y posteriormente con el compositor Vicente Asencio (1908-1979), que más tarde sería su esposo.

Como compositora destacó en el ámbito de la canción, habiendo musicado poemas de Bernat Artola Tomás, Xavier Casp, Salvador Espriu, Miquel Costa i Llobera, etc., dando muestras de una notable inspiración melódica.

Entre su producción sinfónica destacan los balets El segoviano esquivo (1953) y El sortilegio de la luna, de 1954. También es autora de las óperas La filla del Rei Barbut (1943, estrenada en Castellón de la Plana), basada en Tombatossals de Josep Pasqual Tirado, y Vinatea, que recrea un episodio de la Crónica de Pedro el Ceremonioso, con texto de Xavier Casp. Ésta última es la única ópera estrenada por una mujer en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona; el estreno tuvo lugar el año 1974.

Compuso también música religiosa como Missa de Lledó, en honor a la Mare de Déu del Lledó, patrona de la ciudad de Castellón de Plana, y la Missa de Perot, así como cantata Les Hores.

Desarrolló una relación afectiva especial con la cultura del Alguer habiendo dedicado diversas obras a esta ciudad sarda de habla catalana.

Tanto Matilde Salvador como su esposo siguen en un principio la línea estética del último Manuel de Falla, es decir, el neoclasicismo de El Retablo de Maese Pedro y el Concierto para clavecín, influencia que es particularmente evidente, en el caso de M. Salvador, en su ópera La filla del Rei Barbut. A pesar de existir una comunidad estética, cada miembro del matrimonio tuvo su línea personal.
"La condición de ser mujer y haber nacido en Castellón han marcado mi vida y mi obra. No se comprende mi producción musical y pictórica sin estos lazos".[

Fuente y más información en . www.wikipedia.org

EMILIANA DE ZUBELDIA Composición, Piano



Emiliana de Zubeldía nació en Navarra, en 1888 y murió en Méjico en 1987. Con 15 años, partió a Madrid para realizar pruebas de acceso al Conservatorio. El 26 de septiembre de 1906 ingresó finalmente al Conservatorio de Música y Declamación de Madrid, con sobresaliente.

A sus 17 años, Emiliana se fue a Paris y se inscribió en el histórico edificio de la Schola Cantorum de esa importante urbe, bajo la dirección del Vincent d’Indy. Por la Schola desfilaron las más grandes figuras del mundo musical: Albert Roussel, Erik Satie, Isaac Albeniz, Deodato de Severac, Magnard, Vierne, Koechlin, Turina, Messiaen, Milhaud.

Emiliana, reconocía haber tenido los mejores maestros del mundo de esa época y humildemente decía: “Sin ellos no hubiera sido… bueno, yo no soy una maravilla, de ninguna manera, pero hubiera sido una bruta. Debo decirlo, yo les debo todo a ellos. Me tuvieron paciencia. Por supuesto que yo también era una caprichosa y amiga de hacer mis ideas, y me enseñaron a respetar las otras… y las respeto”. En la Schola Cantorum completó su formación musical con el estudio del órgano, violín, el canto, la dirección coral y orquestal. Comenzó a realizar sus primeras composiciones: un cuaderno de melodías españolas y vascas, otro de armonizaciones de melodías populares japonesas, piezas para violoncello y piano.

El París que vivió Emiliana en los años veinte recogía ya los frutos del movimiento innovador de la primera década. Había muerto Debussy, pero Ravel y Stravinski continuaban produciendo conciertos, óperas y obras para los Ballets Rusos de Diaghilev, a los que se unió Emiliana como pianista de ensayos.

En 1927 ofreció un concierto de música española con la primera soprano del Teatro Real de Madrid, Pepita Sanz. Comenzó a dar conciertos por Bélgica, Suiza, Alemania, Italia e Inglaterra.

