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miércoles, 25 de febrero de 2009

ANA VIDOVIC Guitarra





Ana Vidovic es un joven talento que brilla con sus dones formidables que le auguran una gran carrera internacional.
A los 23 años de edad, ella ya había ganado un número impresionante de premios y competiciones internacionales por el mundo. Estos incluyen los primeros premios en la competición Internacional Albert Agustine en Bath, Inglaterra, la competición Fernando Sor en Roma, Italia y la competición Francisco Tarrega en Benicasim, España. Otros importantísimos premios incluyen la competición Eurovisión para jóvenes artistas, la competición Mauro Giuliani en Italia, el Printemps de la Guitare en Bélgica y el Concierto Internacional Jóvenes Artistas en Nueva York.
Igualmente impresionante es el hecho que ella ya ha grabado cinco CDs, uno de ellos para el Naxos Label y que ella ya tiene conciertos en unos veinte países a lo largo del mundo.


Ella se ha presentado en ciudades como Londres, Paris, Viena, Salzburgo, Roma, Budapest, Warsaw, Tel Aviv, Oslo, Toronto, Baltimore, San Francisco, Houston, Austin, Dallas y San Luis.
En su Croacia nativa ella se ha presentado con los Solistas de Zagreb y la Orquesta Filarmónica Zagreb y con la Orquesta sinfónica de la Radio y Televisión Croata. Así como ha sido destacada en tres documentales de la televisión por la película Croata del importante director Petar Krelja.
Ana empezó tocando la guitarra a la temprana edad de cinco años y a los trece ella era la más joven estudiante para entrar en la Academia Musical en Zagreb, donde estudió con el profesor Istvan Romer.

Por su reputación en Europa fue invitada a estudiar al Conservatorio Peabody de Música en Baltimore, USA, MD dónde ella refinó aún mas sus dones notables bajo la tutela del mundialmente famoso guitarrista Manuel Barrueco y de donde se graduó en Mayo de 2003.
Fuente: www.fernandosor.edu.co

sábado, 21 de febrero de 2009

TERESA CARREÑO Piano




TERESA CARREÑO nació en Caracas en 1853 y murió en Nueva York en 1917. Pianista venezolana. Recibió su primera formación musical en Caracas de la mano de su padre, Manuel Antonio Carreño, y de Julius Hohené. En 1862 se trasladó con sus padres a Nueva York, ciudad donde ofreció, antes de cumplir los nueve años de edad, su primer recital público. Fue invitada a tocar ante el presidente Abraham Lincoln, en la Casa Blanca.

En Nueva York estudió con los maestros Louis Gottschalk y Anton Rubinstein. Completó su formación en París, adonde se trasladó en 1866 e inició una brillante carrera de concertista en 1871. Actuó en los principales auditorios de Europa y América, en Sudáfrica, Australia y Nueva Zelanda. Fue solista de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Entabló amistad con Johannes Brahms, Anton Bruckner, Edvard Grieg, Franz Liszt, Clara Schumann y Richard Wagner.

Regresó a Caracas en 1885. Al año siguiente, el presidente Antonio Guzmán Blanco le encargó la organización de la temporada de ópera de Caracas, pero esta operación fracasó debido a la actitud de la alta sociedad caraqueña, que no asistió a las funciones para demostrar su repudio a una mujer divorciada. Teresa Carreño se había casado con el violinista Émile Saureal (1873) y posteriormente con el cantante de ópera Giovanni Tagliapietra (1876). Se casaría dos veces más: en 1892 con el pianista Eugène D'Albert y en 1901 con Arturo Tagliapietra, un hermano de su segundo esposo.

Fuente: www.biografiasyvidas.com

LORI SINGER Violonchelo



Lori Singer se dio a conocer en la serie de televisión FAMA interpretando a Julie Texas, EE. UU., 6 de noviembre de 1957) es una actriz estadounidense.

Hija de un director de orquesta y de una concertista de piano, es hermana del actor Marc Singer y del violinista Gregory Singer y prima del director de cine Bryan Singer. Educada, pues, en un ambiente musical, debutó como solista de violoncelo a la edad de 13 años.

Comenzó a ser popular gracias a la serie de televisión Fama, en cuyas dos primeras temporadas (1982-1983), interpretó a Julie Miller, una joven con talento que aspiraba a abrirse paso como violoncelista. En la serie la actriz pudo demostrar sus dotes reales con el instrumento.

Singer abandonó la serie para poder protagonizar, junto a Kevin Bacon, la película Footloose (1984), que obtuvo excelentes resultados en taquilla, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos comerciales del cine norteamericano en la década de los ochenta.

Tras Footloose, intervino en varias películas en las décadas de los ochenta y noventa, destacando The Falcon and the Snowman, 1985 (dirigida por John Schlesinger y co-protagonizada por Sean Penn), The Man with One Red Shoe, 1985 (con Tom Hanks), Trouble in Mind, 1985 (dirigida por Alan Rudolph), Summer Heat (1987), Warlock (1989), Sunset Grill (1993), F.T.W. y Short Cuts (1993), de Robert Altman.

En 1995 dio vida a Sydney Bloom, el personaje principal de la serie de ciencia-ficción VR.5.

Paralelamente ha continuado su carrera como concertista de violoncelo, y en enero de 2008 actuó en el Carnegie Hall de Nueva York.
Fuente: es.wikipedia.org

jueves, 19 de febrero de 2009

PATRICIA KOPATCHINSKAJA Víolín



Patricia Kopatchinskaja nació en Moldavia, hija de músicos, estudió composición y violín en Viena y en Berna. En el año 2000, quedó vencedora en la competición internacional Szeryng-Competition de Méjico y en el 2002 recibió el prestigioso galardón para jóvenes artistas International Credit Suisse Group Young Artist Award.

Durante la temporada 2002/3, representó a Austria en la serie de conciertos Rising Stars, debutando en Nueva York y en muchas capitales europeas. En el 2004, fue distinguida con el New Talent - SPP Award de la federación europea de difusión EBU (European Broadcasting Union) y, en 2006, con el Förderpreis Deutschlandfunk de Alemania. La gira que ha realizado recientemente como solista y como director invitado, con la Australian Chamber Orchestra, fue votada mejor producción de música de cámara de 2007 por los lectores de la revista Australian Limelight.

Patricia Kopatchinskaja ha trabajado con orquestas tan reputadas como Philharmonia Orchestra, Wiener Philharmoniker, Wiener Symphoniker, Wiener Kammerorchester, Mozarteum-Orchester Salzburg, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR, Deutsche Kammerphilharmonie, Mahler Chamber Orchestra, Orchestre des Champs-Elysées, YLE Radion sinfoniaorkesteri de Finlandia, Bergen Philharmonic, Orquesta Sinfónica Chaikovski de Moscú, NHK Tokyo Symphony Orchestra y Tokyo Philharmonic, bajo la batuta de directores tan eminentes como Boreyko, de Billy, Fedoseyev, Goodman, Herreweghe, Jansons, Neeme y Paavo Järvi, Kim, Litton, Nelsons, Norrington, Oramo, Petrenko, Pons, Russell Davies, Schiff o Skrowaczewski. Ha actuado en los principales auditorios y salas de concierto, como el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, el Wigmore Hall y el Royal Festival Hall de Londres, Sidney Opera House, Berliner Philharmonie, Musikverein de Viena, Mozarteum de Salzburgo, Concertgebouw de Ámsterdam o el Suntory Hall de Tokio.

Es invitada asidua de los festivales más destacados: el Festival de Lucerna, el Menuhin-Festival de Gstaad, Salzburger Festspiele, Wiener Festwochen, Wien Modern, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Heidelberger Frühling, Festival de Radio France et Montpellier o el Warsaw Beethoven Easter-Festival, así como de los festivales de música de cámara de Mondsee, Delft, Kuhmo, Oxford, West Cork y Antalya, entre otros muchos.

Con uno de los grandes sellos discográficos, está trabajando en la grabación de diversos proyectos, entre los cuales un álbum en recital con Fazil Say, el nuevo concierto para violín del mismo Fazil Say y unas grabaciones de obras de Beethoven con la Orchestre des Champs Elysées bajo Philippe Herreweghe. Otros varios CDs anteriores acreditan composiciones contemporáneas de Johanna Doderer, Nikolai Korndorf, Dmitri Smirnov y Boris Yoffe.

