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sábado, 3 de diciembre de 2011

ELENA MENDOZA Composición



Elena Mendoza es actualmente una de las compositoras españolas de música contemporánea con más reconocimiento internacional en circuitos de música académica.
Elena Mendoza nació en Sevilla en 1973. Realizó estudios de filología alemana en Sevilla y de piano y composición en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza con Teresa Catalán, en Augsburg con John Van Buren, en la Robert-Schumann Hochschule Düsseldorf con Manfred Trojahn y en la Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin con Hanspeter Kyburz. A continuación recibió distintas becas, como la de la Ensemble Modern Akademie. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

Su catálogo comprende en su mayor parte música de cámara instrumental. Tiene además especial interés por el teatro, el trabajo con el espacio y la musicalización del lenguaje, como lo atestigua el reciente estreno de la obra de teatro musical Niebla (basada en la obra homónima de Miguel de Unamuno) en el Centro Europeo para las Artes Dresden Hellerau, Konzerthaus Berlin y musicadhoy Madrid, en estrecha colaboración con el director de escena Matthias Rebstock.

Su música ha sido interpretada por formaciones como ensemble recherche, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Vogler-Quartett, Ensemble Mosaik, Taller Sonoro, Ensemble emex, Ensemble Ascolta, Oper Nürnberg, Philharmonisches Orchester Freiburg y otras muchas y ha tomado parte en numerosos festivales y temporadas de conciertos internacionales (Wittener Tage für Neue Kammermusik, Ars Musica Bruxelles, Ultraschall Berlin, World New Music Festival, Jornadas de Música Contemporánea de Dresden, Steirischer Herbst Graz, Nous Sons Barcelona, MärzMusik Berlin, Eclat Stuttgart, Acanthes Metz, musicadhoy Madrid...)

Ha recibido numerosas becas de trabajo, como por ejemplo la fellowship en la Akademie Schloß Solitude (2008) y ha sido galardonada con numerosos premios, como el Premio Nacional de Música 2010 en España y el Musikpreis Salzburg 2011 (Förderungspreis) en Austria.

Fue profesora de composición en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza y ha colaborado como docente en numerosos talleres de composición y proyectos de difusión de la música contemporánea. Actualmente imparte clases de composición y música experimental en la Universität der Künste Berlin.

Un CD monográfico de música de cámara con el sello Kairos (Viena), musicadhoy (Madrid) y Deutschlandradio Kultur (Berlin) fue publicado en 2008. Su segundo CD con escenas de Niebla, además de Fe de erratas y Gramática de lo indecible acaba de aparecer en el sello Wergo, en colaboración con Deutschlandradio Kultur y el Consejo Alemán para la Música (Deutscher Musikrat).

Desde 2009 sus partituras se publican en la editorial Peters.
Fuente: www.elenamendoza.net

miércoles, 9 de noviembre de 2011

AMERICA MARTÍNEZ Guitarra


Desde este humilde blog rindo un homenaje a toda una institución en la guitarra española que nos ha dejado en Septiembre del 2010. 
América Martínez Serrano nace en Madrid el 5 de Noviembre 1922. A los 8 años de edad inicia los estudios de guitarra, junto a su hermana España, bajo las enseñanzas de su madre, Matilde, la cual al curso siguiente, encomienda su educación musical al maestro Daniel Fortea, quien le imparte simultáneamente clases de guitarra y de mandolina, y de quien fue su auxiliar en el Ateneo y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid de 1934 a 1936.
En 1932, a la edad de 10 años, comienza sus primeros recitales en Madrid, a dúo con su hermana España, con quien realiza conciertos a dos guitarras y guitarra y mandolina, actuando en el Círculo de Bellas Artes, Ateneo, Teatro María Guerrero, Teatro de la Zarzuela, así como diversas emisoras de radio; conciertos que más adelante se extenderían a relevantes salas de las principales capitales españolas.
En 1938, ella y su hermana reciben, tras el correspondiente examen, el nombramiento de Profesora de Orquesta, otorgado por la Asociación General de Profesores de Orquesta y Música de Madrid.
Gracias a las gestiones realizadas por su madre, Matilde Serrano, en 1935 se crea en el Conservatorio de Madrid la Cátedra de Guitarra, cuyo primer representante sería Regino Sáinz de la Maza. En 1939, una vez finalizada la guerra civil española, y hasta 1943,  América Martínez realizaría allí sus estudios oficiales, durante los que obtuvo las máximas calificaciones y el Diploma de Primera Clase "Fin de Carrera", siendo becada por dos años consecutivos por el Gobierno Civil de Madrid como alumna más destacada del Real Conservatorio (1942-1943).
En 1944, al finalizar sus estudios de armonía, se le concede la beca "Carmen del Río" de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Al año siguiente se crea para ella la plaza de profesora de guitarra en el Conservatorio Superior de Sevilla, cuya cátedra obtiene por oposición (por unanimidad y con el número 1) en 1949.  América seguiría vinculada a esta institución hasta su jubilación en 1987, tras 43 años de magisterio ininterrumpido.

Ese año,   organiza el "Homenaje a 130 Años de la Guitarra Española", sin duda, su más ambicioso proyecto. En este evento impartieron cursos los más destacados maestros del momento, se celebraron multitud de conciertos e importantes compositores crearon obras dedicadas a  América.
Después de su jubilación,  siguió dedicándose en cuerpo y alma a la guitarra. Formó parte del jurado en importantes concursos, dictó numerosas conferencias, impartió multitud de cursos, etc. Curiosamente, la mayoría de estas actividades las desarrolló lejos de nuestro entorno, en Francia, Polonia, Italia o Japón.
Se crea en el Conservatorio Superior de Sevilla, el Concurso de Guitarra “América Martinez”, con bastantes ediciones gracias al éxito obtenido. Su labor docente también fue reconocida con la denominación de “América Martinez” para el Conservatorio Elemental de Música de Mairena del Aljarafe (Sevilla).
Culmina su biografía con la recopilación de grabaciones, en las que muchas de ellas corresponden a su gira por Colombia a principios de los años 50 y otras, a estudios y diversas piezas musicales, en su mayoría del Método Fortea, que fueron un pilar en su enseñanza.
Actualmente,  América Martinez vivía junto a su familia en el Puerto de Santa María y estaba totalmente retirada de cualquier actividad musical.
Fuente: laguitarrabalear.blogspot.com 