Después de París se fue a vivir a Rio de janeiro , Sao Paulo y Montevideo. En Uruguay nació su afición por los poetas latinoamericanos. Allí conoció a Luis de la Maza, espléndido guitarrista y entusiasta intérprete de la obra musical de la pianista vasca. Para él compuso Emiliana, en abril de ese mismo año, un Capricho basko, para guitarra sola, a ritmo de zortziko. Entabló amistad con los más importantes poetas de América como Alfonso Reyes (1889-1959), embajador de México en Argentina, de quien musicalizó para voz y piano La amenaza de la flor, lo mismo con Carlos López Rocha, poeta argentino. Rosario Sansores y Gabriela Mistral conquistaron su afecto a través de sus poemas. La mistral le proporcionó poesías infantiles inéditas para una Berceuse, La manca y el Papagayo.

En 1930, se fue a Nueva York y se alojó en el Club de la American Women Association (AWA Club) que albergaba a 10,000 mujeres activas en los E.U., muchas de ellas extranjeras. Su registro se hizo bajo el nombre de Miss Emiliana de Zubeldía y a partir de entonces Emiliana sería para todos “MISS ZUBELDIA” .
En Nueva York conoció a Augusto Novaro (México 1891-1960), investigador infatigable de los principios acústicos que, a su juicio, debían constituir la base científica del arte musical, de la armonía clásica, de la afinación y sonoridad de los instrumentos musicales. Su tesis partía de la premisa de que no existía en la música occidental una base satisfactoria y seria para formar los acordes. Emiliana quedó impresionada por la facilidad con que el maestro explicaba aquella tremenda complejidad de “sencilleces” aglomeradas en su teoría, y se dedicó en cuerpo y alma a estudiarla a partir de ese momento. Antes de finalizar un año ya había armonizado una serie de danzas vascas a dos pianos aplicando la “Teoría de Novaro”. Tras varios viajes por otros paises se instaló definitivamente en México con la familia del Maestro Novaro.

Un accidente automovilístico provocó en Emiliana de Zubeldía una lesión que debió afectar algunos nervios o ligamentos y le dejaron secuelas en un brazo y un dedo . Este hecho no le impidió seguir creando y tocando.

En 1939 muere su hermana Eladia y Emiliana compuso la sinfonía Elegíaca a su memoria estrenándose en agosto de 1956 por la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional Autónoma de México bajo la dirección del maestro José Vázquez, obteniendo el Premio Nacional de Composición del año.

En el año de 1963 el Doctor Moisés Canale, rector de la Universidad de Sonora, galardona a Emiliana de Zubeldía al cumplir 15 años de docencia en la Institución.


Emiliana de Zubeldía fue una mujer disciplinada que luchó por sus ideales en una época difícil y logró destacar obteniendo reconocimientos tanto nacionales como internacionales con una basta herencia musical, pero la herencia más importante de Emiliana de Zubeldía, la poseen los millares de discípulos que recibieron, a través de sus lecciones de música el influjo de su espíritu indomable, vigoroso, tenaz en la búsqueda de verdades y valores eternos; de su fe en el trabajo, el esfuerzo, el crecimiento personal y la generosidad; de su amor a la humanidad, a la naturaleza universal y, muy particularmente, a la música, su inseparable compañera.

Fuente y más información www.emilianadezubeldia.com


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BARBARA STROZZI Composición



BÁRBARA STROZZI (también llamada BÁRBARA VALLE ) (Venecia, 6 de agosto de 1619 — Padua, 11 de noviembre de 1677) fue una compositora y cantante italiana del Barroco.

Barbara fue la hija adoptada y posiblemente ilegítima de Giulio Strozzi. Giulio la incorporó en sus series de grupos de discusión, particularmente la "Academia de los unísonos", donde fue invitada a cantar y también a participar en los grupos de discusión.

Estudió con el compositor Francesco Cavalli. Luego de la muerte de su padre, es probable que haya tenido que sobrevivir gracias a su trabajo de composición musical. En este aspecto tuvo importantes mecenas, a quienes dedicó varias de sus obras, entre ellos Fernando II de Austria y Sofía, Duquesa de Brunswick y Lüneburg.