De vez en cuando, Patricia Kopatchinskaja compone su propia música y no retrocede ante el reto de la música contemporánea. Ha estrenado los conciertos para violín escritos para ella por Johanna Doderer, Otto Zykan, Gerald Resch, Gerd Kühr, Jürg Wyttenbach y Fazil Say. Richard Carrick, Violeta Dinescu, Michalis Economou, Ludwig Nussbichler, Ivan Sokolov, Boris Yoffe y otros muchos le han dedicado diversas piezas musicales. A Patricia Kopatchinskaja le gusta también improvisar, como solista o acompañada de otros intérpretes (entre los cuales Barry Guy, Charlotte Hug o Mahmoud Turkmani). Toca un violín Pressenda de 1834, que la revista ‘The STRAD’ ha descrito como “un instrumento de exquisita y variada sonoridad, cuyo timbre, próximo al de la viola, confiere a sus interpretaciones un extraordinario interés tonal.” Desde su posición de embajadora de buena voluntad de la asociación caritativa Terre des Hommes, Patricia Kopatchinskaja apoya de una manera particular los proyectos de ayuda a la infancia en Moldavia.
Fuente: www.pereportaconcerts.com
Más información en www.patkop.ch

FLORENCE SITRUK Arpa




FLORENCE SITRUK nació en Alemania y es una apasionada intérprete del repertorio del s. XX, ofreció estrenos mundiales de dos importantes conciertos en 2002: su interpretación con la Orquesta Filarmónica de Heidelberg del concierto sinfónico de Ami Maayani (Israel) y el Concertino para arpa y cuerdas del húngaro Ferenc Farkas, profesor de Kurtag y Ligeti que obtuvo la mayor resonancia.
Como músico de cámara, disfruta especialmente de la estrecha cooperación con el Keller-Quartet de Budapest y el Ciulionis-Quartet de Vilna, donde fue nombrada profesora invitada de música de cámara en la Academia Lituana de Música a los 26 años.
Fuente: www.magistermusicae.com

Se puede ver una de sus interpretaciones en este enlace

http://en.sevenload.com/videos/ZyLPgeb-Florence-Sitruk

SOPHIA DUSSEK Arpa, Piano, Composición



Sophia Dussek nació en Edimburgo (Escocia) el 1 de mayo de 1775; fallecida en Londres, hacia el año 1831 aunque esta fecha no está confirmada. Con el apellido "Corri" , más tarde fue una cantante, pianista, arpista y compositora de origen italiano, hija del editor musical Domenico Corri. En 1792 se casó con el compositor Jan Ladislav Dussek.
Hasta el siglo XX sus obras aparecieron publicadas con el apellido de su primer marido , como las primeras ediciones de sus Sonatas op. 2 (1796), que aparecen en la edición Corri-Dussek bajo el nombre de "Madame Dussek". Una edición posterior en París apareció sólo bajo el nombre de "Dussek", y fue ésta la publicación usada como fuente para la edición de Schott de 1953 de la Sonata en Do menor que fue atribuida erróneamente a Nicanor Zabaleta. Después de la muerte de Jan Ladislav en 1812, Sophia se casó con el violista John Alvis Moralt. La pareja vivió en Paddington, donde ella fundó una escuela de música.
Fuente: es.wikipedia.org

HILDA HERRERA Piano , Composición




Nació en Córdoba, Argentina . Es pianista y compositora.
A lo largo de su carrera se ha desempeñado como directora de distintas instituciones vinculadas a la música argentina. En 1992 y 1996 viaja a Francia invitada por el Conservatorio Chatillon y al Séptimo Rendez-vous International du Piano en Creuse en representación de la música argentina en piano. En 1996, la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, la distingue con una placa por su trayectoria. Autora de temas como: "Zamba del Chaguanco", "Navidad 2000", "La Poncho Colorado".

Su discografía es: "Señales Luminosas", "Yupanqui en piano" y "La Diablera". En la última década, ha realizado conciertos y dictado cursos en Argentina, Latinoamérica y en Europa.
En 1997 la ONU premia su placa "Señales luminosas" como aporte a la música argentina para piano.
En 2002 crea el CIMAP, Creadores e Intérpretes de la Música Argentina en Piano en el marco de la Dirección Nacional de Música que nuclea a jóvenes pianistas dedicados a la composición, arreglos e interpretación tanto en música de raíz folclórica como en tango.
Fuente www.fundacionkonex.com

miércoles, 18 de febrero de 2009

GISÉLE BEN-DOR Directora



Con una presencia formidable e incandescente en el podium, la directora Gisèle Ben-Dor fue descrita por Los Angeles Times como "una estrella de talento apasionado”, el Boston Globe la describe como "talentosa directora, experta en su técnica y ejecutante carismática”. Estos comentarios reflejan la maravillosa ovación que la maestra Ben-Dor ha obtenido en sus presentaciones como directora invitada junto a grandes orquestas y compañías de opera de renombre internacional y como Directora Musical de la Sinfónica de Santa Bárbara, de la cual es directora laureada desde el año 2006.


Como parte de sus compromisos internacionales, este año debutará con la Filarmónica de Rótterdam, Bern Symphony, Brabant Symphony, Sinfónica de Jerusalén, Sinfónica de Israel y Orchestre de Cannes. Asimismo, reanudó compromisos con Francia e Israel.


La maestra Ben-Dor ha dirigido la Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Londres, Filarmónica de Londres, English Chamber Orchestra, BBC/Wales, Filarmónica de Los Angeles, Boston Pops, New World Symphony, Filarmónica de Israel, Orquesta de Cámara de Israel, Helsinki Philharmonic, Sinfónica de Houston, Orquesta de Minesota y Orchestre de la Suisse Romande, entre muchas otras en Estados Unidos, Europa, Asia y Latinoamérica.


Gisèle Ben-Dor fue directora de la Filarmónica de Nueva York, con la que regresó en 1999 para sustituir a Daniele Gatti con un programa de Mahler y Beethoven, sin ensayos previos ni partituras (un reto que había afrontado anteriormente cuando tuvo que sustituir en último momento al maestro Kurt Masur). Al respecto The New York Times publicó "la maestra Ben-Dor sobrevivió a una labor tan compleja como Mahler, y bajo esas circunstancias lo hizo increíblemente bien, haciendo suya la interpretación”. La maestra Ben-Dor se presentó con esta agrupación en el New York's Central Park con una audiencia estimada de 100,000 personas.
Fuente: www.osn.go.cr

También, es la Directora Emérita de la Boston Pro-Arte Chamber Orchestra, puesto que le fue otorgado por la elección exclusiva de los músicos. El talento de la maestra Ben-Dor fue también reconocido por Leonard Bernstein, con quien empezó a compartir en el escenario en Tanglewood y en el Festival de Música Schleswig-Holstein. Ha sido acreedora del Premio Bártok de la televisión húngara, y ha realizado extensas giras en todo el este de Europa.

lunes, 16 de febrero de 2009

BARBARA ZIELINSKA-VAN Teclados



BARBARA ZIELINSKA-VAN es una teclista polaca dedicada a la música electrónica y a la experimentación y creación de sonidos.

Se dio a conocer con su proyecto VAN & BORNER junto con la también teclista SABINA BORNER las cuales publicaron un álbum en el 2003 con el título de "MIRACLES". Este álbum de mezclada influencia entre la música electrónica y el New Age tuvo muy buena aceptación por parte de la crítica y fue emitido frecuentemente en diferentes emisoras de la Radio y Televisión de Polonia. Las dos se conocieron estudiandon en la Academia Musical K. Szymanowsky en Katowize. También formaban parte de la banda , aunque como músicos invitados, el guitarrista Marek Gorlitz, el bajista Darek Budkiewicz y la vocalista Jola Literska. Poco después Sabina Borner abandonó la banda y Barbara continuó su proyecto junto con los músicos que le habían acompañado. Su nuevo proyecto se cambió de nombre y se pasó a llamar "VAN". También hubo cambios en el sonido con toques más progresivos y hasta el momento la banda continúa grabando discos y ofreciendo conciertos.

En 2002 Bárbara hizo su primer proyecto en solitario con el título de "Secret Garden". Además de trabajar con su banda realiza spots publicitarios para la radio y la televisión de Polonia y hasta el momento lleva editados 16 discos.