domingo, 6 de noviembre de 2011

IRENE ARANDA Piano


La pianista Irene Aranda se ha revelado como un nuevo valor en la escena del jazz español. De origen andaluz, comienza su formación musical con siete años, de mano de sus abuelos maternos. Se gradúa en el Conservatorio Superior de Música de Granada y complementa su formación clásica, asistiendo a clases de interpretación pianística y composición con Gerardo López Laguna, Guillermo González, Fernando Puchol, Pilar Bilbao, Antonio J. Flores y Javier Darías, entre los más destacables.
Irene se inicia en el jazz de manera autodidacta y más tarde estudia con Peter Zack, Eduard Simons, Chano Domínguez, Nikky Illes, Mike Ph. Mosman, Greg Hopkins, David Pastor, Jordi Farrés Tomás, Pete Churchill, Perico Sambeat, Tony Reedus, etc.
Ha colaborado junto a Paolo Fresu , Toots Thielemans , Maria Pia De Vito , Baldo Martínez y Bojan Z (entre otros ) en el libro de Fabio Ciminiera “Le rotte della música” ( Ianieri Edizioni ).
Su primer trabajo como líder Interfrequency 23 7, le ha proporcionado grandes elogios de la crítica y la ha llevado a participar en numerosos festivales.
Fuente: www.irenearanda.com 

sábado, 29 de octubre de 2011

ANU TALI Dirección




Actualmente considerada como una de las directoras jóvenes más fascinantes, Anu Tali pertenece a una nueva generación de artistas en busca de ideas musicales frescas en el mundo clásico.
Nacida en Estonia, comenzó su carrera musical como pianista, graduándose en 1991 en el Conservatorio de Tallin y continuando sus estudios en la Academia de Música Estona con los maestros Kuno Areng, Toomas Kapten y Roman Matsow.

De  1998 a 2000, estudió en el Conservatorio Estatal de St. Petersburgo con Ilya Mussin  y posteriormente con Lonid Korchmar.  Desde 1995 asistió a las clases magistrales de Jorma Panula en la Academia Sibelius de Helsinki  y Moscú.
Junto con su hermana gemela Kadri, fundó la Orquesta Sinfónica Nórdica en 1997, para desarrollar contactos culturales entre Estonia y Finlandia y unir a músicos de todo el mundo.  Actualmente esta orquesta está integrada por músicos  de quince países diferentes pertenecientes a las orquestas más importantes del mundo.  En otoño de 2007 la orquesta realizó su primera gira europea por Berlín y Munich.

Anu Tali dirige regularmente en Estonia y por todo el mundo.  En Europa ha trabajado con orquestas como la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, NDR Sinfonieorchester Hamburg, hr Sinfonieorchester Frankfurt, SWR Sinfonieorchester Baden-Baden & Freiburg, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Münchener Kammerorchester, Berner Symphonieorchester y la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.  Fuera de Europa ha dirigido las orquestas filarmónicas de Japón y Tokyo, las sinfónicas de New Jersey, Nashville y Edmonton.

En 2006 debutó en el Festival de Salzburgo con la Mozarteumorchester Salzburgo, y en el Savonlinna Opera Festival, donde volvió con una producción de Carmen en verano de 2007.  En 2008 dirigió una producción de Anna Bolena en el Mannheim State Theatre.

Lo más destacado de la presente temporada incluye una producción de Carmen en el Magdeburg State Opera, actuaciones con la MDR Sinfonierorcherter Leipzig y de nuevo con la Madison Symphony Orchestra y la Mozarteumorchester. Ha obtenido críticas muy positivas por su interpretación de "Las Canciones de las Guerras que he visto" de Heiner Goebbels con la London Sinfonietta la pasada temporada y están previstas más actuaciones con el Ensemble BCN216  en Barcelona y con los Seattle Chamber Players en los Estados Unidos.  Otros estrenos están programados con el German Ensemble MusicFabrik en España y Eslovaquia.
Anu Tali y la Orquesta Sinfónica Nórdica debutaron en 2002 con el "Vuelo del Cisne" (Finlandia/Warner Classics). La grabación ganó el premio Echo Classics 2003 al "Mejor Artista del Año".  Otras grabaciones incluyen  Action Passion Ilusion para el sello discográfico Warner Classics.

En 2003 Anu Tali recibió el "Premio Cultural de Estonia" y en 2004 el Premio Presidencial de EStonia por su trabajo para introducir la música estona en el mundo. Fue nombrada "Músico del Año 2006" por la Estonian Broadcasting Corporation. ARTE ha producido un documental titulado "Maestra Báltica" que fue emitido en Febrero de 2008.
Fuente: www.ospa.es;  www.facebook.com/anutali


LOUISE FARRENC Composición



Jeanne-Louise Farrenc, (1804-1875) fue una compositora y pianista que alcanzó gran reputación durante su vida, especialmente en Inglaterra, Francia, Bélgica y Alemania. Sus obras fueron reconocidas y elogiadas al más alto nivel por los expertos de la época, entre ellos Schumann o Berlioz, sin embargo pocos años después de su muerte pasó prácticamente al olvido.
 Nació en París, hija de una notable familia de artistas, entre quienes se encontraba su propio padre, Jacques-Edme Dumont, escultor que obtuvo el Premio de Roma. Alumna de Anton Reicha, y esposa del flautista y editor de música Aristide Farrenc en 1821.

Louise Farrenc no fue, una compositora ocasional, su catálogo incluye 51 obras, desde la música de cámara: dos quintetos, un sexteto y un noneto, (estrenado en 1850 por el prodigioso violinista Joseph Joachim, a los 19 años) a las composiciones para orquesta, incluyendo tres ciclos de estudios para piano, dos oberturas de concierto y tres sinfonías, amén de obtener numerosos premios, incluyendo el prestigioso Prix Chartier de la Academia de Bellas Artes en dos ocasiones, en 1861 y 1869.
Durante las décadas de 1820 y 1830, compuso obras exclusivamente para piano. Varias de estas piezas fueron elogiadas por los críticos, incluyendo a Schumann. En la década de los 30 y 40 , realizó grandes composiciones para orquesta y música de cámara, entre ellas dos quintetos de piano Opp. 30 y 31, un sexteto para piano y vientos Op.40, el noneto de vientos y cuerdas Op.38, un trío para clarinete o violín, cello y piano OP. 44, un trío para flauta, cello y piano Op. 45 y varias sonatas instrumentales entre otras composiciones.  El único campo que no abarcó en sus composiciones fue la ópera, la forma musical más importante en aquellos tiempos en Francia.
Fuentes: www.classical-composers.org; www.novedadesconservatorio.blogspot.com; en.wikipedia.com