La gran mayoría de sus trabajos son obras para soprano solista y bajo continuo, por lo que es posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella misma. Su música está profundamente arraigada en la técnica denominada "segunda práctica", cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. Sin embargo, sus trabajos presentan mayor énfasis lírico, basados posiblemente en la extensión de su propia voz. Muchas de las letras de sus piezas fueron escritas por su padre Giulio. Strozzi escribió arias, cantatas dramáticas, madrigales y duetos. Publicó ocho volúmenes de obras, incluyendo más cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII.

Fuente: www.wikipedia.org

viernes, 16 de enero de 2009

MAYBELLE CARTER Guitarra, Autoarpa



Maybelle Addington nació en Nickelsville, en el sudeste de Virginia. De niña solía cantar y tocar la guitarra, el banjo y la autoarpa con amistades y miembros de su familia, entre los que se incluía su prima Sara Dougherty, que, en 1915, se casó con Alvin Pleasant Carter, un vendedor de árboles frutales y cantante a tiempo parcial de la cercana Maces Spring.
Once años después, la pareja formó un trío con Maybelle, después de que ésta se casara con el hermano de A.P. Carter, Ezra (que no era músico). En 1927, el nuevo grupo, en el cual los tres Carter hacían voces, Maybelle tocabala guitarra y Sara la autoarpa y en ocasiones también una segunda guitarra, viajaron a Tennesse con la esperanza de conseguir un contrato de grabación.

The Carter Family hizo sus primeras grabaciones en Bristol, Tennesse, el 1 de agosto de 1927, durante una audición para Victor Records, y poco después les ofrecieron el contrato con el que soñaban. Estas primeras sesiones de grabación dieron lugar a varios cortes que acabarían convirtiéndose en verdaderos clásicos del country, como por ejemplo "Wilwood Flower" y "Keep on the Sunny Side". El trío llegó a grabar más de 300 canciones , entre las que se incluían temas tradicionales, baladas sentimentales y gospels. El estilo de la familia Carter varió poco a lo largo de toda su carrera, y los sonidos que Maybelle extraía de su guitarra eran el alma del grupo. Tocaba una Gibson L-5 Archtop, con frecuencia medio tono por debajo de lo normal, y utilizaba el pulgar de su mano derecha para puntear la melodía en las cuerdas graves y los demás dedos para rasguear los acordes de tiple en las notas agudas. Esta técnica, denominada thomb-brush , aportaba variedad e impulso rítmico a la característica armonía vocal del grupo, y llegó a ser tan copiada que con el tiempo empezó a conocérsela como "Carter Picking" . Aunque en la actualidad se la recuerda como guitarrista, Maybelle era una estupenda cantante y cantaba en armonía con su prima, que era la voz principal. Alvin Pleasant Carter, poseedor de una suave voz de barítono , aportaba en ocasiones una tercera armonía.

La reputación del trío creció como la espuma a resultas de sus grabaciones y apariciones en programas de radio, y los tres siguieron trabajando juntos hasta el año 1943 , momento en que Sara decidió retirarse. Más tarde, Maybelle formó un nuevo grupo con sus tres hijas, Anita , Helen y June. Durante toda la década de los cincuenta aparecieron con regularidad en la Grand Ole Opry de Nashville, acompañadas por el joven Chet Atkins, antes de incorporarse al espectáculo de Johnny Cash en 1961. Ese mismo año, Maybelle grabó un álbum con antiguas canciones de la familia Carter, junto con el guitarrista Lester Flatt y el banjista Earl Scruggs. Cash, que se casó con June Carter siete años después, describió a su nueva suegra como "uno de los instrumentistas que más han influido en la música contry".