MERCÉ CAPDEVILA Electroacústica



MERCÉ CAPDEVILA nace en Barcelona. (1946))
Estudios musicales en el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona. Simultániamente estudió artes plásticas en la escuela Massana (Barcelona) y en Kunsthand Werk Schule de Pforzheim (Alemania) con el profesor Edward Mosny. Posteriormente trabajó la música electroacústica en el laboratorio Phonos (Barcelona) con el profesor Gabriel Brncic y asiste a cursos de composición con Luigi Nono, Josep M. Mestres-Quadreny, Corian Aharionan, LLuis Callejo, Carmelo Bernaola y Luis de Pablo.
Sus obras han sido interpretadas en Centros musicales de Europa, Canadá y América. Ha recibido varios encargos del CDMC. del Ministerio de Cultura de Madrid y de la Asociación Catalana de Compositores (Barcelona) Trabajó durante el año 1993-94, en el estudio de Aaron Copland de la Universidad de New York en Qeens College como compositora invitada. Monográficos de sus obras en 2 CDs, y otras obras grabadas en CDs colectivos. Obras en Radio Nacional, Catalunya Música y Radio Francia.
Es miembro de la Asociación Catalana de Compositores y miembro fundador de la Asociación de Música Electroacústica de España.
Fuente: www.accompositors.com

viernes, 13 de febrero de 2009

SARAH STANTON Teclados



Sarah Stanton es la teclista del grupo MY DYING BRIDE uno de los grupos más representativos de "doom metal" junto con ANATHEMA. Nació el 28 de junio de 1978 en Inglaterra y cursó estudios de piano clásico aunque muy pronto sintió inclinación por sonidos más eléctricos y oscuros. Sus bandas favoritas son The Cure y Nine Inch Nails
Comenzó a formar parte del grupo en 1999, y con ellos ha grabado 5 discos en total , el último en el 2006 con el título de "A Line of Deathless Kings"


MYRA HESS Piano



MYRA HESS con nombre de nacimiento Julia Myra Hess nació el 25 de febrero de 1890 en Londres. Comenzó sus estudios de piano a la edad de 5 años y dos años más tarde ingresó en el Guildhall School of Music and Drama, donde se graduó como ganadora de la medalla de oro. Más tarde, fue alumna de Tobias Matthay en la Royal Academy of Music. Debutó con gran éxito en 1907 con el "Concierto para piano nº 4" de Beethoven, bajo la dirección de Thomas Beecham. Desde entonces estuvo especialmente ligada a esta obra, que tocó en diversas ocasiones a lo largo de su carrera. A continuación, inició una gira por el Reino Unido, los Países Bajos y Francia. Su debut en Estados Unidos tuvo lugar el 24 de enero de 1922 en Nueva York y no sólo interpretó obras como solista, sino que también tocó acompañada de una orquesta.

Su gran éxito le sobrevino durante la Segunda Guerra Mundial cuando, con todas las salas de conciertos cerradas, organizó una serie de concierto a media mañana en la National Gallery de Londres. Estos conciertos se organizaron de 1939 a 1946 y con frecuencia Myra Hess actuaba sin percibir remuneración económica alguna. Por esta contribución por mantener la moral de la población de Londres fue nombrada Dama Comandante del Imperio Británico (DBE) en 1941.

Trabajó un extenso repertorio y estrenó varias obras. Hacia el final de su trayectoria pianística se centró en piezas de los periodos clásico y barroco. Fueron famosas sus interpretaciones de los conciertos de Mozart, Beethoven, Bach o Schumann, pero tuvo un amplio repertorio desde Domenico Scarlatti hasta obras contemporáneas.

Realizó el estreno de la "Sonata para piano" y el "Concierto para piano" de Howard Ferguson. También interpretó gran cantidad de obras de música de cámara y realizó un dúo con Irene Scharrer. Realizó un conocido arreglo para el preludio de coral "Jesus bleibet meine Freude" de la cantata Nº 147 "Herz und Mund und Tat und Leben" de Bach.

Falleció el 25 de noviembre de 1965 en Londres.
Fuente: es.wikipedia.org

jueves, 12 de febrero de 2009

JOANNE BRACKEEN Piano




Joanne Brackeen (26 de julio de 1938, Distrito de San Buenaventura, Estados Unidos) es una pianista de jazz y pedagoga musical estadounidense.

Joanne Brackeen, con nombre de nacimiento Joanne Grogan, nació el 26 de julio de 1938 en el distrito de San Buenaventura en el estado de California (Estados Unidos). Recibió clases en el California Institute of the Arts pero se dedicó a imitar los álbumes de Frankie Carle. Su estilo musical estuvo influido por la música de Charlie Parker y el bebop.

Su carrera musical comenzó a finales de la década de 1950 y trabajó con músicos como Dexter Gordon, Teddy Edwards, Harold Land, Don Cherry, Charlie Haden y Charles Lloyd. En 1969 comenzó a destacar cuando se convirtió en la primera mujer en tocar en el club de Art Blakey llamado Jazz Messengers. A comienzos de los años 60 contrajo matrimonio con el saxofonista tenor Charles Brackeen, con el que tuvo 2 hijos.

Tocó con Joe Henderson de 1972 a 1975 y con Stan Getz de 1975 a 1977 antes de formar su propio trío y cuarteto. Joanne se consolidó como una pianista de vanguardia a través de sus apariciones en todo el mundo y sus interpretaciones como solista también cimentaron su reputación la pianista más dinámica e innovadora. En algunos de sus tríos estuvo acompañada por Clint Houston, Eddie Gomez, John Patitucci, Jack DeJohnette, Cecil McBee y Billy Hart.

Ha grabado 25 álbumes y es profesora en el Berklee College of Music.

Fuente: es.wikipedia.org


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SHIRLEY HORN Piano



Shirley Horn (Washington, 1 de mayo de 1934 † 20 de octubre de 2005), cantante y pianista estadounidense de jazz y de pop. Su especialidad eran las baladas y su voz era suave y ligeramente grave. Era también una pianista muy apreciada.

Estudió piano desde los cuatro años de edad. Tras pasar por la Howard University, Horn formó su primer trío en 1954 y fue animada en su carrera a comienzos de los sesenta por artistas tan importantes como Miles Davis y Quincy Jones.
Con el grupo de Davis grabaría en 1960 una serie de conciertos en el Village Vanguard de Nueva York. Grabó tres discos durante 1963-1965 para la compañías Mercury y ABC/Paramount; sin embargo, arrinconó su carrera en beneficio de su familia e hizo solo actuaciones esporádicas en clubes de Baltimore y Washington.

A comienzos de los ochenta, empezó a grabar otra vez para SteepleChase, sello danés, siempre en formación de trío; posteriormente, tuvo un gran éxito en 1987 cuando empezó a grabar para Verve, asociación que fue muy productiva; consiguió siete nominaciones a los Grammy (ganando un premio al Best Jazz Vocal Album por I Remember Miles), el Premio Billie Holiday de la Academia Francesa del Jazz por su disco de 1990 Close Enough for Love, etc. En 2005 salió a la venta un recopilatorio de sus grabaciones con Verve, But beautiful. The best of Shirley Horn.

Horn murió como consecuencia de una apoplejía. Además, sufría de diabetes, por lo que le había sido amputado su pie derecho en 2001.

Fuente: es.wikipedia.org

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miércoles, 11 de febrero de 2009

MARIANA MARTÍNEZ Composición, Piano



Mariana Martínez (Marianne von Martínez, Viena 1744-1812).
Si uno no busca las cimas más altas, la vida y la trayectoria de Mariana Martínez ofrecen un panorama esplendoroso, una de esas figuras básicas para su entorno artístico. Pero la historia está más cerca del basurero que de un razonable anaquel, cuanto más se tira más manejable parece.

Mariana era hija de Nicolás Martínez, quien se estableció en Viena tras una estancia napolitana, presumiblemente como consecuencia de la toma de partido a favor del archiduque Carlos en la guerra de Sucesión. Marc Honegger, en su diccionario de compositores, se indigna ante el intento de españolizar a "Marianne" de la que dice que ni su padre, el napolitano Niccolo, era español. Ruiz Tarazona, por su parte, autor de la reseña biográfica más sustanciosa de la hispano-austriaca, no duda de la españolidad de Nicolás, que sería gentilhombre del nuncio del Papa en la Corte de María Teresa. Nicolás establecería una relación intensa -con los años casi familiar- con Metastasio, el gran poeta, y esta relación marcaría el destino de Mariana.