CLARA ROMERO DE NICOLA Guitarra

CLARA ROMERO DE NICOLA (1888-1951), es una de las máximas responsables, junto con otros importantes profesores, de la implantación de la guitarra clásica en Cuba. Hija de emigrantes andaluces, quien después de estudiar guitarra clásica y flamenca en Málaga con NICOLÁS PRATS, alumno de JULIÁN ARCAS, y tocar con éxito en Cuba y Nueva York, fue responsable de la creación de la enseñanza de guitarra en varios Conservatorios de La Habana, introduciendo en los planes de estudio elementos populares y ritmos cubanos.
Además publicó un Método de Guitarra, basado en la Escuela Tárrega y fue Presidenta de la Sociedad Guitarrística de Cuba, que publicaba la revista "La Guitarra" y celebraba un festival anual.
Su hija CLARA NICOLA ROMERO también fue una famosa concertista y profesora de guitarra popular cubana, que publicaría un Método de Guitarra Folclórica en 1955. Por su parte su hijo Isaac Nicola (1916-1997), que estudió con EMILIO PUJOL en París y España, donde también investigó la vihuela y la guitarra barroca se convertiría a su vuelta a Cuba en 1942 en el profesor más respetado del país.
Fuentes: www.archivocubano.org; www.uh.cu; www.soncubano.com

viernes, 28 de octubre de 2011

SUSANNE ALT Saxofón






Susanne Alt  es una saxofonista y compositora holandesa que ha formado su propio grupo," Susanne Alt Quartet" y ha entrado a formar parte de las estrellas del jazz tras la publicación de su tercer álbum, en el cual participó el trombonista  Fred Wesley.  Empezó a estudiar música a una edad temprana, su padre es compositor y profesor de piano y su madre profesora de piano.  Ella empezó con estos dos instrumentos y a los 12 años comenzó con el saxofón. Con 15 años, después de ganar los premios regionales y nacionales, se convirtió en una estudiante externa en el Meistersingerkonservatorium Nürnberg, donde estudió saxofón clásico mientras continuaba en el colegio

Entre 1993 y 1996 asistió a talleres de jazz en Erlangen, donde ganó el prestigioso “Premio Internacional Siemens para jóvenes talentos de jazz”, en 1996. Por la misma época (1997-2000) fue miembro de la National Youth Jazz Orchestra Germany (Joven Orquestra Nacional de Jazz de Alemania ), dirigida por John Ruocco. En el año 2000 ganó premios en los concursos de Leiden y Breda, Holanda, y en el 2002 fue finalista del festival “Leipziger Jazznachwuchsfestival” en Alemania
En el 2004 se estrenó con su primer CD con composiciones escritas por ella misma y por los otros miembros del Susanne Alt Quartet.. También es miembro de la Amsterdam Jazz Orchestra, y de las Funk Soul Sisters. En el 2007 graba su segundo álbum "Delights" con su cuarteto y contó con la colaboración del guitarrista Anton Goudsmit. Este álbum tuvo muy buena acogida entre el público, pero sería con su tercer álbum "On Track" con el que alcanzaría el reconocimiento merecido por sus años de dedicación.  Para este álbum contó con la colaboración del prestigioso trombonista Fred Wesley, además del guitarrista Bruno SpeightSu último disco ha sido grabado a principios del 2011 con el  título "Live at Bimhuis".
Además del jazz ha cultivado otros géneros como el house, pop, funk,.... y ha colaborado con músicos de gran prestigio internacional como: Erick E. Roog, Natarcia, Promiss, Martin Damen, Leonardo, Ronald Molendjik, Marc van Dale, Cassie 6, Graham B. DJ Maestro, etc. 
En el siguiente vídeo se puede ver a Susanne Alt frente a su grupo en  un concierto en directo ofrecido en  octubre del 2010. 
Fuente y más información en www.susannealt.com







NATALIE MARCHENKO Saxofón



Natalie Marchenko, saxofonista de Munich, cubre un amplio registro musical en sus actuaciones.  Desde una suave música ambiental, hasta Funk, Pop y Soul con diversas bandas y hasta el más puro sonido House con un DJ.

Comenzó con el piano y estudió en varios conservatorios, primero en Bielorrusia, acabando en el conservatorio de Música de Würzburg, donde se graduó.  Natalie compuso y produjo en Bielorrusia dos prometedores CD's (Ordinary Angel, 1998 y Mirror of Time, 2001) lo que la ayudó a establecerse como compositora, arreglista, cantante y saxofonista.  Ha colaborado con diferentes músicos y ha actuado tanto en solitario como con su propia banda junto a grandes estrellas.  Su canción "Ordinary Angel" fue un hit en radio y su vídeo fue también uno de los más vistos en TV.

Desde Marzo de 2000 vive en Munich.  Rápidamente se dio a conocer por sus actuaciones en vivo y sus galas (presentaciones de las marcas Porsche, Mercedes, Jaguar y otras como Siemens, Microsoft, E-On, etc.), así como actuaciones con varios DJ'S de la escena europea.  Natalie ha sido la primera, y por el momento la única, que ha tocado con los "Cyberspace Hippies" en 2003, en el acto de apertura del concierto de AC/DC en Berlín y Munich.

Múltiples bandas internacionales  de varios estilos musicales, confían en Natalie, tanto por su forma de interpretar como por su carismática puesta en escena.  Con un alto nivel interpretativo  se decanta por probar cosas nuevas en la escena musical.
Fuente: www.nataliemarchenko.com

jueves, 22 de septiembre de 2011

NIURKA GONZÁLEZ Flauta, Clarinete




Niurka González se ha convertido en una de las intérpretes de flauta y clarinete con más prestigio de Cuba, incluso algunos expertos  apuntan a que será la gran flautista latinoamericana del futuro. Destacan sus colaboraciones en  grabaciones  y conciertos de artistas de primer nivel, como son: Silvio Rodríguez, Leo Brouwer, Chucho Valdés, José María Vitier, Amaury Pérez o Jorge López Marín entre otros. 

Nacida el 21 de marzo de 1977, inicia sus estudios musicales en el Conservatorio "Manuel Saumell" en el año 1989 y después de graduarse como flautista y clarinetista en el Conservatorio "Amadeo Roldán" en 1995,  continúa sus estudios en el Instituto Superior de Arte de Cuba con los profesores Luis Bayard en flauta y Jesús Rencurrell en clarinete.

En 1997, obtiene el Primer Premio en el Conservatorio Superior de París (CNR) y en 1999, el Diploma de Oro del Instituto Superior de Arte.

Ha recibido clases de los maestros Alain Marion y Sophie Cherrier, Claudi Arimany y de Andras Adorjan y asistido a clases magistrales de Jean-Pierre Rampal, Michel Debost y Barthold Kuijken.

Destacan sus interpretaciones como solista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba dirigida por el Maestro Leo Brouwer, Enrique Pérez Mesa, Iván del Prado, Jean Paul Penin, Sebrina Alfonso y Bernard Rubenstein, con la Banda Nacional de Conciertos dirigida por el Maestro español José Cerveró Pizarro, con la Orquesta de Cámara Música Eterna dirigida por el Maestro Guido López Gavilán, con los Solistas de la Habana, bajo la dirección del Maestro Iván Valiente y con la Orquesta de Cámara de la Comunidad Europea bajo la dirección del violinista noruego Eivind Aadland, así como con destacadas orquestas en Chile y Brasil.