En 1972 , Maybelle fue uno de los numerosos y distinguidos intérpretes que participarton como invitados en el triple álbum de la Nitty Gritty Dirt Band Will The Circle Be Unbroken. En el tema que daba título al triple álbum, Maybelle cantaba como vocalista y de hecho era una antigua canción de la Carter Family. Maybelle continuó actuando hasta su muerte, que se produjo en Nashville el 23 de octubre de 1978.

Fuente: Grandes Guitarristas Nick Freeth/Cliff Douse Editorial LIBSA
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INGRID JENSEN Trompeta




Nacida en Vancouver, INGRID JENSEN captó con su sonido la atención de uno de los grandes de la trompeta, Clark Terry, quien se volvió su protector. La experiencia fue sorprendente porque era uno de sus héroes, dice en entrevista. “Me impresionó por su habilidad de no verme como una chava blanca de Canadá sino como alguien que hace música. Siempre me apoyó mucho, era muy amable y gracioso conmigo. Es difícil verlo ahora porque creo que vive en Nebraska, pues deben cuidar mucho de él porque es muy frágil –tiene 88 años–. Pero por supuesto que lo veo cada vez que toca en Nueva York, donde vivo”.

Cuenta que también pudo relacionarse con otros músicos importantes durante su estancia en Europa, donde fue luego de estudiar en el Berklee College of Music. “Pude estar cerca de Art Farmer, quien me apoyó mucho, lo mismo que Clark Terry o Enrie Wilkins, actual director de la banda de Count Basie. Todos ellos me impulsaron a tocar. Creo que me hicieron darme cuenta que la música es mucho más que lo que algunas veces los medios quieren hacer ver. Esa fue una gran lección de humanidad”.

Todavía hace algunos años ser mujer trompetista le trajo algunos problemas en Nueva York, por lo que Jensen decidió irse a Europa. Ahora que ha vuelto a radicar en Nueva York siente que las cosas han cambiado, aunque no radicalmente. “Estamos llegando, lentamente –dice riendo–. Cada vez que leo revistas como Down Beat o JazzTimes veo que en las listas de la mayoría de los festivales y la gente que recibe cobertura de los medios son hombres. Si son mujeres es porque usualmente son cantantes o pianistas. Creo que todavía falta mucho por recorrer y mucho de eso tiene que ver con la percepción pública de las cosas, desde el punto de vista de escuchar en lugar de ver. Vivimos en un mundo muy visual. Las cosas no han cambiado mucho”.

Sin embargo, su autoridad como líder de sus grupos no es cuestionada por ser mujer. “Puedo contratar a la gente que quiere tocar conmigo porque les gusta cómo lo hago, así que no hay jaladas en ese sentido, las cosas son bastante directas y tienen que ver con la música. Diría que uno de mis retos es conseguir conciertos donde tenga mayor exposición, agentes que me apoyen más. Creo que la gente todavía juega los juegos seguros en cuestiones como ésta –contratar grupos liderados por mujeres–, así que sólo es cuestión de perseverar, ser paciente, seguir escribiendo y tocando con la gente que me gusta tocar”.
Fuente: www.milenio.com


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PAQUITA BERNARDO Bandoneón




Paquita Bernardo nació en Bs. As. barriada de Villa Crespo, el 1 de Mayo de 1900. Fue la primera ejecutante femenina del bandoneón que alcanzó trascendencia artística y actuación profesional destacada. Los maestros Maffia, Garcia y Servidio le impartieron los conocimientos fundamentales; pero fue autodidacta en su perfeccionamiento.