Metastasio se hizo cargo de la formación de la niña e hizo que recibiera clases de música de Porpora, Hasse e incluso del joven Haydn (1732), 12 años mayor que Mariana, que vivió en sus primeros años vieneses en la misma casa y dio lecciones a la que sería gran amiga el resto de su vida. Con los años, Mariana terminó siendo amante de Metastasio (pese a una diferencia de edad de 40 años) y se convirtió en la última de las tres Marianas que cubrieron la vida sentimental del poeta. Posteriormente, la familia Martínez heredó una importante fortuna del poeta que gestionaron ella y su hermana y que contribuyó a que desarrollaran una importante vida social en Viena.

Mariana destacó muy joven como extraordinaria cantante y notable intérprete de teclado y, con los años, su dedicación a la composición terminó convirtiéndose en actividad de importancia hasta el punto de que se le conocen más de doscientas obras, misas, cantatas, música instrumental y obra para clave y pianoforte. Dada su actividad en la Viena que estaba forjando el clasicismo, se relacionó con los nombres más ilustres de su época y de toda la historia de la música. Coincidió con Mozart, 12 años más joven que ella, y ya en la década de los ochenta, cuando Mariana abrió su salón, uno de los más célebres de la capital imperial, hay testimonios de que tocaron el piano a cuatro manos. Se dice que también coincidió con Beethoven, lo que resultaría casi inevitable cuando el futuro sordo irrumpió como un torrente en la última década del siglo XVIII en la capital austriaca.

En 1790, Mariana abrió una escuela de canto de la que salieron algunas de las más grandes voces de su época. Fue miembro de honor de la Academia Filarmónica de Bolonia y doctor honoris causa en Pavia. En suma, vivió la mayor transformación musical de la historia en el epicentro del fenómeno, en estrecho contacto con las más grandes y célebres personalidades y fue apreciada y valorada profesionalmente. Sólo la posteridad ha faltado a la cita del reconocimiento. ¿Cuál es la razón?

Su música, obviamente, no aguanta la comparación con Mozart ni apenas con Haydn, pero ¿qué defecto es ése? En esos años se estaba forjando un lenguaje, lo que implica ensayos reiterativos sobre fórmulas similares. El clasicismo está lleno de elementos decorativos y simples (¿rococó, estilo galante?) que parecen haber quedado emparedados entre la grandiosidad del último barroco y el drama romántico. De hecho, tres cuartas partes de la obra de Haydn apenas se escucha y el Mozart camerístico que no corresponde a sus últimos años a veces tiene que pedir perdón, ¿de qué nos extrañamos, pues, por una música amable, fina y bien ajustada, como es la de Mariana?

Sea como fuere, ha tenido pocos defensores en el devenir histórico; y entre los pocos destacan los españoles, empeñados (por rachas) en defender la cuota de españolidad de una compositora que se llamaba Martínez. Su nombre aparece en diccionarios de músicos españoles pese a la evidencia de que ni pisó España ni habló su idioma. Y de vez en cuando algún francés (Honegger) nos regaña.

Pero si su hispanidad es apenas una hipótesis sugerente, quedan las mujeres para reivindicarla. Ellas sí pueden considerarla una compatriota y proponer (desde la revisión crítica feminista) algunas razones de por qué su música tranquila, equilibrada y libre de la pulsión neurótica de hacer historia, no es simplemente una música de segunda fila sino una obra representativa de una sensibilidad diferente a la del canon masculino dominante. Una música que fue apreciada en su época por los mejores compositores de todos los tiempos y que, lamentablemente, la presión posterior hacia una historia darwinista y masculinizante ha arrojado a los márgenes.

Fuente: Jorge Fernández Guerra , El PAIS.

ROSA MARIA KUCHARSKI Piano




Rosa María Kucharski nació en Barcelona en 1929 y falleció el 5 de enero de 2006. Comenzó sus estudios de piano a la edad de seis años, e hizo su presentación en público a los siete. Estudió en Barcelona en la academia Marshall, continuando sus estudios en Madrid con Tomás Andrade de Silva.

Viajó por España y países de Europa como concertista y solista con las mejores orquestas. Continuó estudiando en París con Lazare Levy y siguió cursos con Pablo Casals, George Enesco y Walter Gieseking. En 1951 recibió el premio Pedro Masaveu. Fue la primera mujer pianista invitada a participar en los festivales Chopin en Mallorca. Fue catedrática de piano en el conservatorio de Córdoba y, posteriormente, en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Interesada en la educación musical, fundó en 1977, ISME España (International Society for Music Education), y en 1986 IMI (Intercambio Musical Internacional).

En 1982 crea el concurso de piano Infanta Cristina para descubrir nuevos talentos musicales. Compaginó su carrera de concertista con la enseñanza del piano. Entre sus numerosos alumnos se encuentra la infanta doña Cristina de Borbón. Ha viajado a distintos países del mundo, participando en conciertos, seminarios y congresos musicales e impartiendo cursos de técnica e interpretación pianística. Es autora de un método de piano que lleva su nombre y de los libros Música para las aulas y La música: vehículo de expresión cultural.-

Fuente: www.elpaís.com

CAROLINE CORR Batería



CAROLINE CORR toca la batería y el bodhram en la banda "The Corrs" ,ocasionalmente toca el piano y hace las veces de coro.

A Caroline, como al resto de sus hermanos, su padre le enseño a tocar el piano a temprana edad. El bodhran fue otro instrumento que Caroline aprendió muy joven. Ella increíblemente aprendió este instrumento sola, viendo videos de músicos irlandeses tradicionales que lo tocaban. No fue hasta que Caroline tenia 18 años , cuando the Corrs estaban sin un baterista, que ella comenzó a aprender la batería. Un antiguo novio tenia un kit de batería y le enseño algunos golpes básicos. Con la ayuda de un juego de CDs "aprende tu mismo" Caroline pudo aprender secuencias simples de batería. Preparada con esta pequeña cantidad de conocimiento, ella procedió a convertirse en la baterista en la banda, y tuvo todo su entrenamiento tocando en vivo.
"Fue una pesadilla. Solo había tocado por un tiempo, y ahí estaba siendo lanzada. Afortunadamente , la gente nunca se dio cuenta de los errores que solía cometer, o si se dieron, fueron muy educados para decírmelo". Mientras Caroline aprendía la batería tenia continuos problemas con yagas y ampollas en las manos. Pero solucionó esto usando una marca especial de guantes ecuestres. Hoy en día, Caroline decidió que unos guantes de golf le ofrecen aún mas control y actualmente son su primera opción. Este tipo de guantes permite a Caroline obtener el agarre y confort requeridos para tocar la batería continuamente por mas de 90 minutos en un concierto.

Caroline tiene un amplio gusto en música y le gusta bandas como Garbage, Radiohead, y Oasis, como también algunas antiguas bandas de rock. Ella califica estar al lado de Pavarotti y oírlo cantar como una de las mas increíbles experiencias musicales de que haya sido testigo.

Fuente: www.nofrontierscorrs.com

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MARGARITA LORENZO Directora , Piano



MARGARITA LORENZO DE REIZABAL nació en Bilbao, donde realizó los estudios Superiores de Piano y Composición con Premios de Honor Fin de Carrera en las disciplinas de Solfeo, Piano, Composición, Orquestación, Arte, Historia de la Música y Estética musical. Es licenciada en Medicina y Cirugía por la Universidad del País Vasco.

Desde temprana edad ha realizado una intensa labor concertística como pianista solista y de cámara, siendo pianista de la Orquesta Sinfónica de Bilbao desde 1982 hasta 1998.

Realizó los estudios de Dirección de Orquesta en Inglaterra con los maestros R. Saglimbeni, G.Hurst y N. Thompson. En 2001 realizó un Master de Dirección de Orquesta en Surrey (Inglaterra), perfeccionando mi técnica con los maestros R. Houlihan, D. Ham y G. Hurst. En Agosto del mismo año fue seleccionada de entre 48 jóvenes directores de todo el mundo para dirigir la Orquesta del Curso Internacional de Dirección de Orquesta en Canford (Inglaterra). Ha realizado cursos de Dirección de Orquesta y de Ópera con Jesús López Cobos en Madrid.

En 1987 obtuvo por oposición la cátedra de Armonía-Composición del Conservatorio Municipal de Leioa. Desde 1993 es Directora Titular de la Joven Orquesta de Leioa. Con la JOL ha realizado más de 150 conciertos, así como la grabación de 6 discos compactos con obras sinfónicas, sinfónico corales y repertorio de obras de compositores vascos contemporáneos y el estreno de obras de Jenkins, Sauter, Rutter, Sarasola, etc. Ha dirigido en las principales salas de conciertos del País Vasco, así como en otras comunidades españolas y Francia. Al frente de la Joven Orquesta de Leioa ha grabado 3 programas para “El Conciertazo” de RTVE que dirige Fernando Argenta.