Como integrante del Trío de Música de Cámara Habana realizó, en 1994, una gira de conciertos por Barcelona, interviniendo como solista en un concierto patrocinado por la Fundación PHONOS.

Ha sido ganadora del Gran Premio en los concursos "Amadeo Roldán" 1991 y 1994, así como Mención a la Mejor Interpretación de Música Cubana; Gran Premio en el VI Concurso y Jornada de Música de Cámara del Centro Nacional de Música de Conciertos donde obtiene además, la Mención a la Mejor Interpretación de Música Barroca y de Música Latinoamericana en 1993; Premio en el Concurso de Música de Cámara de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba; Mención a la Maestría Interpretativa, 1993; Premio en el IX Festival y Concurso de Música Contemporánea "José Ardevol" así como Mención a la Interpretación de una Obra Cubana; Primer Lugar y Mención a la Interpretación de una Obra Cubana en el Concurso Musicalia'95 del Instituto Superior de Arte. En el año 2009 recibe el Premio Espiral Eterna que otorgó por primera vez laOficina del Maestro Leo Brouwer.

Ha representado a Cuba en festivales en Ecuador, Brasil, México, Reino Unido, Francia entre otros donde ha realizado conciertos y clases magistrales.

Su colaboración como solista y como integrante de diversos formatos de música de cámara la ha llevado a presentarse prestigiosas salas en México, República Dominicana, Argentina, España, Chile, Francia, China, Inglaterra, Italia, Brasil, Paraguay, Ecuador, Uruguay y Estados Unidos.

En el año 1996 se le otorga una beca, por un año, del Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia donde estudia en el Conservatorio Superior de París (CNR) con la profesora Sophie Cherrier, obtiene Primer Premio en el Concurso de Premios de Flauta de dicho conservatorio, con lo que obtiene el Diploma de Fin de Estudios en el Nivel Superior.

Ha sido invitada por el Maestro Claudio Abaddo a participar en los cursos de perfeccionamiento orquestal auspiciados por la fundación “Gustav Mahler” celebrados en las ciudades de Ferrara y Bolzano.

En el 2002 graba su primer Cd “Flauta Virtuosa” junto a la pianista María del Henar Navarro, recibiendo el mismo el premio a la mejor “Opera Prima” en el certamen Cubadisco 2003.

Durante todos estos años se destacan sus colaboraciones en grabaciones y conciertos de músicos como Silvio Rodríguez, Leo Brouwer, José María Vitier, Amaury Pérez, Ernán Lopez-Nussa, Liuba María Hevia, Chucho Valdés, Guido López Gavilán, Jorge López Marín, entre otros.

Desde 1996 junto a la pianista María del Henar Navarro integra el Dúo Ondina.

Actualmente es solista de la agrupación de música de conciertos, forma parte del grupo de músicos que acompaña al trovador Silvio Rodríguez y es profesora auxiliar de flauta del Instituto Superior de Arte de La Habana, Cuba.
Fuente: www.niurkagonzalez.com 

CECILIA ARIZTI Piano, Composición



Esta notable pianista, compositora y pedagoga nació el 28 de octubre de l856 en la Ciudad de La Habana. Su madre fue Teresa Sobrino y su padre el pianista Fernando Arizti, que fue su profesor desde muy pequeña. Más tarde fue discípula del sobresaliente pianista, compositor y pedagogo cubano Nicolás Ruiz Espadero (l832-1890), que la adiestró con la obra pianística de clásicos y románticos como Mozart, Lizst y Beethoven. Junto a su padre y con Espadero, Cecilia Arizti, se familiarizó con todos los estilos y forma de la música universal europea de su tiempo. A los dieciocho años de edad y dueña de sólida preparación técnica, se inicia en la producción de algunas obras de importancia. Fue excepcional el ambiente artístico e intelectual en el cual se desenvolvió toda su vida. La mansión de sus padres era famosa en su época por sus frecuentes veladas artísticas y donde se relaciona estrechamente con figuras musicales e intelectuales cubanas y extranjeras más sobresalientes. Cecilia Arizti ofreció algunos conciertos en la Sala de Anselmo López y en el Centro Gallego, de la Ciudad de La Habana. En 1896 residiendo en la ciudad de Nueva York, se presentó con un éxito notable, en el Carnegie Hall. Llegó a ser una impecable pianista, pero fue la composición musical la actividad preferida por ella.
A excepción de algunas obras para Trío de piano, violín y violoncello, toda su obra la concibió para el piano instrumento que dominaba a la perfección y en la que percibe claramente la influencia de Chopin y Schumann y de otros compositores del siglo XIX europeo. Según Alejo Carpentier, en su libro La Música en Cuba: “…La tendencia romántica-europizante de Nicolás Ruiz Espadero tuvo sus continuadores en Cuba con su discípula Cecilia Arizti, como su maestro, era víctima desgraciadamente de un afán de trabajar de acuerdo con los “buenos ejemplos” propuestos por su época limitando sus posibilidades, por complejos de inferioridad. Solo vemos a los compositores, prosigue Carpentier, tal como hubiera podido ser, cuando escribe páginas llanas, simples, de un saber romántico atenuado, que hace pensar (curiosa pero real coincidencia en el Adagietto, de Les biches, de Paulenc.

A partir de 1887 Cecilia Arizti, publicó en Nueva York y en Francia una serie de composiciones para piano: dos Scherzo, Nocturno, Reverie, Impromptu, y una Danza. El estilo de Cecilia era más castigado que el de Espedero y solía ignorar el virtuosismo tan presente en su época. El Nocturno es de una rara delicadeza. Entre sus obras más conocida en su época está su Trío, para piano, violín y violoncello, estrenado por su autora el 20 de noviembre de 1893 en el Salón López, en unión del violinista cubano Rafael Diaz Albertini y el violoncellista Rafael Ortega. El pianista y compositor y también cubanos Ignacio Cervantes y el crítico Serafín Ramírez lo calificaron dicho trío de obra colosal y grandiosa. Se considera la primera obra en su género escrito por una mujer cubana en el siglo XIX y por su calidad pianística, desenvolvimiento de la forma y el equilibrio del conjunto instrumental de sus cuatro partes, constituyen por su belleza un valiosísimo aporte a la música de cámara de nuestro país.
En el campo de la enseñanza escribió un manual de ejercicios para el piano e impartió clases particulares y en el Conservatorio de Carlos Peyrellade, de La Habana.
Cecilia Arizti, falleció el 30 de de junio de 1930 en la Ciudad de La Habana.
RELACIÓN DE OBRAS DE CECILIA ARIZTI
Barcarola, Mazurka, Impromptu, Vals lento, Dos Scherzo, Rreverie, Vals brillante, Danza, Romance, Nocturno, Balada, Danza fantástica, Berceuse, Campesina, Adante religioso, Tercer scherzo, Improvisación, y Ejercicios diario para piano (técnica pianística )
MÚSICA DE CÁMARA
Melodía romántica, y Romanza, para violín y piano, Trío, para piano, violín y violocello.
Fuentes:
www.lajiribilla.cubaweb.cu
Carpentier, Alejo. La Música en Cuba. Editorial Letras Cubanas. La Habana l988.
Martínez, Orlando. Cecilia Arizti (1856-193O) Homenaje en el Centenario de su natalicio. Ediciones de Blanck, La Habana, 1956.
En este vídeo podemos escuchar su composición Nocturno Op.13 interpretada por Madeline Lu.

viernes, 16 de septiembre de 2011

ANA GUIJARRO Piano




Nacida en Madrid realiza sus estudios pianísticos con Antonio Lucas Moreno y Carmen Díez Martín, de quien recibe una gran influencia musical.