Insólita por lo juvenil, insólita porque no tocaba el piano sino el bandoneón, insólita porque osó ponerse al frente de una orquesta, en la calle Corrientes y en un café.
Paquita Bernardo es el más claro ejemplo, en Buenos Aires, de un fenómeno universal: la rebelión mujeril post gran guerra. Las mujeres se cortaron el pelo y se acortaron las polleras. Las mujeres de las ciudades salieron a la calle a trabajar. Así expresamente "salieron a la calle". Porque antes trabajaban adentro de sus casas o de la casa del patrón de turno. Hilando, tejiendo y cosiendo se ganaron siempre la vida las mujeres, cuando no salían a ganarse la vida, cuando no salían a la calle, pero igual mantenían el hogar.
Mujer de esa época y de ese temple fue Paquita Bernardo, el primero y único bandoneón femenino profesional.
En 1921 se presento al frente de su orquesta en el Bar Domínguez, con Elvino Vardaro y Alcides Palavecino (violines), Osvaldo Pugliese (piano), Miguel Loduca (flauta) y Arturo Bernardo (batería). En 1923 realizó una prolongada y exitosa labor en Montevideo.
Paquita actuó en el teatro Smart, en el fin de fiesta de la compañía de Blanca Podestá; realizó una exitosa temporada en Montevideo, presentándose en una confitería de la avenida 18 de Julio y otra del Rosedal. En homenaje a la ciudad compuso su vals Cerro divino. En 1923, en la Gran Fiesta del Tango organizada por la sociedad de compositores en el Teatro Coliseo, fue Paquita Bernardo la única mujer entre cien músicos que improvisaron una descomunal orquesta. Sus composiciones tuvieron repercusión: Floreal se lo grabó Juan Carlos Cobián; Soñando con versos de Eugenio Cárdenas y "La enmascarada" con versos de Francisco García Giménez, los cantó Gardel. La muerte de Paquita Bernardo, en Buenos Aires el 14 de abril de 1925, a la prematura edad de 25 años provocó una manifestación de duelo tan multitudinaria como la de sus presentaciones.

Fuente: www.geocities.com

MONTSERRAT TORRENT Órgano



Montserrat Torrent i Serra nació en Barcelona en 1926. A los seis años empezó los estudios de piano con su madre, discípula de Enrique Granados. Acabada la guerra civil, ingresó en la Escuela Municipal de Música. Al finalizar sus estudios de piano descubrió que, a partir de aquel momento, su instrumento musical predilecto sería el órgano. Después recibió clases de la profesora Noéli Pierront, en París. Cuando volvió en Barcelona se dedicó a la recuperación de órganos antiguos, junto a Gabriel Blancafort.

Su actividad pedagógica empezó el año 1956 en calidad de profesora de órgano en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona. Desde 1991 es catedrática emérita. Entre sus discípulos están casi todos los catedráticos y profesores de órgano del Estado español.

Montserrat Torrent ha actuado en todo el mundo como concertista, y lo ha hecho tanto en calidad de solista como con grandes orquestas. En el transcurso de su vida, su tarea profesional se ha visto reconocida con numerosos premios y distinciones, desde el Grand Prix du Disque, de la Academia Charles Cross, de París (1965) hasta la Medalla Honorífica del Real Conservatorio de Música de Madrid, pasando por el Premio Nacional de Música de la Generalitat.
Fuente: www.uab.es



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MADDALENA CASULANA Laúd, Composición



Maddalena Casulana (c.1544 - †1590) fue una compositora italiana, intéprete de laúd y cantante del Renacimiento tardío. Fue la primera mujer compositora que tuvo música impresa y publicada en la historia de la música occidental.

Se conoce muy poco de su vida fuera de lo que puede inferirse de las dedicatorias y escritos en sus colecciones de madrigales . Posiblemente nació en Casola d'Elsa , cerca de Siena, en coherencia con su apellido. Su primer trabajo data de 1566; cuatro madrigales en una colección titulada "Il Desiderio" (El deseo), que escribió en Florencia.
Dos años después publicó en Venecia su primer libro de madrigales a cuatro voces, "Il primo libro di madrigali", que constituye el primer trabajo musical publicado por una mujer en la historia de la música occidental. También ese año, Orlando Di Lasso dirigió una de sus composiciones en la corte de Albrecht de Baviera en Munich, aunque esta música no ha sobrevivido.