Ha impartido cursos internacionales de piano y música de cámara y dirigido cursos de Análisis y Educación Musical para el profesorado de la Comunidad Autónoma Vasca, promovidos por el Gobierno Vasco, Diputación de Bizkaia y la Universidad del País Vasco. Así mismo, es coautora del libro “Análisis Musical: claves para entender e interpretar la música” (Ed. Boileau, Barcelona 2004).

Cabe destacar los diversos premios internacionales obtenidos en el campo de la composición coral y como arreglista. Tiene publicadas varias colecciones de arreglos orquestales sobre obras de compositores vascos y recientemente ha colaborado como responsable pedagógica del proyecto musical que bajo el título “Aho Bete Kanta” recopila arreglos instrumentales de más de 200 temas de la música pop, folklore y rock de los últimos 40 años de la música vasca.

Desde Diciembre de 2007 es profesora del Departamento de Composición del Centro Superior de Estudios Musicales del país Vasco (Musikene). En Diciembre de 2008 ha sido nombrada Directora del Departamento de Análisis, Composición y Dirección de Musikene.

Fuente: www.margaritalorenzodereizabal.blogspot.com

VIRGINIA MARTINEZ Directora



VIRGINIA MARTÍNEZ es la actual directora de la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia.
Nació en Molina de Segura, en 1979. A los 13 años fue nombrada Directora del Coro Infantil Hims Mola, de Molina de Segura, hasta 1999. Ha realizado diversos cursos de dirección coral y dirección orquestral. En 1999 comenzó a estudiar la carrera de Dirección de Orquesta en el Conservatorio de la Ciudad de Viena, teniendo como profesores a Reinhard Schwarz y Georg Mark, finalizando estos estudios en junio de 2003. En febrero de 2003 dirigió el estreno de la obra contemporánea Deus ex Machina de Markus Preisl, con el Conjunto de Música Contemporánea del Conservatorio de Viena. Con la referida agrupación, llevó a cabo la interpretación de Les Oisseaux Exotiques de Olivier Messiaen en octubre de 2002.

En abril de 2003 estrenó la obra Winterlandschaft (Paisaje de invierno), del compositor Stefan Holl. En octubre de 2003 hizo su presentación oficial como Directora de Orquesta, al frente de la Orquesta Sinfónica de Murcia, en el Auditorio y Centro de Congresos, con obras de Mozart, Chopin, y Chaikovski, concierto que fue grabado por Radio Nacional de España. En noviembre de 2003 dirigió la Orquesta Wiener Tonkunstevereinigung de Viena, interpretando obras de Haydn y Rajmáninov.

En enero de 2004 fue elegida joven del año 2003 en el Certamen que anualmente convoca la Consejería de Presidencia de la Comunidad de la Región de Murcia. Finalista del VII Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Cadaqués, cuyo jurado fue presidido por Sir Neville Mariner. En esa misma temporada también dirigió el Concierto del Año Nuevo, que tradicionalmente se celebra cada año en Cartagena, dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Murcia. En mayo de 2005 dirigió conciertos con la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona. Asimismo, realizó conciertos en el Palau de la Música de Valencia con la Orquesta Sinfónica de esa ciudad, Orquesta Sinfónica de Valencia.

Virginia Martínez ocupa desde el año 2006 el puesto de directora titular de la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, orquesta a la que ha dado un nuevo impulso. Por un lado, ha llevado a la O.J.R.M. a dar conciertos por distintos pueblos de la Región de Murcia, difundiendo la música de grandes autores clásicos como J. S. Bach, M. Mussorgsky, F. Schubert, J. Sibelius, D. Shostakovich, L. van Beethoven, etc. Y, por otro lado, sigue incrementando el prestigio de la orquesta fuera de la misma Región de Murcia, e incluso fuera de España. Ha realizado giras por Castilla-León, República Checa, Eslovaquia y Hungría.

En diciembre del 2009 la O.J.R.M. viajó a E.E.U.U. para realizar una gira con varios conciertos en las ciudades de Nueva York y Chicago, interpretando obras de Manuel de Falla y Gustav Mahler, entre otros autores; incluyendo un estreno mundial: la obertura "Windy City", de Johan de Meij.

Además de las citadas, también como invitada ha dirigido la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta de Valencia, Pablo Sarasate, Sinfónica del Vallés, Orquesta Ibérica, Barcelona 216, Orquesta de Granada, Córdoba, Orquesta Nacional de Santo Domingo y Wienner Kammerorchester.
Fuente: www. batutavirginia.es y wikipedia.org.

miércoles, 4 de febrero de 2009

KAREN BRIGGS Violín



KAREN BRIGGS es una virtuosa violinista estadounidense nacida en Manhattan, Nueva York en 1963. Creció en Portsmouth (Virginia) y comenzó sus primeras lecciones de violín a los 12 años. A los 15 podría decirse que inició su carrera profesional, destacándose más tarde como intérprete de la Orquesta Sinfónica de Virginia a partir de 1983 y por un periodo de cuatro años.

En esa época, Karen comenzó a plantearse su futuro musical como intérprete independiente, y su elección de estilos que mejor la representaban, afirmándose en esta tendencia musical en el Jazz y el Gospel, simultáneamente a su distanciamiento de la música clásica.

En 1987 regresó a Nueva York y allí desempeñó una ascendente carrera como solista, ganando diversos premios y menciones. En 1988 contrajo matrimonio y se trasladó a Los Angeles, California, donde inició sus primeras presentaciones como solista profesional, viajando por diversas ciudades de Estados Unidos y Japón.

Su despegue y consagración internacional como intérprete de gran relevancia tuvo lugar a partir de su incorporación en 1991 al plantel del teclista griego y compositor de música instrumental Yanni, con quien realizó varias giras internacionales durante trece años. Existen videos de algunos de esos conciertos, como los denominados Yanni Live at the Acrópolis grabado en directo en Grecia y Tribute, este último grabado en directo en el palacio de Taj Mahal (India) y la Ciudad Prohibida (China), en los que las presentaciones de Briggs cobran un vuelo interpretativo de superlativa calidad. El trabajo en la gira denominada Etnicity durante 2004 fue su última fase en esta trascendente etapa de su carrera junto a Yanni.

Karen Briggs asimismo realizó diversos trabajos musicales y presentaciones solistas, como la de 1994 junto al pianista Dave Grusin, y también con Stanley Clarke, Wynton Marsalis, Roni Benise, Daniel de los Reyes, Marla Gibbs, Kenny Loggins, Ashley Maher, Taliesin Orchestra y Diana Ross. Ha tenido una incursión como actriz en la película Music Of The Heart, y también compuso su banda sonora.

En 1999 integró junto al bajista Stanley Clarke, el guitarrista Richie Kotzen, el baterista Lenny White y la teclista Rachel Z el grupo Vertú, considerado por algunos críticos como la continuación musical de la recordada banda Return to Forever, liderada en la década del 70 por Chick Corea.

Briggs se destaca en el presente por su gran amplitud, virtuosismo y habilidad para la improvisación en varios estilos musicales experimentales como Jazz fusión y Afro Latino, sin abandonar otras búsquedas ni identificarse definitivamente con ninguno de ellos. En la actualidad reside tranquilamente junto a su familia en el estado de Maryland.

Sigue siendo reconocida y requerida por músicos de admirable profesionalidad y desde diversas partes del mundo, para integrar sus giras o participar en sesiones y grabaciones de estudio. La frescura y el gran talento de Karen Briggs ha sido admirado y elogiado en forma reiterada por Zubin Mehta.

Fuente: es.wikipedia.org

En este video se puede ver en directo junto a la pianista y teclista Patrice Rushen.

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ALICIA KEYS Piano , Composición



ALICIA KEYS es una joven norteamericana nacida en un barrio de clase baja de Nueva York cuyos padres decidieron apuntarla a clases de piano a la edad de 7 años para mantenerla alejada de las drogas y la prostitución que acechaban su barrio.

Desde el principio, Alicia ha sido objeto de auténticas disputas entre algunas de las más importantes compañías discográficas del mundo, en su deseo de incorporar a su catálogo de artistas a una estrella con tanto futuro. Finalmente, Alicia Keys firmó su primer contrato con Arista Records en 1998. Con un talento similar al de artistas como D'Angelo o Prince, siguió desarrollando la composición, producción y grabación de su primer álbum, un disco en el que empezó a trabajar a los 14 años.