En 1977 se traslada a Roma, como becaria de la Academia Española, trabajando bajo la dirección de Guido Agosti y un año más tarde a París. Allí prosigue sus estudios en l´École Normale de Musique, con Marian Rybicki, donde es laureada en 1981 con el Diplôme Supérieur d´Éxecution, máximo galardón de dicha institución, así como un Premio especial a la mejor interpretación de Chopin.

Está en posesión de diversos galardones: María Canals juvenil ( Ars Nova, en 1973 ), finalista en el Concurso Internacional Jaén ( 1976 ), Mención de Honor en el Concurso Internacional de Santander Paloma O´Shea ( 1978 ), Diploma de Honor en el Concurso Internacional F. Chopin ( Varsovia, 1980 ) etc.

En 1991 tuvo su presentación en el Wigmore Hall de Londres junto al violoncellista Gregory Walmsley, teniendo un gran éxito de crítica y público.

Además de numerosos recitales por toda España, ha actuado en ciudades europeas de Inglaterra, Francia, Austria, Italia, Polonia, Portugal, así como en E.E.U.U. y Canadá. Ha sido invitada para actuar como solista con la Orquesta Nacional de Oporto, Montreal Chamber Players, en Canadá, London Simphony, así como con las orquestas más importantes de España. Ha actuado bajo la batuta de José Luis Temes, E. Martínez Izquierdo, V. Sutej, Collin Metters, Yuri Simonov, M. Groba, Leo Brower, P. Halffter. Con Francisco de Gálvez y Juan Luis Pérez, dirigiendo la Montreal Chamber Players, y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, respectivamente, ha realizado la grabación del 1º y 2º Conciertos para piano y orquesta del insigne compositor sevillano, Manuel Castillo. Interesada por la música de Cámara colabora frecuentemente con músicos de la ROSS y Oviedo Filarmonía.
Ha participado en el proyecto de la integral de las 32 Sonatas de Beethoven junto a Almudena Cano, entre otros pianistas de reconocido prestigio.

Imparte asiduamente clases magistrales en cursos y festivales internacionales, así como en los cursos de Música de Cámara organizados por la Universidad Colgate en el estado de Nueva York. Ha sido invitada a los cursos de especialización musical del Aula de Música de la Universidad de Alcalá. Colabora con la Escuela de Música Berenguela en Santiago de Compostela, en los Cursos Internacionales de Música Matisse, en S. Lorenzo de El Escorial así como con la Fundación Eutherpe en León, donde imparte Cursos para estudiantes de grado superior y postgraduados.

La grabación en CD de toda la obra para piano de Manuel Castillo ha suscitado un gran interés, siendo muy aplaudida por la crítica. También ha realizado grabaciones para TVE, RNE, Canal Sur TV, RAI, Radio polaca etc.

Ha sido invitada para participar en diversos proyectos conmemorativos por el centenario de Isaac Albéniz.

Desde el año 1983 es catedrática de piano, siendo además en la actualidad Jefe de Departamento en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Fuente: www.anaguijarro.com

martes, 6 de septiembre de 2011

TANIA LEÓN Dirección, Composición





    • Tania León. Compositora y directora de orquesta. Es una de las figuras femeninas cubanas más ampliamente admiradas y respetadas en el mundo de la música culta contemporánea, no solamente como directora orquestal y compositora, sino también como educadora en ese campo.
Nace en La Habana, Cuba, el 14 de mayo de 1943. Inició sus estudios en el Conservatorio Carlos alfredo Peyrellade, continuó en el Conservatorio Nacional Hubert de Blanck y los completó en la Universidad de Nueva York, donde obtuvo el título Bachiller en Educación Musical y Master en Composición.
En 1969, por invitación de Arthur Mitchel se convirtió en miembro fundador y primera directora musical del “Dance Theatre of Harlem”, en el que fundó el departamento de música, la escuela de música y la orquesta.
En la Década del 70 desarrolló una intensa actividad profesional como directora musical y de orquesta, sobre todo en programas de televisión y teatro musical.En 1978, por invitación de Lukas Foss, de quien fue directora asistente, fundó junto con los compositores Julius Eastman y Talib Hakim las Brooklyn Philarmonic Community Concert Series.
En la Década del 80 su actividad fue intensa: Fue Directora musical de la Alvin Alley Dance Company, Compositora residente en el Lincoln Center Institute, Directora musical y de orquesta de la serie de música contemporánea del Whitney Museum y Directora artística del Composers Forum Inc. de Nueva York.
En la Década del 90, ya con reconocido y consolidado prestigio, Tania León cofundó con Dennis Rusell Davies en el seno de la American Composers Orchestra (ACO), de la que ha sido asesora artística, los festivales Sonidos de las Américas.
En el campo de la dirección orquestal, ha dirigido numerosas y prestigiosas orquestas en América, Europa y África, entre ellas American Composers Orchestra Chamber Ensemble, New World Symphony, Metropolitan Opera, New York Philarmony Orchestra, Orquesta Sinfónica de El Salvador, Orquesta Sinfónica Beethovenhalle de Alemania, Gewandhausorchester de Leipzig, Orchester Akademie de Hamburgo, Netherlands Winds Ensemble, Opera Orchestra of Johannesburgo.
Ha sido compositora residente en diversos centros, entre otros: Centro Bellagio en Italia, The New School de Nueva York, Scripps College, Clerenmont de California, atlantic Center for the Arts en Florida, Fromm Residensy de Roma...