Existen evidencias de que conoció a Isabel de Medicis, a quien dedicó algunas de sus obras. En 1570, 1583 y 1586 publicó otros libros de madrigales, todos en Venecia. En algún momento de este período se casó con un hombre llamado Mezari, pero no conocemos ninguna otra información acerca de él, o dónde ella o ellos vivían. Con base en información proveniente de las dedicatorias de sus obras, se sabe que visitó Verona, Milán y Florencia, y que obviamente estuvo en Venecia, donde gran parte de su obra fue publicada, y donde los ciudadanos comentaban sus habilidades.

La siguiente cita en la dedicatoria de su primer libro de madrigales, a Isabel de Médicis, muestra sus sentimientos acerca de lo raro que era ser en su época una compositora mujer:

"Deseo mostrar al mundo, tanto como pueda en esta profesión musical, la errónea vanidad de que sólo los hombres poseen los dones del arte y el intelecto, y de que estos dones nunca son dados a las mujeres"

Su estilo musical es moderadamente contrapuntístico y cromático, con reminiscencias de los primeros trabajos de Luca Marenzio, así como de varios madrigales de Philippe de Monte, pero evita la extrema experimentación propia de los compositores de la escuela de Ferrara como Luzzaschi y Gesualdo. Sus líneas melódicas son cantábiles y cuidadosamente respetuosas del texto. Otros compositores de la época, como Philippe de Monte, tenían alta opinión de ella; que Lassus condujera un trabajo de ella en una boda en Baviera, sugiere que también estaba impresionado por su habilidad. Sobreviven 66 madrigales de Casulana.
Fuente. www.wikipedia.org

ALICE COLTRANE Piano, Arpa



Alice Coltrane (1937 - 2007), fue una pianista de jazz estadounidense y arpista. Nació el 27 de agosto de 1937 en Detroit en una familia de tradición musical. Su nombre de soltera es Alice McLeod.

A los 7 años empezó a tocar el piano. Más tarde actuó en iglesias y salas de espectáculos. Se fue a París a estudiar y cuando terminó la carrera se mudó a Nueva York donde conoció a su marido John Coltrane donde entró a formar parte del cuarteto de Terry Gibbs. A los 30 años se queda viuda.

En los años 70 se interesa por las religiones orientales viajando a la India y convirtiéndose a la religión hinduista. Adoptó el nombre en sánscrito de Turiyasangitananda.

A la vuelta a California se convirtió en líder espiritual de varias comunidades religiosas.Su última aparición en público fue tocando con su hijo saxofonista Ravi.

Es reconocida por introducir el arpa en las bandas de jazz.
Falleció el 12 de enero de 2007 a los 69 años de edad.

Fuente: www.wikipedia.org
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ALI RYERSON Flauta



Esta fina flautista neoyorkina orientada al bop, ALI RYERSON , es la hija del guitarrista ART RYERSON. Comenzó en la flauta a la edad de ocho años, obteniendo una extensa formación clásica y graduándose por el Hartt College y por la universidad de Hartford. Sin embargo, Ryerson desarrolló un fuerte interés por el jazz y ha mantenido una versátil carrera, tocando clásica y jazz. Ryerson pasó tres años realizando trabajos independientes en Bélgica y después como músico de estudio en Nueva York. Trabajó con Art Farmer, Lou Donaldson, Maxine Sullivan, y Stephane Grappelli, entre otros, y ha registrado dos obras como líder para la etiqueta Red Baron de Bob Thiele y otras excelentes para Concord.

Más recientemente ha realizado dos obras interpretadas a dúo con el guitarrista Joe Beck para el sello DMP. Posteriormente, en el 2003, realizó con su admirado Frank West y Holly Hoffmann la obra titulada "Flutology".

Su actividad la reparte en Festivales de Europa, Canadá, Japón, Africa y América. Es miembro de la Asociación de Flautistas a la que también pertenece Paul Horn, y participa en multitud de seminarios y realiza una extensa labor pedagógica impartiendo clases magistrales en numerosas Universidades y escuelas.

Fuente:www.jazz59.com


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