Nacida y educada en Manhattan, Alicia Keys, con una personalidad que surge de su mezcla de razas, reconoce que en su manera de ser ha influido de manera especial el apoyo y las enseñanzas que ha recibido siempre de su madre. Fue ella quien le dijo en una ocasión: "Puedes abandonar cualquier cosa, pero nunca abandones tus clases de piano". Alicia también recuerda de manera especial los consejos de una de sus profesoras de la Professional Performance Arts School de Manhattan, la cual, mientras Alicia estudiaba para graduarse en Interpretación Coral, le ayudó a entrenar y desarrollar su voz. "Aquella profesora pasó tanto tiempo conmigo que se convirtió en lo más parecido a un auténtico entrenamiento vocal que he recibido en toda mi vida", recuerda Alicia.

A los dieciséis años, las excelentes notas que obtuvo en el instituto le permitieron graduarse antes que el resto de sus compañeros: "Estaba tan inmersa en el mundo de la música que superé todas las presiones, los cotilleos y los momentos difíciles que surgen siempre en el instituto casi sin darme cuenta". Nada más terminar sus estudios, se matriculó en la Universidad de Columbia, aunque después de darle vueltas a la idea de iniciar su carrera universitaria, comprobó que lo que realmente le atraía, como había ocurrido siempre, era la pasión por la música, la fuerza que va a llevarla a convertirse, sin ninguna duda, en una gran estrella.

A finales de 1999, Alicia siguió los pasos de Clive Davis cuando éste creó su propio sello, J Records, donde continuó dando forma a su esperado debut discográfico, Songs in A minor, entrando nº1 en las listas de ventas y llegando a vender la friolera de 10 millones de discos.

Su éxito fue increíble, su publico no tenía ni color, ni edad, ni estilos, consiguiendo convencer a toda la industria musical, lo cual la llevó a ganar 5 premios Grammys, incluido el premio a la mejor canción por Fallin.

A nivel nacional fue premiada con el premio Amigo a la mejor artista revelación internacional rozando el doble platino en ventas. Es hoy por hoy la artista femenina más importante de nuestro país, y así lo demostró en sus dos conciertos en España (Madrid y Barcelona) donde se agotaron las entradas.

En 2003 aparece su segundo trabajo The Diary of Alicia Keys muy esperado por sus seguidores que no han tardado en coronarla como la reina del Soul. Un disco inspirado en las música americana de los años 70, producido por Peter Edge, Jeff Robinson y por la propia Alicia Keys.
Fuente: www.lahiguera.net

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CECILIA DE MAJO Arpa



CECILIA DE MAJO es una arpista venezolana , nacida en Caracas, que inicia sus estudios musicales en París, Francia, a la edad de cinco años.

Primero se dedica al arpa cromática, con Mme. Renée L. Tournier, y luego al arpa diatónica, con el célebre profesor, compositor y arpista Marcel Tournier. En el Conservatorio de París, Cecilia de Majo obtuvo el Primer Premio, Primera Mención, a unanimidad. Luego, perfeccionaría sus estudios con Bernard Zighéra en el New England Conservatory of Music de Boston y en cursos de verano en el Berkshire Music Center de Tanglewood, ambos en Estados Unidos, durante varios años.

En Venezuela, Cecilia de Majo fue, durante muchos años, primera arpista solista en la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como en el Quinteto Instrumental y el Collegium Musicum de Caracas. Su actividad como solista fue intensiva, y la llevó a cabo en conciertos y recitales en Venezuela y en el exterior. En 1975, fue llamada a formar parte del jurado internacional para el otorgamiento del premio del prestigioso Concurso Anual de Arpa, en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París. En 1982, estuvo entre los eminentes artistas escogidos para realizar una gira de 30 recitales a través de todo el territorio nacional. Como concertista, creó varios conjuntos instrumentales entre los que destacan el Dúo Romántico para Arpa y Flauta con el flautista Glenn Egner, el Dúo para Arpa y Canto con Mariela Valladares, y el Ensamble de Arpas Clásicas Cecilia de Majo, muy conocido por el gran éxito reportado en los Clásicos Dominicales del canal 2, Radio Caracas Televisión, y por su brillante participación en el IV Congreso Mundial de Arpa, en París, en julio de 1990.

Con pleno derecho, Cecilia de Majo es considerada la fundadora de la escuela arpística en Venezuela, ya que su actividad de concertista se conjuga con una extraordinaria labor docente como profesora en varios centros de estudios musicales: el Conservatorio Nacional de Música Juan José Landaeta y las escuelas de música José Ángel Lamas y Juan Manuel Olivares, del cual también fue directora; el Instituto Universitario de Estudios Musicales (IUDEM) y el Conservatorio de Música Simón Bolívar. Coronó toda esta labor docente con la Cátedra Nacional de Arpa Cecilia de Majo, instituida bajo el patrocinio del Consejo Nacional de la Cultura (CONAC).

Destacan también, entre las actividades de Cecilia, varias grabaciones en discos de larga duración como Dúo romántico para arpa y flauta, Recital venezolano y A Ceremony of Carols, con la Cantoría Alberto Grau; en casetes como Recital clásico y Recital romántico y, últimamente, la edición en discompactos de Cecilia de Majo Gold y Latin Music on the Harp. Este último disco consta, principalmente, de obras de compositores venezolanos como Moisés Moleiro, Inocente Carreño, Antonio Lauro, Manuel Guadalajara, Evencio Castellanos y Antonio Estévez, transcritas y adaptadas para el arpa clásica por Cecilia de Majo.


Discografía:
Dúo romántico para arpa y flauta – 1979
A Ceremony of Carols, con la Cantoría Alberto Grau – 1982
Recital romántico – 1982
Recital venezolano – 1983
Recital clásico – 1983
A Ceremony of Carols, con la Cantoría Alberto Grau – 1985 (nueva grabación)
Cecilia de Majo Gold – 2002
Latin Music on the Harp – 2006
Fuente: es.wikipedia.org

martes, 3 de febrero de 2009

RÉGINE CHASSAGNE Acordeón, Batería



Régine Chassagne (n. Saint-Lambert, 18 de agosto de 1977[1] ) es una multi-instrumentalista y cantante canadiense, fundadora del grupo musical de indie rock Arcade Fire. Actualmente esta casada con el co-fundador del grupo, Win Butler.

Nació en Canadá después de que su familia emigrara desde Haití durante la dictadura de Jean-Claude Duvalier, y creció en Saint-Lambert, cerca de Montreal. Sus raíces se hacen presentes en la canción "Haïti", donde ella canta, Mes cousins jamais nés hantent les nuits des Duvalier ("Mis primos que jamás nacieron atormentan las noches de los Duvalier").

Chassagne obtuvo un Bachillerato en Artes en estudios comunicacionales en la Universidad Concordia en 1998, y estudió brevemente canto en la Universidad McGill. Ella cantaba jazz en una muestra de arte en Concordia en 2000 cuando Win Butler la conoció y la convenció de ingresar a su grupo; después de algunos cambios de formación, sólo dos de ellos se retiraron del grupo. Se casaron en 2003. Régine se caracteriza por tocar muchos instrumentos en el escenario, incluyendo el acordeón, batería, xilófono, zanfona, órgano y teclados.

Chassagne también estuvo involucrada en un grupo medieval llamado Les Jongleurs de la Mandragore, y en un grupo de jazz llamado Azúcar. También escribió la música para el sketch de dos minutos de David Uloth: "The Shine", y contribuyó en el proyecto benéfico de la UNICEF como parte del North American Hallowe'en Prevention Initiative, interpretando la canción "Do They Know It's Hallowe'en?" junto con Win Butler.

Fuente: es.wikipedia.org


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SOPHIE ELISABETH ZU BRAUNSCHWEIG Composición, Laúd



SOPHIE ELISABETH ZU BRAUNSCHWEIG UND LÜNEBURG nació en Braunschweig, Alemania y murió en ? (1614-1676), compositora barroca, destaca su relación con Schütz, compositor alemán.

Sophie Elisabeth, es la hija mayor del duque Johann Albrecht von Mecklenburg-Güstrow (1590-1636) y Margarete Elisabeth (1584-1616), perdió a su madre siendo niña y su educación quedó a cargo de sus dos madrastras: Elisabeth de Hessen-Kassel (1596-25) y Eleonore Marie de Anhalt-Bernburg (1600-57). Gracias a la relación de su padre (Mauricio) con el compositor Heinrich Schütz, surge su talento tanto en las artes literarias como musicales, dispuso que Elisabeth estudiara laúd con John Stanley durante la estancia de éste en Güstrow. Fue admitida en la Académie des Loyales.