Sus composiciones se basan en la diversidad de sus orígenes (nigeriano, francés, chino, español) y de gente, música y culturas diferentes que la rodean. La música caribeña y la música americana de gospel y jazz son sus pilares más importantes.. Tímbricamente cabe destacar el uso de una variadísima percusión de origen afrocaribeño y una amplia visión de las posibilidades instrumentales y vocales, incluyendo un singular tratamiento instrumental que confiere a la voz humana en alguna de sus obras. La atonalidad, no sin algunos escarceos con el lenguaje tonal, es otra de sus características y una oportuna utilización de los lenguajes contemporáneos de composición. Su escritura es pródiga en séptimas y novenas, distancias que parecen resumir, junto con las segundas, sus preferencias interválicas.
Entre sus actividades docentes cabe señalar que desde 1985 ha sido profesora en el Brooklyn College Conservatory of Music, y entre 1982 y 1988 fue artista docente en el Lincoln Center Institute.
Ha impartido clases magistrales en la Hamburg Musikschule de Alemania y en cursos de verano. Ha sido lectora visitante en la Universidad de Harvard, 1994, profesora visitante de composición en la de Yale, 1993 y en el Ithaca College de Nueva York, 1997-1998.


Ha sido galardonada en numerosas ocasiones. Entre los premios conseguidos destaca:
  • American Academy and Institute of Arts and Letters, 1991
  • Meet the Composer/Reader’s Digest Commission, 1992 y 1995
  • American Academy of Arts and Letters recording Grant, 1993
  • New York State Council Award for the Arts Commission, 1994
  • The American Music Center’s Letter of Distinction, 1997
Su ópera Scourge of Hyacinths, sobre texto del Premio Nobel, el nigeriano Wole Soyinka se estrenó en la IV Bienal de Munich, 1994, y obtuvo el premio BMW de Teatro Musical a la mejor obra.
Ha compuesto numerosas obras para diferentes instrumentos, ballets, coros, ópera, etc.

Ballet
  • Tones, 1970
  • The Belovet, 1972, en colaboración con J. Hamilton
  • Haiku, 1973
  • Belé, 1981
Cello
  • Four Pieces for Cello solo, 1983
Conjunto instrumental
  • Latin Lights, 1979, para conjunto de cámara
  • Pet’s Suite, 1980, flauta y piano
  • Permutation Seven, para flauta, clarinete, trompeta, violín y cello, y Sonata para cello, 1981, para cello y piano
  • Ascend, 1983, para cuatro cornetas, tres trombones, tuba y tres percusionistas
  • Permutación Seven, 1985, para conjunto de cámara y público
  • A la par, 1986, para piano y percusión
  • Parajota Delaté, 1988, para flauta, clarinete, violín, cello y piano
  • Journey, para violín, arpa y flauta, Parajota Delaté, para flauta, oboe, clarinete, fagot y piano
  • To and Fro, para violín y piano 1900; Indígena, 1991, para orquesta de cámara
  • Arenas de un tiempo, para clarinete, cello y piano, Crossings, para corneta, cuatro trompetas, cuatro trombones y tuba 1992
  • Son sonora, 1993, para flauta y guitarra
  • Sin normas ajenas, 1994, para conjunto de cámara
  • Hechizos, 1995, para gran orquesta de cámara
  • De color, 1996-1997, para violín
  • Saoko, 1997, para metales
Coro
  • De-Orishas, 1982, texto
  • Bety Neals; Sol de doce, 1997, texto: Pedro Mir
Coro con acompañamiento
  • Heart of Ours: A Piece, 1988, para coro masculino, flauta, cuatro trompetas y dos percusionistas
  • Batey, 1989, para conjunto vocal y percusión, en colaboración con M. Camilo
Guitarra
  • ¡Paisanos semos! (We’s Hillbillies), 1984
Ópera
  • Scourge of Hyacinths, 1994, dos actos, texto: Wole Soyinka
Orquesta
  • Concierto criollo y Pet’s Suite, 1980; Batá, 1985; Carabalí, 1991
Piano
  • Ensayos sobre una toccata, Preludio núm. 1 («Sorpresa») y Preludio núm. 2 («Pecera»), 1966
  • Ritual, 1987, Homenaje a Prokofiev
Solista y coro
  • Namiac Poems, 1974, para coro y orquesta
  • Spiritual Suite, 1975, para coro, narrador y conjunto instrumental mixto
Solista y orquesta
  • Concierto criollo, 1980, para piano y ocho tímpani y orquesta; Kabiosile, 1988, para piano y orquesta
  • Seven Spirituals, 1995, para violín y orquesta
Teatro musical
  • La ramera de la cueva, texto: M. Pena, y Sailor’s Boat, 1974
Voz y acompañamiento
  • I Got Ovah, 1980, para soprano, piano y percusión
  • Pueblo mulato, 1987, para soprano, oboe, guitarra, contrabajo, percusión y piano
Journey, para soprano, flauta y arpa, y To and Fro, para mezzo-soprano y piano, 1990
Or like a..., 1994, para barítono, cello y percusión
Singin’Sepia, 1996, para clarinete, violín y piano a cuatro manos


Fuente: www.ecured.cu

JOSEPHINE LANG Composición, Piano



Josephine Lang es una de las grandes damas de la composición del siglo XIX. Nació en Munich, Alemania, en 1815, perteneciente a una familia de músicos. Su padre, Theodor Lang fue violinista y su madre, Regina Hitzelberger, fue cantante de ópera.
Josephine demostró tener un gran talento desde muy pequeña y a menudo era solicitada para tocar el piano en los salones más importantes de Alemania. Se ganó el respeto y la admiración de muchos compositores, entre ellos Felix Mendelssohn y Robert Schumann. A pesar de su talento como concertista, varias desgracias a lo largo de su vida la apartaron de los escenarios. Se quedó viuda con 6 hijos a su cargo, por lo que se dedicó a dar clases de piano y a componer.
Clara Schumann y Ferdinand Hiller quisieron promocionarla y así obtuvo algún éxito en sus composiciones.
Los últimos años de su vida fueron bastante duros, si ya gozaba de poca salud se le murieron 3 hijos por lo que acarreó depresiones y enfermedades hasta 1880, año en que murió. A pesar de todo nunca dejó de componer y de dar clases.
En 2007, los investigadores Harald y Sharon Krebs publicaron una biografía titulada Josephine Lang: her life and songs, y así rescatar a esta gran dama de la composición del olvido histórico.
Fuente www.rebeccaclarke.org; www.leonarda.com

martes, 23 de agosto de 2011

JEANNE-LOUISE FARRENC Composición, Piano

Jeanne-Louise Farrenc, (1804-1875) fue una compositora y pianista que alcanzó gran reputación durante su vida, especialmente en Inglaterra, Francia, Bélgica y Alemania. Nació en París, hija de una notable familia de artistas, entre quienes se encontraba su propio padre, Jacques-Edme Dumont, escultor que obtuvo el Premio de Roma. Alumna de Anton Reicha,y esposa del flautista y editor de música Aristide Farrenc en 1821.