Sophie Elisabeth se convierte en 1635 en la tercera esposa del duque Augusto de Braunschweig y Lüneburg (1579-1666). En Braunschweig Elisabeth cuidó de sus cuatro hijastros y tuvo a tres hijos propios, al final de la guerra de los treinta años, se mudaron a Wolfenbütten, donde Sophie Elisabeth visitó algunas veces a Heinrich Schutz en relación a las mejoras de la orquesta de la corte.


Sophie Elisabeth en 1642 compuso varios diálogos para Friedens Sieg, ofreciendo música para cuatro voces blancas, representando los horrores de la guerra, hambre, pobreza, injusticia y muerte. Estas composiciones constituyen el núcleo de la producción de Sophie Elisabeth. En el año 1650 pone música a textos propios para una pieza de ocasión, con motivo del cumpleaños del duque Augusto, para ello compone una sinfonía y un coro angélico. Este coro angélico está compuesto para cinco voces: dos sopranos, contralto y tenor (que puede ser ejecutada por voces de mujer, con tal de que entre las cantantes haya algunas que puedan alcanzar el re) Destaca también su conocimiento en la práctica orquestal francesa a cinco partes, como muestra su instrumentación para dos cuerdas sopranos, dos violas (en clave de contralto) y continuo.

Fuente:es.wikipedia.org

lunes, 2 de febrero de 2009

MARTHA NOGUERA Piano




MARTHA NOGUERA comenzó su carrera musical en Buenos Aires, su ciudad natal, a los once años de edad. Estudió piano en el Conservatorio Nacional de Música "Carlos López Buchardo" y recibió Primer Premio y la Medalla de Oro, siéndoles así reconocidas, desde tan temprana edad, sus notables condiciones como pianista.

Desde sus presentaciones como niña precoz, ocupó un lugar preponderante entre los pianistas argentinos, estando hoy considerada entre los más importantes a nivel mundial.

A lo largo de su carrera obtuvo becas para estudiar con Alexander Uninsky en la Southern Methodist University (Dallas, EEUU), con Ilona Kalos en Londres (British Council, Inglaterra) y con Jan Ecckier en Varsovia (Polonia).
Sucesivamente, fue obteniendo importantes y diversos premios nacionales e internacionales, entre los que figuran:

-Premio Concurso Internacional de Piano de las Américas 1973 (Río de Janeiro, Brasil)

-Premio Concurso Internacional de Piano Georg von Lalewicz (Buenos Aires, Argentina).

-Premio UMARA 1977/78 (Argentina). La Unión Mujeres Americanas consagró a Marta Noguera como "Mujer Argentina Americanista".

-Premio Jóvenes Sobresalientes 1973 “Cámara Juniors de Buenos Aires”.

-Premio 10 mejores artistas año 1978 de la Cámara de Comercio Argentino Venezolana.

-Premio Congreso de las Naciones “Joven Valor Argentino” 1979.

-Premio “Medalla al Mérito Artístico” de la ciudad de Trieste (Italia), por el singular mérito obtenido en dicha ciudad durante la temporada l984, con la ejecución integral de las 32 Sonatas para piano de Beethoven.

-Premio de la Asociación Argentina de Críticos 1999 por el éxito obtenido tras interpretar el ciclo de las 32 Sonatas de Beethoven en el Teatro San Martín de Buenos Aires (l998) y la obra completa de Chopin en el Teatro Avenida de Buenos Aires (l999).

En el año 2000, recibe el reconocimiento del gobierno polaco, por el éxito obtenido en distintas capitales del mundo al interpretar la obra completa de Federico Chopin. Así, el Sr. Presidente de la República de Polonia le otorga, por sus méritos y mediante decreto, la Cruz de Caballero de la República de Polonia.

En mayo de 2000 recibe el Premio a las Personalidades Ilustres de la Municipalidad de Gorizia (Italia), por el ciclo completo de las obras de Federico Chopin.

En el año 2001 recibe el Premio Nobleza Meritocrática por su trayectoria artística, otorgado por la Organización Humanidad Meritocrática (Buenos Aires).

A lo largo de su carrera ha realizado innumerables conciertos en las más prestigiosas salas de América y Europa, acompañada por las más prestigiosas orquestas y los más notables directores:

En Europa, actuó junto a la Orquesta United Filarmónica de Viena, Orquesta Europa Symphony de Viena, Orquesta de la Radio Nacional de Polonia, Orquesta Pasdeloup de París, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta de Cámara de Zürich, Orquesta de Cámara Sant Gallen Auvergne, Orquesta Sinfónica Nacional de Filipinas, Orquestra Sinfónica Ploiesti (Rumania), Orquesta Sinfónica de Timisoara, Orquesta Sinfónica de Brasov, Orquesta de San Petesburgo Nuova Orchestra Scarlatti de Nápoles, Orchestra Sinfónica de la RAI (Radio Televisione Italiana), Orchestra Sinfonica Siciliana, y Orquesta Sinfónica de Baleares (Mallorca, España), entre otras, realizando una gira por Rumania y Eslovaquia con la Orquesta Europa Symphony, dirigida por el maestro Wolfang Gröhs.

En América, ofreció numerosos conciertos junto a diversas orquestas, entre ellas: Orquesta Sinfónica del Teatro Colón (Argentina), Camerata Bariloche (Argentina), Orquesta Sinfónica del Uruguay, Orquesta Sinfónica de Viña del Mar (Chile), Orquesta Sinfónica de Río de Janeiro (Brasil,) Orquesta Sinfónica de Porto Alegre (Brasil), Orquesta Sinfónica de El Salvador (El Salvador); Orquesta Sinfónica de Trujillo (Perú) y Orquesta Sinfónica de Costa Rica (Costa Rica). Realizó una extensa gira por toda América, actuando en cada concierto como solista invitada de la Orquesta Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina), dirigida por los maestros Stanislaw Wislocki y Simón Blech. En la ocasión, interpretó los conciertos N° 2 de Chopin y N° 3 de Prokofiev.


Actuó junto a los siguientes directores:

Carl Melles, Fabiano Mónica, Urs Schneider, John Neschling, Carl Stewart Kellogg, Stanislav Wislocki; Nello Santi, Anton Nanut, Gerard Devos, Pierre Michel Le Comte, Gabor Ötvoss, Edmond de Stontz, Ruggero Barbieri, Franz Paul Decker, Victor Tevah, Pedro Ignacio Calderón, Simón Blech, Guillermo Scarabino, Vladimir Delman Mircea Basarab, Pierre Colombo, Wolfgang Gröhs, Massimo Biscardi, Richard Edlinger, Christian Braneusi, Lukas Vis, José María Florencio, Alfonso Devita ,Carlos Giraudo, Jorge Mariano Carciofolo, Esteban Gantzer y Mario Perusso, entre otros.

En diciembre de l997 realizó en el Teatro Ghione de Roma (Italia), la integral de las 32 sonatas para Piano de Beethoven, que volvió a ejecutar con gran éxito en l998, en el Teatro General San Martín, de Buenos Aires, Argentina, y también en 1998 en el Teatro Argentino de La Plata (Argentina).


Su repertorio incluye las obras integrales para piano de Ludwig van Beethoven, Frederic Chopin y Maurice Ravel y ha realizado diversas grabaciones para los sellos RCA y Artenova BMG.

Ha dictado Master Classes en España, Suiza, Austria e Italia y ha sido jurado de varios concursos internacionales. Actualmente reside en Roma, Italia. Es corresponsal en Roma (Italia) de la Revista “Música Hoy” de Buenos Aires.

Es Presidente de la "Fundación Chopiniana” de Buenos Aires, Argentina:
Fuente: www.marthanoguera.com

LISSA MERIDAN Electrónica, Composición




Lissa Meridan es Directora del Estudio de Música Electroacústica de la Universidad Victoria de Wellington, Nueva Zelanda. También enseña composición instrumental, orquestación, contrapunto y acústica. Es también webmaster y miembro del comité de la Asociación de Compositores de NZ y Vicepresidenta de la Asociación de Música Informática de Australasia.