Louise Farrenc cuenta con un extenso catálogo en el que incluye 51 obras, desde la música de cámara: dos quintetos, un sexteto y un noneto, (estrenado en 1850 por el prodigioso violinista Joseph Joachim, a los 19 años) a las composiciones para orquesta, incluyendo tres ciclos de estudios para piano, dos oberturas de concierto y tres sinfonías, amén de obtener numerosos premios, incluyendo el prestigioso Prix Chartier de la Academia de Bellas Artes en dos ocasiones, en 1861 y 1869.
Durante las décadas de 1820 y 1830, compuso obras exclusivamente para piano. Varias de estas piezas fueron elogiadas por los críticos, incluyendo a Schumann. En la década de los 30 y 40 , realizó grandes composiciones para orquesta y música de cámara, entre ellas dos quintetos de piano Opp.30 y 31, un sexteto para piano y vientos Op.40, que más tarde apareció en un arreglo para quinteto de piano, el noneto de vientos y cuerdas Op.38, un trío para clarinete (o violín), cello y piano Op.44, un trío para flauta (o violín), cello y piano Op.45, y varias sonatas instrumentales, entre otras composiciones. El único campo que no abarcó en sus composiciones fue la ópera, la forma musical más importante en aquellos tiempos en Francia.
Sus obras fueron reconocidas y elogiadas al más alto nivel por los expertos de la época, entre ellos Schumann o Berlioz sin embargo pocos años después de su muerte pasó prácticamente al olvido.
Fuentes: www.classical-composers.org; www.novedadesconservatorio.blogspot.com; en.wikipedia.com

miércoles, 17 de agosto de 2011

HELEN VOLLAM Trombón


Helen Vollam se ha convertido en una de las trombonistas internacionales más reconocidas cuando, en el año 2004 fue la primera mujer en ocupar la posición de trombón principal con una orquesta en Londres, concretamente con la Orquesta Sinfónica de la BBC.


Helen Vollan nació en 1974 y comenzó sus estudios de trombón a los 7 años con Anne Higgs, su primera experiencia musical fue con la banda Cheddar Valle Junior Brass Band. Después de mudarse a Saffron Walden en Essex estudió con Willi Watson y se unió a la Essex Youth Orchestra, donde conoció a Denis Wick, con quien comenzó a estudiar.
Helen llegó a la final de la BBC Young Musician Competition en 1992 junto a la Orquesta Sinfónica Juvenil nacional de Gran Bretaña. Estudió en la Guildhall School of Music and Drama con Cris Eric y durante ese tiempo fue la trombonista principal, tanto en la European Union Youth Orchestra como en la London Philharmonic Youth Orchestra. Ganó numerosos concursos, como el premio Philip Jones Memorial Prize en el año 2003, en el concurso de la Royal Over-Seas League.
Junto con Becky Smith, Jayne Murril y Lorna McDonald forman el cuarteto de Trombón Bones Apart, con el cual interpretan un repertorio muy variado, con arreglos hechos por ellas mismas. Desde 1999, año en que se formaron, el cuarteto ha conseguido gran prestigio y reputación a nivel internacional y ha grabado un disco titulado "Ten" en conmemoración de su décimo aniversario como formación. Han actuado en las salas de conciertos más inportantes de Gran Bretaña y suelen colaborar en proyectos educativos, ofreciendo talleres y clinics en escuelas de todo el Reino Unido y Masterclass por Universidades y Conservatorios de Europa y Estados Unidos.
Fuente: www.bonesapart.com

MIN-JIN KYM Violín



Min-Jin Kym es una de las violinistas con más prestigio dentro de la música clásica. Hizo su debut internacional a los 13 años tocando con la Orquesta Sinfónica de Berlín. Numerosos premios avalan su trayectoria musical, como el primer premio del prestigioso Mozart Internacional Competition de Bolonia, Italia, conseguido con tan sólo 11 años.
Nació en Corea del Sur y creció en Gran Bretaña y toca el violín desde los 6 años. Comenzó a estudiar en la Purcell School of Music y cuando era todavía una adolescente fue admitida en el Royal college of Music de Londres.

Ha participado como solista en varias orquestas de gran prestigio internacional, como la Orchestra Philharmonia, la London Philharmonic Orchestra, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Johannesburgo, la London Symphony Orchestra.... Ha trabajado bajo la batuta de grandes directores como Vladimir Ashkenazy, Sir Andrew Davis o Giuseppe Sinopoli, entre otros.

Hasta el momento ha grabado 2 cd's con su propio nombre junto al director y pianista Ian Brown, con el que ofrece recitales con mucha frecuencia. El primer CD lo grabó con música de Brahms, interpretando la Sonata para Violín y Piano No 3, Op. 108 junto a Ian Brown y en ese mismo CD también interpreta el Concierto para Violín Op. 77 con la colaboración de la Philharmonia Orchestra. Para su segundo disco escogió dos obras de Beethoven, el concierto de Violín en D Mayor Op. 61, también junto a Ian Brown y la Philharmonia Orchestra y la Sonata No. 7 en C minor, Op 30 No 2 a duo con el pianista Ian Brown.
Fuente: www.min-jin.com

martes, 9 de agosto de 2011

ADRIANA DE LOS SANTOS, Piano

Pianista argentina, nacida en Entre Ríos donde cursó sus primeros estudios musicales. En l978 egresó del Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral con el título de Profesora Nacional de Música en la especialidad piano. En Argentina sus maestros fueron Amalia Creus, Gerardo Gandini y Lucía Maranca.

En 1980 ingresó n la McGill University de Montreal, Canadá, donde hizo estudios de posgrado con los maestros Charles Reiner y Natalie Pepin en música clásica, y Bruce Mather en técnicas del siglo XX.

En 1977 comenzó sus actuaciones en música contemporánea que incluyeron estrenos de obras de compositores argentinos. Fue miembro del Contemporary Music Ensamble de la McGill University, Canadá. Ha realizado giras por diversos países y trabajado para las principales agrupaciones argentinas y latinoamericanas de música contemporánea.

En 1988 dirigió el megaconcierto “Vejaciones”de Erik Satie, durante doce horas continuas y con diez pianistas diferentes, en el Teatro General San Martín de Buenos Aires. En 1991 dirigió el teatro musical “La Momia” del compositor argentino Gustavo Ribicic, con cinco actores y diez músicos en escena. En 1992 dirigió el ciclo “Paramusikal Parakultural”, auspiciado por el Teatro Colón y la Secretaría de Cultura de la Nación. En 1995 fue invitada por la Universidad Católica de Lima, Perú, para dictar clases magistrales y ofrecer conciertos de música latinoamericana.

En 1997 inauguró con un concierto, el Festival Latinoamericano de Cine que se realizó en Lima, Perú. También fue invitada al Primer Festival de Buenos Aires en Porto Alegre, Brasil. Tuvo a su cargo los conciertos inaugurales del Ciclo Experimenta 97, 98, 99 y 2000. En 1999 estrenó el circo cageano “La Desconocida”realizado en colaboración con el poeta Jorge Perednik.
En 1999 forma un trío de música interactiva con el artista visual Gregori Kowalski y la compositora Andrea Pensado, con el que trabaja con las últimas tecnologías del género, y realiza numerosas presentaciones durante tres años.
En 2003 realiza en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro General San Martín de la Ciudad de Buenos Aires, una función de cine con música en vivo con piano y electrónica.
En la actualidad trabaja como solista y con diversas agrupaciones, en dúo de piano, música electrónica e interactiva y en ensambles de improvisación.
En 2004 forma el Trío El Otro Tango y en 2006 el Dúo Adriana de los Santos-Zypce de música actual compuesta por Federico Zypce y otra en conjunto.
En 2005 es invitada como artista al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Argentina, a una mesa redonda sobre arte y cine experimental con la cineasta norteamericana Bárbara Hammer y en 2007 en el mismo festival, abrió el ciclo de cine afroamericano con una performance en vivo acompañando la película Within ours Gates del director estadounidense Oscar Micheaux.

Es una pianista formada en la música clásica que se empezó a interesar desde sus primeros estudios –en la Facultad de Música de Santa Fe– por los autores contemporáneos. Su repertorio se fue volviendo cada vez más actual, mientras su formación académica seguía con la música clásica. A partir de John Cage atravesó una frontera que ahora le permite improvisar, experimentar y tocar piezas de autores de su época. Después, siguió sus estudios en Canadá y formó parte de un grupo de música contemporánea en la Facultad de Montreal.
Adriana de los Santos es parte del grupo Experimenta, que empezó como un ciclo ideado por Claudio Koremblit. Apenas Koremblit consiguió que fuera posible traer músicos de afuera dedicados a la experimentación y que tocaran con los de acá, también comenzaron los problemas interminables con las instituciones involucradas. Entonces Adriana pensó que Experimenta era algo más que un nombre y que tenía que ser un lugar donde se pudiera experimentar.

Al regresar de Canadá, se encontró en Buenos Aires sin parientes ni amigos. El hombre con quien se había casado y se había ido de Buenos Aires, no había querido volver. Solamente tenía una amiga pianista que justo se iba a vivir a Angola y que le dejó todos sus alumnos. Un día la llamaron para tocar en un concierto y a partir de entonces empezó a tocar todo el tiempo.

Hace poco tiempo en una crítica a un concierto, publicada en un diario, se mencionaba que no era necesario “preparar pianos” para ser innovador. En determinados ámbitos, incluso dentro de la música contemporánea, que tiene su sector ultra académico y conservador, sigue siendo Cage quien divide las aguas. Las diferencias entre compositor e intérprete que Cage se encargó de relativizar –entre otras cosas– saca de quicio a más de uno. “Hay muchos prejuicios, que los improvisadores, los intérpretes, los compositores, los profesores universitarios, la música popular, el rock. Es muy complicado. Nadie está libre de esos prejuicios pero es importante que haya un interés por no tenerlos, por cuestionarse, ¿qué estoy diciendo?, porque la única manera de desarrollar cosas y de cambiar el espíritu de todo es mezclándose con la gente. También hay que ver qué hace uno para romper eso. No está en los jóvenes naturalmente la falta de prejuicios, Picasso decía ‘para ser verdaderamente joven hacen falta muchos años’. Hay gente que está tan enamorada de la cultura clásica que le cuesta mucho entender otros fenómenos, otras necesidades. Me parece bien, lo que no parece bien es hacer una militancia de eso, es como si yo dijera ‘la verdad es que Beethoven es una mierda’. Es cierto que hay un desgaste de lo novedoso, pero son procesos, yo creo que en todas las épocas debe haber sucedido con el agravante de que a nosotros se nos complicó con la comunicación que le inyectó velocidad a todo. Antes los compositores para comunicarse tardaban décadas, después los románticos ya estaban más en relación, pero a partir del siglo XX fue una cosa detrás de la otra.”

Siguiendo con los prejuicios, otros sectores acusan a los músicos que se dedican a la experimentación, utilizando instrumentos en un sentido diferente al que fueron fabricados o trasformando objetos en instrumentos, de excéntricos elitistas que tocan para su propio placer sin importarles que sus obras puedan resultar aburridas o que no se entiendan. “Es verdad que hay elitismo y que hay mucho prejuicio en cada uno sobre que nadie lo va a entender. Pero hay una confusión, yo tenía un maestro, un pintor, que cuando alguien decía ‘yo a esto no lo entiendo’, él contestaba: ‘y usted, de La Gioconda, ¿qué entiende?’. De Mozart, ¿qué entendemos? Lo que pasa es que hay un fenómeno de recurrencia, escuchamos todo el tiempo una música que está organizada de una manera determinada, que es la música del sistema y que está en la radio, en los jingles televisivos, en todas partes. Todo lo que escuchamos está en el sistema tonal, apenas te fuiste de ese sistema, estás afuera. Entonces es un tema de frecuentación, es muy difícil encontrarse con alguien, con esta gente que está afuera del sistema. Y cuando el sistema los adopta, por ejemplo en el ciclo del San Martín de música contemporánea, que es un mes al año en el que vienen músicos de afuera, la gente ve que los curriculums son reimportantes y que los que tocan acá ya tienen un cierto recorrido en la música, eso también es terrible. La salida de Experimenta a Grissinópoli este año fue de improvisaciones, 450 personas, 300 entradas vendidas, y la gente no se movió, se suponía que nos iban a tirar con sillas porque no era nadie del “ambiente” y sin embargo funcionó, estuvieron ahí, interesados por ese fenómeno. Eso me dio ánimo, porque si vos hacés eso en un contexto adonde la gente espera a una pianista de música clásica, no hay posibilidad de comunicación, está todo fallado. Una mujer nos escribió una carta que decía: ‘Tengo 60 años, era sábado a la tarde, me compré el diario y mientras mi marido dormía la siesta, leo que a la vuelta de mi casa iban a tocar. Yo no tenía idea de la fábrica tomada, le dije a mi marido por qué no vamos. Y les quiero agradecer porque pasé una de las noches más lindas de mi vida, estoy muy emocionada y me encantó’, pero entonces yo digo, ¿qué es lo que hay que saber para escuchar? El que está educado, está prejuiciosamente educado. La filosofía es tal, la música es tal, la lectura es tal, no hay otra cosa, entonces, esos cultos no pueden escuchar nada. Me parece que las sociedades que logran tener un poco de todo sonlas que más crecen, las que permiten que las cosas no se anquilosen en el poder porque a todo lo que le pasa eso, se muere.”
Fuente: www.imuspucv.cl