Empezó a componer en los Estudios de Música Electrónica en la Universidad de Auckland cuando era estudiante de composición a principios de los 90, y ha escrito y realizado obras para una amplia gama de medios de comunicación incluyendo orquesta, grupos de cámara, música para la danza, espectáculos interactivos y bandas sonoras para películas.
Su trabajo reciente incluye colaboraciones con el New Zealand Film Archive, Aeronave estudios, el Cuarteto de Cuerdas de Nueva Zelanda, y su nueva obra para orquesta, 'The Shine President' finalista para el Premio NZSO Lilburn de 2006, que fue grabado por la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda y, posteriormente, en mayo se emitió en Concierto para la Radio de Nueva Zelanda . Los proyectos actuales incluyen las obras para la Viola Congreso en Montreal, el Festival Synthese en Francia, y un proyecto de colaboración entre el Archivo de Cine de Nueva Zelanda y CCMIX en París para componer bandas sonoras y llevar a cabo a una colección histórica de 14 películas francesas "MusiPoesi" en el Festival de París 2007 .


Me gusta trabajar con programas como ProTools, que tiene algunos plug-ins fantásticos para procesar la señal de audio digital y efectos, tanto para el trabajo en un estudio como para el directo. Algunas de mis herramientas favoritas de trabajo son Spektral Delay, GRM Tools, Metasynth, Max/MSP, SampleTank y Audiosculpt. También uso Peak para hacer trabajos rápidos y grabaciones básicas de composición. Uso el equipo a la máxima velocidad que puede, en el estudio, un G4 y uso un ProTools Control24 con su sistema TDM, grabadora DAT o ADAT, una fila de micrófonos, y unos pocos bits desde un sintetizador como el Roland modular synth, un Synthi VCS3 y un mezclador DP4. He hecho un montón de instalaciones divertidas y música interactiva en directo digitalizando con un iCube digitiser y Max/MSP. Para mis actuaciones en vivo, trabajo simplemente con el Digi002 ProTools para el control, un par de platos, DJ mixer, un Mackie desk de 16 pistas, un teclado MIDI y desde luego el control del proceso completo lo hago desde mi iBook.¿

Mi ordenador se ha convertido en una herramienta primordial desde los últimos cinco años o más, desde que compré mi primer mac (que era un 7600). Todavía hago un montón de piezas de composición para orquesta sinfónica y de cámara (chamber ensembles), y uso Sibelius y el soft Finale notation ambos en mi ordenador portátil (¡y todavía no puedo decidirme por cual es mejor!). Me gustaría ser capaz de esbozar sobre un primero desde luego, pero nunca más escribiré mi música completa. Hago unos bosquejos esquematices de mis ideas y entonces trabajo directamente en la notación con el ordenador. Intento borrar las características por defecto del aparato de lectura de MIDI en estos programas y me paro aún con mi imaginación escuchando y se hace una mas aproximada imagen de cómo sería el color del sonido de una orquesta, y aunque la reproducción MIDI puede ser útil para comprobar la armonía y el ritmo, prefiero la sorpresa de oír el sonido de una banda real ensayando mi obra por primera vez, puesto que para mí este momento es uno de las experiencias mas estimulantes para un compositor.


Fuentes: www.donestech.com
www.lissameridan.com

ELIZABETH MACONCHY Composición



Elizabeth Maconchy DBE (Broxbourne (Hertfordshire), 19 de marzo de 1907 - 11 de noviembre de 1994) fue una compositora inglesa, conocida por sus trece cuartetos para cuerdas.

]Maconchy empezó a componer a los seis años. Luego de la Primera Guerra Mundial, su familia se mudó a Irlanda. Allí, tomó clases de piano y su maestro le aconsejó estudiar en el Royal College of Music en Londres, lo que Maconchy hizo a partir de los 16 años. Entre su maestro se encontraban Arthur Alexander, Charles Wood y Ralph Vaughan Williams. Su estilo musical se desarrolló rápidamente, lo que atrajo la atención de algunos de los músicos más famosos de aquella época, incluyendo a Henry Joseph Wood, Donald Francis Tovey y Gustav Holst.

Maconchy se interesó por la música contemporánea de Europa Central, particularmente en Béla Bartók, Alban Berg y Leoš Janáček. A recomendación de Vaughan Williams, Maconchy continuó sus estudios en Praga, donde se estrenó su concierto para piano en 1930, interpretado por Erwin Schulhoff. Ese mismo, Henry Wood estrenó la pieza orquestal de Maconchy The Land. También contrajo matrimonio con William LeFanu.

En 1932, Maconchy contrajo tuberculosis y se mudó al campo para recuperarse y supuestamente se curó gracias a su voluntad. Fue nombrada Comandante del Imperio Británico en 1977. El último de sus cuartetos para cuerdas, llamado Quartetto Corto, fue escrito en 1984. Maconchy fue nombrada Dama del Imperio Británico en 1987. Vivió durante muchos años en Boreham (Essex). Maconchy fue Presidente del Composers Guild (Gremio de Compositores) y de la Society for the Promotion of New Music (Sociedad para la Promoción de Nueva Música). Muchos músicos han expresado que ella fue una inspiración para ellos .

En 1930, su concierto para piano y su pieza orquestal The Land fueron estrenadas. En 1933, escribió su primer cuarte para cuerdas, el primero de trece que fueron escritos en un periodo de más de 50 años. Ese mismo año, su quinteto para oboe y cuerdas ganó un premio en la Competencia de Música de Cámara de The Daily Telegraph y fue grabado poco después por Helen Gaskel y Griller Quartet en HMV.

Luego de las dificultades de los años de guerra, Maconchy recibió una gran cantidad de comisiones y compuso gran cantidad de música para orquesta, grupos de cámara y voces. Escribió tres óperas de un acto:

The Sofa (1957)
The Departure (1961)
The Three Strangers (1967)
Otros de sus trabajos son:

Heloise and Abelard (cantata)
Música para Gerard Manley Hopkins
Música para los sonetos de Petrarca y John Millington Synge My Dark Heart
Sea, Moon and Stars (1977) para soprano y piano
Fuente: es.wikipedia.org

KATIA Y MARIELLE LABÈQUE Piano



Las hermanas francesas Katia (nacida en Bayona el 11 de marzo de 1950) y Marielle (nacida en Bayona el 6 de marzo de 1952), son uno de los más prestigiosos dúos de piano contemporáneos, reconocidas artísticamente con el nombre de Hermanas Labèque.

De formación clásica: su primera profesora fue su madre, Alda Cecchi, alumna de Marguerite Long, y obtuvieron conjuntamente un primer premio del Conservatorio de París en 1968.

Han interpretado y grabado la mayoría de las obras para dos pianos en géneros instrumental, de cámara, y concerto así como de períodos musicales que van del barroco a la música contemporánea. Katia está casada con guitarrista de jazz inglés John McLaughlin y Marielle con el director de orquesta ruso Semyon Bychkov.

Se han interesado por el repertorio a cuatro manos. Además del repertorio clásico tradicional, han intepretado música contemporánea,[1] jazz, ragtime. Han creado la Fondation KML así como su propio sello discográfico de música clásica: KML Recordings, con base en italia.[2]

En 2008 han editado el disco conjunto "De fuego y de agua" con la cantaora española Mayte Martín, repertorio que también han presentado en directo en diversos escenarios.
Fuente: es.wikipedia.org


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CÉCILE CHAMINADE Piano, Composición



Cécile Louise Stéphanie Chaminade nació en París,el 8 de agosto de 1857 y murió el 13 de abril de 1944).Fue una compositora y pianista francesa.

Comenzó a estudiar música con su madre, continuando con Félix Le Couppey, Savart, Martin Pierre Joseph Marsick y Benjamin Godard.

Compositora precoz, con sólo ocho años tocó composiciones suyas de música sacra para Georges Bizet, el autor de Carmen. Su popularidad aumentó a lo largo de su vida, desde su primer concierto, que dio con dieciocho años. Escribió sobre todo piezas para piano y canciones de salón. Su obra fue considerable, y en ella se puede mencionar una sinfonía dramática: Las Amazonas, opus 26, una Suite de orquesta una ópera cómica La Sevillana, opus 10, un Trio n° 2 para violón, violonchelo y piano, opus 34 y un Concertino para flauta y orquesta, opus 107. Entre sus 200 piezas para piano, en estilo romántico, destacan Estudio Sinfónico, opus 28; Seis Estudios de concierto, opus 35, Arabesco, opus 61; Seis Romances sin palabras, opus 76.

Ha escrito un total de 165 obras con número de Opus y 29 otras sin número.
El video que vemos es una obra compuesta para flauta y piano que corresponde al Opus 107.
Fuente: es.wikipedia.org


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